Рококо в архитектуре представители: Архитектурный стиль рококо

Архитектурный стиль рококо

Келуш (Queluz) — жемчужина архитектурного стиля рококо. Португалия. Округ Лиссабон. Строительство дворца началось в 1747 г. Проект архитектора Матеуша Винсенте де Оливейра (Mateus de Oliveira).

Стиль рококо (rococo) появился во Франции в первой половине 18 века во времена правления Регента Филиппа Орлеанского (1715—1723 гг.) В середине 18 века стиль рококо критики называли «испорченным», «выкрученным» и «вымученным». Этот стиль стал отражением светской культуры королевского двора, образа мышления французской аристократии, стремившейся создать собственный идиллический мир. Философию стиля рококо сформулировали королевские фаворитки: мадам Дюбари, маркиза де Помпадур, Мария Лещинская, которые основой жизни считали чувственные наслаждения, изысканность, утонченность. Личный комфорт, в это время, становится на первое место. Основное внимание обращалось на эротические и мифологические сюжеты в украшении комнат и зданий, детализированность декора. Продолжая традиции барокко, стиль рококо в архитектуре теряет его масштабность, грандиозность и поклонение Божественному, переключившись на интересы человека с изысканным вкусом. Стиль рококо в архитектуре стал более легким, игривым, чем предшествующее барокко. В рококо архитекторы меньше обращали внимания на функциональность, сочетание форм. Декорирование строилось на асимметрии, вариативности членений плоскостей, перегруженности деталями. Архитектурный стиль рококо стремится уйти от прямых линий.

Португальское рококо. Церковь Франциска Ассизского в Оуру-Прету архитектора Алейжадинью. 1765 г

Ордера не присутствуют в фасадах зданий. Колонны выполняют эстетические функции, они становятся уже, меняют свои пропорциональные размеры в отношении к габаритам здания. В зданиях в рококо стиле капители колонн дополняются изящными изгибами, сами колонны приобретают меньшие размеры, чем при барокко, однако, в них больше декора. Нередко вместо полуколонн, пилястр используются украшения в виде лепного ленточного переплетения, орнаментальных рельефов, составленных из завитков, щитов, масок, гирлянд, фестонов. По краю крыш создают балюстрады, для которых характерны фигурные балясины, постаменты с вазами или статуями. Криволинейные фронтоны украшены скульптурами, пирамидами, вазами, трофеями. Рельефный орнамент окантовывает оконные и дверные проемы.

Амалиенбург под Мюнхеном. «Охотничий домик» курфюрстины Амалии в Нимфенбурге, загородной резиденции курфюрстов Баварии Виттельсбах (Wittelsbacher). Выполнен французским архитектором Ф. Кювилье 18 в. /em>

В интерьерах в стиле рококо рельефный декор присутствует в обрамлении зеркал, в декоре мебели стены, потолков, плафонов. Основной мотив рококо – рокайль (изображение стилизованной ракушки). Модными становятся имитации объемных форм, когда нарисованные на стенах, потолках изображения выполнялись настолько точно, что их можно было принять за настоящие скульптуры. В те времена очень популярными были художники — квадратуристы, которые специализировались на создании подобных изображений. Чаще всего такие имитации создавали во внутренних помещениях. Стены дворцов украшали также городскими пейзажами, особенно популярными были виды Венеции, изображенные реалистически точно. Став продолжателем барокко, стиль рококо заимствовал многие детали и из других стилей. Переняв от барокко плавность форм, по своей философской сути рококо стал противоположностью этого стиля, изменив его монументальности и масштабности, заменив их тонкостью, изящностью, приблизив его к человеку. В цветовой палитре стиля рококо светлые, пастельные тона: розовый, салатный, голубой, много белых и золотых деталей.

Гостиная в стиле рококо с амурами. Зимний дворец. Акварель Э.П. Гау. 19 в.

Архитектурный стиль рококо оставил о себе память в небольшом количестве сооружений, поскольку больше применялся для оформления интерьеров, где стиль рококо в своем стремлении к легкости, стремился видоизменить пространство, увеличить его с помощью больших окон, зеркал, масштабных и перспективных росписей на стенах и потолках. Случалось, что сложный витиеватый декор внутреннего убранства в стиле рококо контрастировал со строгими фасадами здания. Примером может Малый Трианон в Версале архитектора Габриеля (1763-1769 гг.).

Малый Трианон в Версале, фасад здания. Архитектор Габриэль Жак Анж. 18 в.

Интерьер помещений Малого Трианона в Версале. Архитектор Габриэль.

Наивысшее развитие рококо в архитектуре получил в Баварии, Австрии, куда он попал из Франции, где в основном использовался для оформления интерьеров и достиг своей вершины при Людовике XV. В Германии стиль рококо называли также «Perückenstil», это название произошло от напудренных париков — характерного атрибута европейской аристократии той эпохи. Примером оформления здания в рококо стиле может служить церковь архитектора Иоганна Неймана (Johann Neumann, 1687 -1753 гг.) в Фирценхайлигене, где масштабность барокко сочетается с характерным для стиля рококо богатым скульптурным декором, создавая впечатление изысканности и лёгкости.

Церковь в Фирценхайлигене. архитектор Нейман. 1743-1772 гг.

В Англии рококо больше проявлялся в прикладном искусстве, например в инкрустации мебели и производстве серебряных изделий, здесь были известны мастера Хогарт или Гейнсборо, работы которых соответствует этому стилю. В Италии в стиле рококо работал архитектор Тьеполо. Знаменитые здания в рококо стиле, соединенном с элементами барокко — Версальский дворец, Цвингер в Дрездене, Зимний дворец в России, в Баварии — Амалиенбургский павильон замка Нимфенбург, Дворец Шарлоттенбург в Берлине, Малый Трианон в Версале и ансамбль трех площадей в городе Нанси.

Дворец Шарлоттенбург(Schloss Charlottenburg) — летняя резиденция для прусских королей. Был построен в 1699 г. королем Пруссии Фридрихом I для своей супруги Софии Шарлоты. Здание подвергалось перестройке: в 1701-1707 гг. (архитектор Э. фон Гёте), в 1740-1743 гг. (архитектор Т.В. фон Кнобельсдорф). Дворец был отреставрирован после войны.

Стиль рококо во Франции уже к середине 18 века стал терять свою популярность под влиянием исторических событий, а в странах Центральной Европы к нему относились с интересом еще до конца века.

Автор текста: Марина Калабухова

Рококо — Архитектурные стили — Дизайн и архитектура растут здесь

Рококо́ (в переводе с французского «рокайль» — «декоративная ракушка») — стиль, который появился в начале XVIII века во Франции. Он стал своеобразным продолжением стиля барокко и развивался вплоть до 60-х годов. Сам термин вошёл в употребление в середине XIX века.

Характерными чертами рококо являются утончённость, большое количество декоративных элементов, изящество. Практически во всех работах в стиле рококо прослеживается орнаментальность, часто присутствуют мифологические мотивы. 

Этот стиль изначально стал применяться в оформлении интерьеров, позже он вошёл в архитектуру и изобразительное искусство. Элементы этого стиля имитировали естественные, природные текстуры. Вместе с этим для рококо характерен избыток предметов декора и обилие завитков.

 

Рококо в архитектуре 

Рококо – переходный стиль, поэтому он не обладает ярко выраженными индивидуальными чертами, его скорей можно назвать вариацией стиля барокко. Он находил применение в дворцовых и храмовых ансамблях Европы XVIII века.

Архитектура рококо характеризовалась отказом от парадности и напыщенности, она стала более лёгкой и игривой. В рококо сочетание и распределение частей сооружения отходят на второй план.  На смену логичности форм приходит произвольность, строгой симметричность сменяется вариативностью и обилием орнаментальных деталей. 

Но это не означало, что склонность к роскоши прошла – она лишь приняла новую форму. На смену замкам 17 века пришли городские дома с зелеными садами. При этом архитекторы часто отступали от рациональности и жёсткой пропорциональности – они частично сохранялись лишь в фасаде отеля. Внутренняя же планировка изменялась. Принцип парадной анфиладности не выдерживался, проявлялась тяга к разнообразию в расположении комнат, к композициям асимметричным, разорванным, лишенным объединяющей оси. Внутреннее пространство получило свободное и рациональное расположение в соответствии с требованиями комфорта. Небольшие по размерам уютные комнаты, предназначенные для повседневного обихода, и залы обособлялись, их делали различными по форме в зависимости от назначения. Жилые комнаты обычно располагались вдоль второго фасада, обращенного в сад. Уделялось внимание и удобствам.

Основной элемент декора эпохи рококо называется «рокайль»  — он представляет собой орнамент, который выглядит как соединение природных камней с раковинами и листьями растений. Для орнамента характерны плавные линии и постепенные переходы, что позволяло создавать цельный и гармоничный декоративный фон. Данный элемент часто применялся для оформления интерьеров, садовых беседок и ротонд, для облицовки террас, отделки ворот и фонтанов.  

Что касается линий, то прямые линии и плоские поверхности почти исчезают, прикрываются фигурной отделкой. Архитектурные ордеры не встречаются в чистом виде – они видоизменяются и приукрашиваются. Например, постоянно изменяется длина колонн – они то меняют длину и скручиваются. Изменениям подвергаются и капители, карнизы становятся двойными, всё чаще можно увидеть расставленные на постаментах вазы и статуи. Как снаружи, так и внутри зданий используются затейливые лепные орнаменты – в основном они напоминают листья растений, цветы и раковины. Несмотря на отсутствие рациональности, в стиле рококо было создано много памятников, отличающихся оригинальностью и живостью.

Ландшафт в стиле рококо

После излишне роскошного барокко появилась потребность в уюте и естественности. Возникла мода на загородные павильоны, стилистически близкие к природе – это отразилось и в ландшафте. Пейзажи парка становятся более сдержанными и менее искусственными, ценилось умение сохранить впечатление природной естественности.

Была ещё одна разновидность рококо – оно носило название рококо Шинуазри (от фр. «китайский») и отражало всеобщее увлечение восточным искусством, которое в этом плане служило прекрасным примером. В Европе стали в больших количествах появляться «китайские» павильоны и мостики – правда, увлечение Востоком касалось только искусства, о философии пока речи не шло.

Сады рококо создавались специально для прогулок, что располагало к романтике больше, нежели возвышенный стиль барокко. 

Для садов рококо были характерны оптические иллюзии, лабиринты, сложные композиции и оптические иллюзии.

 

Интерьер в стиле рококо

Рококо можно с уверенностью назвать одним из самых роскошных и сложных стилей. Чтобы оформить интерьер в стиле рококо, лучше всего выбирать помещение овальной либо ассиметричной формы.

Основная идея интерьера рококо – показать все богатство помещения, так что неотъемлемым элементом стиля стала позолоченная мебель и мебель из ценных пород дерева, а также лепнина и дорогие ткани. Несмотря на то, что функция стиля рококо в основном декоративная, все элементы декора предназначены для комфортного отдыха.

Рассмотрим некоторые особенности рококо в интерьере.

Цветовая гамма. Одним из наиболее заметных отличий от предшествующего стиля стала смена палитры: вместо сочетания золотого и голубого стали применяться пастельные оттенки. В комнатах преобладают насыщенные цвета – как по отдельности, так и в комбинациях: белый цвет часто сочетается с золотым, красным, салатовым. Стали применяться перламутровый, жемчужный и лиловый оттенки.

Несмотря на то, что от строгих канонов рококо отошёл, гармония элементов всё же соблюдается. Стены и потолок отделываются одним и тем же материалом. Часто для оформления интерьера помимо лепнины применяют резные деревянные панели, настенную живопись и драпировку тканями. В качестве напольного покрытия используют паркет и керамическую плитку, а пол застилают дорогими коврами.

Одним из неотъемлемых атрибутов рококо является камин из природного камня. Не обойтись без больших окон слегка закругленной формы и украшенных шторами.

Аксессуары очень важны для оформления интерьера: часто можно увидеть статуэтки из керамики, подсвечники, античные статуи и ширмы. Приветствуется большое количество зеркал – чаще в резных рамах, также для лучшей освещённости используются многочисленные осветительные приборы: от люстр до подсвечников. Характерными атрибутами являются скульптуры, статуэтки и прочие предметы декора, стилизованные под античность.

Что касается мебели, то она фактически создаёт стиль помещения. Мебель эпохи рококо очень изящна, она украшена сложной резьбой и позолотой. Ножки мебели изящно выгнуты. 

Стиль рококо нашёл применение во многих художественных и промышленных отраслях – в частности,  в изготовлении изделий из фарфора, который довольно быстро вошёл в моду. Кроме того, большой популярностью стало пользоваться серебро – из этих материалов было изготовлено большое количество посуды. Стало развиваться искусство сервировки.

 

Примеры архитектуры рококо

 

Китайский дворец Екатерины II в Ораниенбауме

Архитекторы эпохи рококо уделяли довольно много времени созданию архитектурных ансамблей – к их числу можно отнести дворцовый комплекс в Ораниенбауме, построенный для Екатерины II итальянским архитектором Антонио Ринальди. Строительство длилось с начала 60-х до середины 70-х годов XVIII века. По проекту этого архитектора был разбит парк, включающий элементы природного парка с лужайками и зарослями, живописными аллеями, дорожками и водоемами. Это было личное жильё, которое и строилось не для приемов, а для отдыха. 

Терраса дворца облицована гранитом, вокруг него стоит ограда с изящной кованой решеткой. Внешний вид дворца отличается лаконичностью: одноэтажный, с большими окнами, стеклянной галереей. Стены с красивыми пилястрами и полуколоннами ещё возвращают в эпоху барокко, но в гораздо более простой форме. Архитектурные элементы обладают мягкостью, а пастельные кремовые и розовые тона здания придают ему спокойствие, свойственный архитектуре рококо.

В этом ансамбле можно отметить ещё одно здание в стиле рококо – Китайский дворец, который строился примерно в это же время по проекту Ринальди.

 

Архиепископский дворец в Праге

Архиепископский дворец также еще называют Вирхув дворец в честь ведущего архитектора  рококо в Праге Яна Йозефа Вирха (1732-1782), который занимался реконструкцией этого монументального здания.

В центральной части дворца изначально был расположен мраморный портал, который архитектор не только оставил, но и подчеркнул его за счёт монументального фасада. Дворец был расширен по бокам, а также добавился четвёртый этаж.

Двор разделён двухъярусным мостом, а также в нём присутствует крытый коридор на аркадах с колоннами. Яркими элементами рококо здесь стали херувимы с канделябрами на карнизе и группы скульптур на главной лестнице.

В интерьерах дворца стиль рококо ярче всего проявился в конструкции парадной лестницы и бело-золотых интерьерах светлых салонов. До сих пор в Тронном зале сохранилась коллекция из французских гобеленов. Витиеватая резьба по дереву, лепка, украшающая потолки и стены салонов и других помещений, большое количество стекла, фарфора, люстр и стильной мебели дополняют интерьеры дворца в стиле рококо.

В настоящее время стиль рококо продолжает существовать в интерьере, однако в несколько изменённом виде: он стал более лаконичным, практически пропала позолота, однако тенденция к использованию дорогих материалов высокого качества сохранилась.

 

Архитектура Рококо — знаменитые монументы

Обилие утонченных декоративных элементов, изысканность композиций и орнаментов, особые мифологические мотивы и едва ощутимые преемственные традиции барокко – у стиля рококо немало уникальных особенностей. Этот стиль в архитектуре и искусстве зародился еще в первой половине 18 столетия, его родиной считается Франция. Тем не менее, своего максимального развития и процветания он достиг в Баварии, этот регион Германии и сегодня славится своими выдающимися архитектурными памятниками в стиле рококо. Легкая, игривая и приветливая архитектура рококо за несколько веков нашла воплощение в самых разных странах мира.

Амалиенборг считается одним из самых красивых дворцов Дании, на протяжении многих лет он остается главной в стране королевской резиденцией. Дворец в стиле рококо был построен в середине 17 столетия, его король Дании преподнес в дар своей супруге Софии Амалии. Первозданный дворец просуществовал совсем недолго, в 1689 году в нем проводили оперный спектакль, во время которого вспыхнул сильный пожар. Огонь практически полностью уничтожил постройку, позднее по распоряжению короля Фредерика Пятого началось возведение новой королевской резиденции. Согласно официальным документам, во время этого пожара погибло более 170 человек.

В настоящее время дворец представляет собой красивый комплекс, состоящий из четырех особняков в стиле рококо, эти особняки расположены вокруг небольшой площади. Дворец Амалиенборг является очень привлекательным туристическим объектом, каждый день ровно в полдень здесь проходит торжественная смена караула, понаблюдать за которой всегда собирается много людей. В центре площади дворцового комплекса располагается красивая статуя Фредерика Пятого, она была установлена здесь еще в 1771 году.

Круглый год прекрасный дворец доступен туристам для посещения, по старинным особнякам проводят интересные экскурсии, во время которых можно любоваться их роскошным оформлением. В королевской резиденции хранится богатая коллекция старинных произведений искусства, антикварной мебели, скульптур и ценных украшений интерьера, над созданием которых трудились лучшие мастера Европы. Далее — Замок Шарлоттенбург

Использование этого авторского материала сайта приветствуется. Ссылка на www.orangesmile.com — обязательна.

Замок Шарлоттенбург, Германия

Замок Шарлоттенбург, Германия
Описание   

Прекрасный дворец Шарлоттенбург находится в Берлине, на территории одноименного района.

Он был построен в 1699 году по распоряжению королевы Софии Шарлотты – супруги Фридриха I. Первоначально дворец назывался Литценбург, а когда королева умерла, его по распоряжению короля переименовали в Шарлоттенбург. После основания дворец на протяжении многих лет дополнялся новыми постройками и постепенно превратился в довольно масштабное сооружение. Сегодня благодаря своему 48-метровому куполу он является одной из самых узнаваемых достопримечательностей Берлина. Открыть полностью

Церковь Азамкирхе, Германия

Церковь Азамкирхе, Германия
Описание   

Церковь Святого Иоанна, расположенная в Мюнхене, также известна многим туристам под неофициальным названием Азамкирхе. Ее строительство продолжалось 13 лет и было полностью завершено в 1746 году, сегодня прекрасная церковь является одним из самых красивых в городе памятников в стиле рококо. Изначально эта церковь возводилась как частная, ее строили талантливые местные архитекторы – братья Азам.

Им принадлежало несколько домов рядом с церковью, религиозный памятник они построили так, что один из братьев из окна своего дома мог любоваться его алтарем. Открыть полностью

Дворец Браницких, Польша

Дворец Браницких, Польша
Описание   

Важнейшим для Польши архитектурным памятником является дворец Браницких, расположенный в Варшаве. Местный состоятельный магнат Стефан Миколай Браницкий приобрел участок земли, на котором располагается дворец, в начале 18 века. В 1740 году началось строительство новой родовой резиденции, которое было завершено в 1753 году. Изначально постройка отличалась роскошным оформлением фасада, прилегающую территорию дворца и его помещения украсили уникальными скульптурами, а одной из главных особенностей дворца стали необычные окна-люкарны. Открыть полностью

Театр Цивильес, Германия

Театр Цивильес, Германия
Описание   

В Мюнхене у поклонников театрального искусства будет возможность посетить уникальный театр Цивильес, который считается одним из самых красивых рококо-театров Европы. Он носит имя главного придворного архитектора середины 18 века, по проекту которого было построено здание театра, а также произведено его внутреннее оформление. Зал театра и сегодня украшают богатые орнаменты с различными природными и мифологическими мотивами, а еще зал отличается интересным распределением мест. Открыть полностью

Дворец Долмбахче, Турция

Дворец Долмбахче, Турция
Описание   

В Стамбуле на территории округа Бешикташ находится прекрасный дворец Долмбахче, который часто называют самым «нетурецким» в стране. Шикарный дворец с элементами в стиле рококо начали стоить на берегу Босфора еще в 1843 году, его строительство началось по распоряжению султана Абдул-Маждида I. Возведение дворца завершилось в 1856 году, с момента основания он был главной резиденцией султанов. Дворцовый комплекс поражает своими невероятными масштабами, его площадь составляет 250 000 кв. метров. Открыть полностью

Зимний дворец, Россия

Зимний дворец, Россия
Описание   

Зимний дворец остается одной из самых знаменитых и посещаемых достопримечательностей культурной столицы России. Его начали строить в 1754 году и полностью завершили в 1762 году, над проектом дворца работал легендарный архитектор Растрелли. Примечательно, что самый первый Зимний дворец на его месте был построен еще в 1708 году и менее чем за 50 лет он полностью перестраивался пять раз. С момента основания и вплоть до 1904 года дворец использовался по своему прямому назначению, как официальная зимняя резиденция российских императоров. Открыть полностью

Замок Линдрехоф, Германия

Замок Линдрехоф, Германия
Описание   

Прекрасный замок Линдрехоф известен тем, что он стал единственным замком короля Людвига II, который удалось полностью достроить в годы его жизни.

Находится замок в окрестностях Гармиш-Партенкирхена, в невероятно красивой природной местности. В настоящее время дворец расположен на территории природного заповедника Аммергебирге, его окружают завораживающие лесные и горные пейзажи. Возведение замка было полностью завершено в 1874 году, тогда как отделочные работы после этого продолжались еще не один десяток лет. Открыть полностью

Театр Регент, Австралия

Театр Регент, Австралия
Описание   

На одной из центральных улиц Мельбурна расположен знаменитый театр Регент, который является не только важным для города культурным центром, но и уникальным архитектурным памятником. Открытие театра состоялось в 1929 году, его зал был рассчитан на 3 250 зрителей. Несмотря на первоначальную значимость, уже к 1960 году театр утратил свою популярность и был закрыт, несколько десятков лет здание пребывало в запустении.

Лишь в 1996 году его удалось реконструировать, сегодня театр вернул себе былую славу и известен как место постановки легендарных мюзиклов. Открыть полностью

Театр Sheas Buffalo, США

Театр Sheas Buffalo, США
Описание   

В Баффало у путешественников тоже будет возможность посетить выдающийся исторический театр, который называется Shea’s и сегодня имеет статус крупного художественного центра. Открытие театра состоялось в 1926 году, сегодня одной из главных его особенностей считается старинный театральный орган, который пребывает в нем со дня открытия и до настоящего времени используется по прямому назначению. Открыть полностью

Музей Царское Село, Россия

Музей Царское Село, Россия
Описание   

Уникальный дворцово-парковый ансамбль Царское село тоже является ярким памятником архитектуры, выполненным в стиле рококо. Самый первый дворец и прочие постройки возводились еще в 18 веке, формирование масштабного архитектурного ансамбля продолжалось несколько десятилетий. Когда-то этот роскошный дворец был загородной царской резиденцией, а после революции 1917 года он перешел в собственность государства и стал работать как музей. Открыть полностью

Аббатство Оттобойрен, Германия

Аббатство Оттобойрен, Германия
Описание   

Огромный интерес для ценителей старинной архитектуры представляет аббатство Оттобойрен, расположенное в одноименном баварском городке. История основания этого бенедиктинского монастыря относится к 8 веку, согласно историческим данным, его основателем был Благословенный Тото. За сотни лет существования аббатство пережило не один период серьезного упадка, оно неоднократно перестраивалось и переформировывалось. Само здание аббатства сегодня тоже представляет огромный исторический интерес, но многие туристы посещают эти места с другой целью – увидеть роскошную базилику Оттобойрен.

Открыть полностью

Костел Святого Мартина, Польша

Костел Святого Мартина, Польша
Описание   

В Варшаве в самом центре Старого города располагается костел Святого Мартина, он был основан в 18 веке. Старинная церковь представляет собой грандиозное здание с тремя часовнями, самая первая церковь на этом месте была основана еще в 1353 году. В 1744 году началась первая масштабная перестройка церкви, которая проходила под руководством известного итальянского архитектора Джованни Спинолы. Именно в этот период церковь и приобрела свои неповторимые черты в стиле рококо. Открыть полностью

Театр Святого Джеймса, Новая Зеландия

Театр Святого Джеймса, Новая Зеландия
Описание   

Театр Святого Джеймса является символичной достопримечательностью не только для Веллингтона, но и для Новой Зеландии в целом. Его открытие состоялось в 1912 году, сегодня прекрасный исторический театр может единовременно принять до 3 000 зрителей. История основания этого театра невероятно интересная, до конца 19 века на его месте располагалась церковь. В 1899 году эти земли выкупил известный артист Джон Фуллер, именно он решил построить на месте старой полуразрушенной церкви театр. Открыть полностью

Вюрцбургская резиденция, Германия

Вюрцбургская резиденция, Германия
Описание   

Прекрасная Вюрцбургская резиденция сегодня является достопримечательностью мирового значения, несколько лет назад она была включена в списки Всемирного наследия ЮНЕСКО. Прекрасный дворец был построен в 18 веке для семьи Шёнборн, в его строительстве и оформлении принимали участие лучшие специалисты Германии, Франции и Италии. Сегодня дворец примечателен тем, что в нем сохранились многие уникальные элементы оформления, среди которых самым ценным считается фреска Джованни Баттиста Тьеполо. Открыть полностью

Рококо | Архитектура и Проектирование

Рококо — первый безордерный стиль, игривый и изящный, считающийся несерьезным и легкомысленным, ставший, тем не менее очень популярным и оказавший огромное влияние на развитие всех видов искусства, особенно декоративного. Это первый в истории архитектуры и дизайна помещений «уютный и беззаботный стиль».

Рококо часто считают поздней стадией барокко. Но как по используемым внешним формам, так и по своему внутреннему настроению, этот стиль очень отличается от шумного и грандиозного барокко.

Рококо часто упрекают в бездумности и легковесности, но за этими внешними впечатлениями скрываются высшая утонченность, блестящий художественный вкус и совершенство формы.

В отличие от героического пафоса барокко, рококо обращается к интимным, камерным темам. Личные желания, прихоти, удобства стали играть первостепенную роль в сложении типов, форм, в декорации не только мелких бытовых предметов и мебели, но и крупных архитектурных ансамблей.

Стиль Рококо, возникший во Франции в начале XVII век, был своего рода ответной реакцией на Большой Стиль —  монументальный классицизм и парадно-официальный стиль барокко, выразившийся в архитектуре и внутреннем убранстве Версальского дворца Людовика XIV и господствовавший во французской архитектуре на протяжении почти всего периода правления короля-Солнца (1643-1715).

Термин «рококо» происходит от французского «rocaille» ,что означает декоративные раковины и камни, которыми было принято украшать искусственные гроты. Основные черты этого стиля – динамичные ассиметричные формы (раковин таких моллюсков, как гребешки), различные завитки (S-и C-образные), натуралистично выполненные побеги цветов и волнообразный растительный орнамент. Встречаются экзотические китайские мотивы, сюжетные орнаменты: Элементы стихии и Времена года. Палитра – золотой, белый, цвет слоновой кости, кремовый, а также пастельные оттенки голубого, зеленого, розового и желтого. Французское рококо – своего рода передышка после тяжеловесного барокко, а характерное для него обилие стенных зеркал (прием, использованный в Версале, в конце строительства которого уже проявились элементы рококо) придало интерьерам воздушную легкость. Стиль рококо – это скорее оформление интерьеров, чем архитектурных зданий. В его духе делались мебель, посуда, драпировка, металлическая утварь. Экзотические узоры в «китайском стиле» были важными элементами рококо, зачастую сочетаясь с чисто европейским растительным орнаментом. Китайские мотивы балдахина, мебельной обивки и расписанных по трафарету стен, присутствие повсюду золота, которое использовали, чтобы выделить важные элементы и детали: те же завитки, раковины, рамки филенок. Для фонов интерьеров характерны были пастельные тона: голубые, зеленые, розовые, желтые, кремовые, беловатые и цвет слоновой кости. С ними хорошо гармонировали глянцевые коричневые тона дерева твердых пород. Мотивы в восточном вкусе становятся одной из самых характерных особенностей рококо.

В ранний период развития французского рококо (примерно до 1725) в отделку помещений вводился дробный орнамент, предметам обстановки придавались прихотливо изогнутые формы (так называемый стиль регентства). Развитое рококо (примерно 1725-50) широко использовало в декоре резные и лепные узоры, завитки, разорванные картуши, рокайли, маски-головки амуров и т. д.; в убранстве помещений большую роль играли рельефы и живописные панно в изысканных обрамлениях (десюде-порты и др.), а также многочисленные зеркала, усиливавшие эффект лёгкого движения (так называемый стиль Людовика XV). Орнамент, направленность стиля рококо ограничила его влияние на тектонику и наружный облик сооружений. В архитектуре французских отелей (Жиль-Мари Оппенор, Ж. О. Мейсонье, Габриель Жермен Бофран (Germain Boffrand, 1667-1754) и др.) пышное оформление рокайльных интерьеров сочеталось с относительной, строгостью внешнего облика. Распространяясь в зодчестве стран Европы: Германии (Георг Венцеслаус Кнобельсдорф (Knobeisdorff), Иоганн Бальтазар Нёйман (Neumann), отчасти М. Д. Пёппельман), Австрии, Польши, Чехии, стиль рококо часто являлся своеобразным местным вариантом позднего барокко.

Интерьер отеля в стиле рококо. Габриель Жермен Бофран (Germain Boffrand)

Потсдам, Пруссия, Сан-Суси (1745—47) Королевская резиденция, которую архитектор Георг Венцеслаус Кнобельсдорф (1699—1753) построил в Потсдаме, пригороде Берлина, для короля Пруссии Фридриха II (1740—86). Название «Сан-Суси» переводится с французского как «без забот». Это вытянутое одноэтажное здание с изящной балюстрадой по карнизу — наиболее удачный пример немецкого рококо. В центре дворца — овальный зал, крытый куполом. Полукруглый парадный двор окружен колоннадой. Огромные окна-двери паркового фасада, делающие стену почти прозрачной, и плавно сбегающие в парк лестницы-террасы создают ощущение единства природы и дворцовых интерьеров. Все элементы: скульптура, декоративная живопись, мебель, зеркала — образуют цельный, тщательно продуманный ансамбль. Своей изысканной простотой резиденция должна была создавать ощущение гармонии, настраивать на особое восприятие мира — радостное и беззаботное.

Берлин, Пруссия. Георг Венцеслаус Кнобельсдорф. Шлютер Андреас. Дворец Шарлоттенбург (Charlottenburg, 1696—1745).Первоначальное здание дворца (носившее имя Линценбург) было построено архитектором и скульптором Андреасом Шлютером в стиле итальянского барокко в 1696 г., при короле Фридрихе I. После смерти супруги Фридриха, королевы Шарлотты, дворец в ее честь был переименован в Шарлоттенбург. В последующие годы здание неоднократно расширялось. Именно здесь, в Шарлоттенбурге, была устроена знаменитая янтарная комната, впоследствии подаренная королем Фридрихом Вильгельмом I Петру Великому. При Фридрихе Вильгельме II архитектор Георг Венцеслаус Кнобельсдорф пристроил к замку с восточной стороны новый флигель.

Для живописи, скульптуры и графики рококо характерны камерные по духу галантные сцены, эротико-мифологические и пасторальные сюжеты, асимметричные композиции. В скульптуре рококо преобладали рельефы и статуи, предназначенные для убранства интерьера, небольшие статуэтки, группы, бюсты, в т. ч. из терракоты, расписного или неглазурованного фарфора (Ж. Б. Лемуан во Франции, И. И. Кендлер в Германии). Богатая тонкими переливами и несколько блёклая по колориту рокайльная живопись (на её стилистические особенности во многом повлияла декоративная изысканность произведений А. Ватто, эстетическое содержание творчества которого, однако, далеко выходит за идейные и художественные рамки рококо) также имела преимущественно декоративный характер (французские мастера Н. Ланкре, Ф. Лемуан, Ж. М. Натье, Ф. Буше, отчасти Ж. О. Фрагонар). Совершенно особенным очарованием обладают интимные, элегантные, грациозные, жеманные портреты эпохи рококо.

Преобладающим типом здания становится не дворец, а особняк-«отель», рассчитанный на одну семью. Архитекторы разрабатывают такой тип планировки внутренних помещений, который способен обеспечить уют со всеми возможными удобствами. Отель стал архитектурной нормой эпохи. В соответствии с этой нормой часто перестраиваются уже существующие помпезные здания дворцов, сохраняя торжественный внешний облик в духе классицизма. В интерьерах же массивные формы, пышность коринфского ордера, геометрическая правильность и строгость заменяются овалами, дугами, причудливым рокайльным орнаментом, стена становится легкой и хрупкой, либо почти растворяется под обилием изящного декора.

Архитекторы отдают предпочтение волнистым линиям, округленным углам, большое значение придается лепному и резному изящному орнаменту, мелкой пластике, живописи, мебели и, конечно, всевозможным «штучкам» — приятным мелочам, изящным, удобным, не только украшающим быт и создающим уют, но и облегчающим его.

Радикально изменяется внутренняя планировка помещений: здесь нет огромных парадных залов, торжественных лестниц, сквозных анфилад. Все помещения становятся небольшими, камерными, гораздо более замкнутыми и интимными.

Женственность и изящество становятся главными критериями красоты. Даже парадные помещения напоминают будуар — все в них интимно и камерно: светлые, нежные цвета отделки, обилие зеркал, кружевная вуаль орнамента, изящные изгибы стен, архитектурных деталей, мебели, каминов. Здесь нет ни одной цельной плоскости: все дробится лепниной и живописными вставками. Все части интерьера оказываются вовлеченными в эту прихотливую и беспечную игру цвета, линий и форм.

Интерьеры демонстрируют высокий уровень, которого достигает в эпоху рококо синтез искусств, продолжая в этом смысле, лучшие традиции барокко. Скульптура, живопись, лепнина, мебель, предметы декоративно-прикладного искусства создаются лучшими мастерами своего времени и выдерживаются в одном стиле.

С 1760-х гг. стиль рококо повсеместно вытесняется второй волной классицизма. В России веяния рококо, особенно сильны в середине XVIII века, проявились главным образом в отделке дворцовых интерьеров (в том числе созданных Франческо Бартоломео Растрелли-Младшим (Francesco Bartolomeo Rastrelli), лепном декоре зданий, в ряде отраслей декоративно-прикладного искусства (резьба по дереву, художественное серебро и фарфор, мебель, ювелирное искусство).

В итоге рококо, сменивший в свое время барокко, уступил место неоклассицизму. Однако присущий ему тонкий орнамент и пастельная, непременно с золотым компонентом, палитра продолжали вдохновлять следующие поколения оформителей, более того он послужил почвой для направления «ар-нуво», расцвет которого приходится на конец XIX-начало XX века, для которого также характерными были волнистые линии, асимметрия и растительный орнамент.

Стиль рококо в архитектуре Европы. Рококо в архитектуре России

Причудливый и капризный, этот стиль возник во Франции, в начале XVIII века. Рококо в архитектуре представлял собой не столько самостоятельное направление, сколько определенный момент развития общеевропейского барокко.

Характерные особенности рококо

Стиль рококо в архитектуре – одно из первых направлений в искусстве, которое отошло от устоявшихся канонов и обратилось к утонченным и изысканным темам. Некоторые исследователи и эксперты полагают, что этому направлению присущи легкомысленность и несерьезность. Тем не менее именно оно оказало значительное влияние на множество других течений и стилей во всем искусстве.

Довольно часто проявления рококо в архитектуре, фото которых можно посмотреть несколько ниже, характеризуют как легкие и бездумные. При этом совершенно не замечаются изысканность, утонченность и совершенство форм, скрывающиеся за кажущимся легкомыслием.

Рококо в искусстве – это прежде всего вымышленный мир интимных переживаний, кажущейся театральности, декоративной утонченности и изысканности. Здесь совершенно нет места пафосу и героизму. На смену им приходят фантазии, безделушки и игра в любовь.

Отличительным признаком этого направления является изогнутая и капризная линия, которая своими очертаниями напоминает раковину, часто встречающуюся в архитектурных проявлениях рококо.

История возникновения

Архитектурное направление под названием «рококо» появилось во Франции, в начале XVIII века. В те времена это была так называемая ответная реакция на «Большой стиль» — монументальный и непоколебимый классицизм, официальный барокко, ярчайшим примером которого является Версальский дворец Людовика XIV. Барочный стиль в архитектуре и других направлениях искусства господствовал на протяжении практически всего периода царствования короля-Солнца.

Стоит отметить, что ближе к середине XVIII века в Западной Европе излишняя легкомысленность рококо стала постепенно выходить из моды, а вот в самом центре континента это направление в искусстве было популярным практически до самого конца столетия.

Термин «рококо» происходит от французского слова rocaille, что в переводе означает «причудливый», «капризный», а также «осколки камней» и «раковины». За все время существования этого стиля было создано невероятное количество произведений искусства и архитектуры, но одним из самых значимых является городской ансамбль во Франции – комплекс, состоящий из трех площадей в городе Нанси в Лотарингии.

Рококо на европейском континенте

Территория европейского континента была неравномерно охвачена тенденциями и веяниями этого направления в искусстве. Тем не менее некоторые страны и государства достаточно сильно ощутили влияние этого стиля. Так, например, Франция по праву считалась основоположницей рококо, а вот наибольшего распространения стиль рококо в архитектуре достиг на территории Германии, особенно сильно отразившись в Пруссии при дворе Фридриха II.

Изысканность и утонченность этого направления нашли проявления в роскошных дворцовых ансамблях Германии, Франции, России и некоторых других государств.

Архитектура французских отелей отличалась пышным оформлением внутреннего пространства – рокайльные интерьеры очень гармонично сочетались с относительно строгим внешним дизайном здания. Стиль рококо в архитектуре с течением времени стал распространяться по всей Европе. Австрия, Польша и Чехия в скором времени ощутили веяния этого модного направления в искусстве.

Рококо на территории России

Новомодные европейские тенденции рококо 18 века в России особенно сильно начали проявляться в середине столетия. По большей части это направление нашло широкое применение во внутренней отделке дворцовых интерьеров и лепнине на фасадах многих зданий, а также в некоторых отраслях декоративно-прикладного искусства. Веяние архитектурного стиля пришло в Россию из Франции с почти полувековым опозданием.

В 1662 году король Франции – Людовик XIV – начинает строительство Версаля, а в 1710 году в России появляется Петергоф. Не прошло и полвека, как знаменитый архитектор Антонио Ринальди строит в Ораниенбауме, прямо посреди крепости Петерштадт, дворец в стиле рококо. В XVIII веке его чаще всего именовали «Каменный дом», а в настоящее время здесь расположен музей «Дворец Петра III».

Проявления рококо в архитектуре северной столицы России

Каменный Дом в северной столице России имеет сходство с парковым павильоном и выполнен в довольно необычной форме – квадрат со срезанным по плавной дуге углом. Верх центральной двери украшает балкон с изысканной кованой решеткой. Элегантность и утонченность здания достигаются благодаря высоким и вытянутым окнам на втором этаже, а также необычной балюстраде.

Внутреннее убранство Каменного Дома, так же как и фасад, выполнено в стиле рококо. Именно с этого времени декор помещения становится отдельным направлением в архитектуре. Для интерьера в этом стиле характерны утонченность, элегантность и изысканность. Обилие пастельных оттенков, сочетание нежного белого с зеленым, голубым или розовым, а также инкрустация золотом – все это отличительные признаки рококо в архитектуре Санкт-Петербурга.

Вместе с этим направлением в Россию пришла еще одна новомодная тенденция – китайская экзотика, которая нашла отражение в безделушках, украшавших помещение, а также целые просторные залы, оформленные в этом стиле.

Отличительные особенности рококо

Отличительными особенностями архитектурного рококо от монументального и тяжеловесного барокко являются характерная легкость, изящество и манерность. Архитекторы больше не стремились сооружать длинные и высокие залы, а отдавали предпочтение маленьким уютным комнатам с высокими окнами, которые, в свою очередь, группировались вокруг центральной лестницы, таким образом обеспечивая максимальное удобство для всех жильцов дома.

В большинстве своем здания становятся все больше похожими на так называемый особняк-отель, который предназначается для проживания одной семьи. Такая архитектурная планировка стала пользоваться популярностью, в результате чего начали перестраиваться многие здания, ранее сооруженные в помпезном и монументальном барочном стиле.

Ко всему прочему, несмотря на обилие украшений и прочих элементов декора, рококо не выглядел тяжеловесно и монументально. Скорее наоборот — он казался легким и воздушным благодаря утонченности и изысканности всех деталей и гармонично подобранной цветовой гамме.

Рококо во внутреннем убранстве зданий

Эпоха рококо затронула не только тенденции и веяния в архитектуре – этот стиль не обошел стороной и другие стороны искусства. Более того, для большинства архитекторов того времени именно интерьер являлся тем самым местом, где новое направление находило свое самое ярчайшее проявление. Планировка зданий чаще всего была ассиметричной, строились круглые, овальные и даже 8-угольные комнаты.

В XVIII веке рококо, архитектура которого отличалась легкостью и изяществом, прочно вошло и во внутреннее убранство помещений. Меблировка комнат, посуда и драпировка, а также радующие глаз мелочи, которые придавали комнате еще больше утонченности, – все это характерно для интерьера в стиле рококо.

Китайский акцент в рококо

Как уже было сказано несколько выше, новомодное направление в архитектуре XVIII века неким образом сочеталось с китайскими отголосками. В эту эпоху во внутреннем убранстве помещений все чаще можно было заметить элементы восточной культуры, которые как нельзя лучше подходили для стиля рококо. Помещения были разделены на своеобразные зоны при помощи легких ширм и перегородок, а на кухне все чаще можно было заметить оригинальные сервизы и прочую посуду, изготовленную из китайского фарфора.

Для комнат были характерны природные оттенки и растительные орнаменты. Деревья с тонкими стволами, аквариумные рыбки и грациозная красота орхидей, обилие позолоты и прочие китайские мотивы – все это гармонично сочеталось в интерьере эпохи рококо.

Женское начало в архитектурном рококо

Для того чтобы проникнуться всей красотой и атмосферой этого направления в искусстве и архитектуре, недостаточно лишь видеть прекрасное – нужно уметь чувствовать его. Неслучайно, наверно, этому стилю приписывают женское начало. Хватит лишь напомнить о том, что все помещения из больших и просторных перестраивались в маленькие, укромные и интимные комнаты. Женственность чувствовалась абсолютно во всем. Более того, даже парадные залы и комнаты были скорее похожи на будуары – уж слишком в них все было камерно и интимно.

Светлые и нежные оттенки помещений, плавные и изящные изгибы стен, большое количество зеркал, а также кружевные элементы орнамента и обилие лепнины с живописными вставками – разве может какой-либо другой стиль быть настолько близок к прекрасному?

Игривый и изящный архитектурный стиль как нельзя лучше передает особенности женского характера.

Рококо сегодня

XVIII век – время рококо в архитектуре России. Однако и в настоящее время находятся поклонники этого изысканного и утонченного стиля.

Пастельные тона, плавность линий и отделка золотом, светлые оттенки и большое количество милых аксессуаров, всевозможные узоры и завитки, а также необыкновенные зеркала и разнообразные драпировки – это одни из самых главных отличительных особенностей данного архитектурного направления.

Отделка комнаты в стиле 18 столетия – это прекрасная возможность почувствовать себя настоящим аристократом. Возможности и перспективы развития мебельных компаний, а также невероятные фантазии дизайнеров и декораторов помогут создать оригинальную и необычную комнату в стиле рококо. В таких помещениях можно по-настоящему наслаждаться жизнью и радоваться каждому новому дню.

Что такое стиль рококо в искусстве, 173 картины, примеры в архитектуре, черты в живописи, особенности в культуре

Искусствоведы величают рококо самым легкомысленным и даже вульгарным из всех существовавших когда-либо стилей. Однако, он представляет интерес, как предмет изучения, поскольку в XVIII оказал непосредственное влияние на последующее развитие культуры России. Основные принципы этого направления можно видеть в фундаментальном градостроении обеих столиц и других старинных городов России. Картины, написанные в тот период, до сих пор хранятся в лучших музеях нашей страны, студенты изучают их в художественных вузах.

1 / 10

• Описание стиля
• Характерные черты, особенности стиля
• История возникновения «скального» стиля
• Рококо в России
• Отличие рококо от барокко, классицизма, сентиментализма, модерна, романтизма
• За что стиль рококо подвергался критике?
• Рококо в других видах искусства
• Влияние стиля на моду
• 10 художников рококо
• 10 известных картин в стиле рококо

Описание стиля

Название стиля произошло от французского слова rocaille, что в переводе означает «скальный». Этимологически термин «скальный» так же связан с декором гротов и парковых павильонов Версаля и Марли. В отличие cartoccio, voluta, (художественные элементы в виде закругленных уголков, завитков, спиралей), присущих барокко, завиткам «скального» стиля характерен разрушающий, атектонический характер. Характерным элементом стиля, давшим ему название, является рокайль – морская раковина. Это своеобразная форма завитка, напоминающего морскую раковину.

Впервые именно рококо внесло единство в интерьер. Едиными и гармонирующими стали стены, потолки, мебель в помещениях. Появилась некая цельность и в архитектуре.

Рококо ввел в моду различные безделушки, которые также украшались узорами и орнаментами, характерными для этого стиля. Тяготение к светлым тонам заметно и в живописи, и в декорировании стен, безделушек, обивке тканей на мебели. «Скальному» стилю присущи пастельные, светлые оттенки, белые, золотистые голубые сиреневые цвета.

Легкость, игривость, царившая в этом направлении искусства, создавалась асимметрией расположения декоративных элементов, их формой. В лепнине применяются обрамления, переплетения, завитки, головки амуров, разорванные картуши, гротеск, как сочетание, казалось бы, несочетаемых элементов. Гармонично вписалось в рокайль китайское искусство.

Характерные черты, особенности стиля

В архитектуре фасадов домов и дворцов в интерьерах господствуют резные по дереву или лепные узоры, разорванные картуши, головки амура, в скульптуре, в живописи целые фигурки амуров, изящные обрамления, завитки, напоминающие морские ракушки. Очертания дворцов, а соответственно и форма внутренних помещений приобретают округлые формы.

На стенах и потолках оформляются медальоны, внутри которых помещались фрески с пасторальными, мифологическими, реже – флористическими сюжетами. В аристократической Франции стены украшались шелковыми тканями, которые гармонично сочетались с портьерами и шторами на окнах, дверях. Стены плавно переходили в потолок, и эта плавность также достигалась посредством декоративных карнизов из гипса.

Рококо в живописи выразилось в легкой и жизнерадостной тематике картин. В них также преобладают светлые оттенки, лица центральных фигур счастливые и жизнеутверждающие. Если художник писал жизнь аристократов, то это либо счастливая сцена в гостиной, в будуаре, либо на лоне природы. В искусстве царствует чувственная эротика.

История возникновения «скального» стиля

Рококо как стиль в искусстве зародился во второй четверти XVIII века во Франции, и его возникновение совпало с периодом правления регентского совета, возглавляемого Филиппом Орлеанским по причине малолетства Короля Людовика ХV.

Вступив на престол, Людовик ХV правил Францией 58 лет. Это при нем рококо дало развитие всем направления искусств и стало своеобразным образом жизни.

Этот период правления короля по прозвищу Влюбленный, назвали эпохой рококо. Людовику XV принадлежат слова, ставшие пророческими: «после нас хоть потоп». Пока король и его приближенные предавались наслаждениям и чувственным радостям, экономика страны дряхлела, а сама страна нищала и приходила в упадок.

Сменивший Людовика Влюбленного, следующий король Людовик XVI, получил вместе с троном недовольное население в экономически ослабленном государстве.

Так получилось, что Людовик ХV в многочисленном семействе оказался единственным претендентом на трон, и потому его драгоценную жизнь оберегали, а его самого баловали, не озадачивая государственными делами. Он, по сути, не занимался управлением государством.

Сначала это делал за него герцог Орлеанский, потом кардинал Флери. В 1745 году он всецело подпал под влияние маркизы де Помпадур, которая по своему усмотрению назначала военачальников и своей расточительностью разоряла страну. Обнищавшие парижане начали с враждебностью относиться к своему королю.

Однако обнищание страны не мешало аристократии строить и обустраивать замки, шить дорогостоящие наряды, которые порой надевались всего один раз, и щеголять друг перед другом своей роскошью, порой эфемерной эфемерной.

После смерти маркизы де Помпадур, у короля появилась новая фаворитка – мадам дю Барри. Эти две дамы и супруга короля Мария Лещинская и стали законодательницами мод и стиля во Франции, из которой рококо перекочевал в соседние страны. Наивысшего расцвета в архитектуре рококо приобрел в Баварии.

Отдельным ответвлением стиля стало китайское направление, или шинуазри. В этом направлении присутствуют китайские мотивы и элементы. Так, в моду вошли чайные домики; тип женщин, похожий на китайские фарфоровые статуэтки и восточные элементы декорирования.

Основателем рококо в живописи принято считать французского художника Жана Антуана Ватто (1684-1721). Это член королевской академии живописи и скульптуры с 1712 года. Кисти Антуана Ватто принадлежат следующие творения:

• «Затруднительное предложение»;
• «Урок любви»;
• «Общество в парке»;
• «Любовная песня»;
• «Капризница» и др.

Творческая жизнь Антуана Ватто была короткой – всего лет 12, но у него появились последователи. Его картины стали образцом для творчества Франсуа Буше, который достиг совершенства в этом направлении.

Рококо в России

В России рококо расцвел во время правления Елизаветы Петровны, которая получила образование во Франции. Правда, в благочестивой, патриархальной России он не получил столь чувственной направленности и выражался более в архитектуре фасадов, интерьеров, в убранстве залов, чем в живописи или скульптуре. Впрочем, здесь можно вспомнить нескольких художников, работавших в рокайльной направленности:

• И.П. Аргунов. «Умирающая Клеопатра»,
• И.Я. Вишняков. Портрет Сары Элеоноры Фермор
• Б.В. Суходольский. «Астрономия».

Для Аргунова эта картина, скорее исключение из правил. Иван Петрович был склонен к классицизму, граничащему с реализмом. Это великолепный портретист, сохранивший истории лица императриц Елизаветы Петровны, Екатерины II, ряда видных государственных деятелей и аристократов, приближенных к царскому двору. Иван Вишняков тоже портретист, но он писал портреты во французском стиле рококо. Суходольский – мастер пейзажа и крупных композиций в том же стиле, характерном для галантного века.

В архитектуре стиль рококо отразился в следующих памятниках русской архитектуры:

• Китайский дворец и дворец Петра III в Ораниенбауме;
• Китайский театр в Царском селе;
• Летний дворец Елизаветы Петровны в Петербурге. Здание не сохранилось, но есть картина М. И. Махаева с его изображением и дающая полное представление о нем.

В зданиях, созданных итальянцем Растрелли, присутствуют элементы рококо и барокко. Так, в декоре уже упомянутого дворца Елизаветы Петровны присутствуют картуши, рокайли, маски львов, сдвоенные колонны, ризалиты, вазы, формирующие визуальную неровность стен. Архитектурный ансамбль дополняют статуи.

Отличие рококо от барокко, классицизма, сентиментализма, модерна, романтизма

Стиль рококо значительно отличается от других течений, бывших до него и возникших после. Хотя некоторые элементы одного стиля все-таки могут проникать в другие стилистические решения.

Барокко

Легкий и игривый стиль рококо пришел на смену помпезному, массивному, фундаментально тяжелому барокко. Он зародился в Италии и просуществовал около 100 лет.

В живописи барокко присутствуют глубокие переживания, картинам темные и зачастую контрастные, насыщенные цвета, в то время как в рококо напротив доминируют светлые цвета и оттенки, а настроение картин – радость, праздник, пасторально приятное время препровождение. На смену трагической религиозности пришли языческие сюжеты из древнегреческой и древнеримской мифологии. Стилю рококо в живописи и архитектуре присуща эротика – игривая, пикантная, жизнеутверждающая.

Одновременно с тяжеловесным барокко и строгим классицизмом в средневековом искусстве XII-XVII веков существовал готический стиль. Он проявился в возведении храмов монастырей, соборов. Готика в литературе – это ужасные сюжеты с потусторонними сущностями, с вампирами, происходившие с литературными героями в старинных готических замках.

Классицизм и неоклассицизм

Классицизм соседствует с уходящим барокко и господствующим рококо. Этот стиль придерживается античной направленности в архитектуре, скульптуре и живописи. Классицизм, классика означают образцовость.

В нем нет тяжеловесной вычурности, присущей барокко, отсутствует также фривольность, присущая рококо. Архитектурные элементы применяются, но они строго симметричные, правильные. В архитектуре классицизма присутствуют:

• колонны и полуколонны;
• треугольные фронтоны;
• барельефы в круглых или овальных медальонах,
• статуи, в том числе кариатиды и атланты, поддерживающие балкон, или иную конструкцию;
• ротонды на крыше как правило треугольные.

Черты, характерные для эпохи античности, также присутствуют в живописи и скульптуре. Классицизму характерна идеализация формы тела. Женщины изображаются более женственными и изящными, чем есть на самом деле, а мужчины – атлетически сложенными.

Сентиментализм

Сентиментализм переводится как чувство, чувственность, и, казалось бы, философия этого стиля должна быть близкой стилю рококо. Однако сентиментализму присуще сопереживание, сочувствие, в то время как в рококо каждый живет для себя, любит и радуется жизни по-своему.

Сентиментализм проповедует культ нравственной чистоты, неиспорченности, утверждение богатого духовного мира в человеке, чаще у представителей низшего сословия. В стиле сентиментализма творили художники Ван Дейк, Дж. Ромини, Дж. Рейнолдс, У. Хор. Сентиментализм нашел благодатную почву в русской патриархальной культуре.

Модерн

Модерн как художественный стиль пришел на смену рококо на рубеже XVIII-XIX веков. Второе его название арт-нуво (новое искусство). Этот стиль зародился в Англии, а свое развитие получил во Франции и продержался более 100 лет, до первой мировой войны.

Это был стиль развивающейся буржуазии, ее основанием служили органичность, простота и функциональность. Арт нуво начал распространяться в другие страны Европы благодаря Всемирным выставкам, на которых выставлялись достижения современных для того времени технологий и прикладного искусства.

Характерная черта модерна — отказ от прямых линий, углов в пользу плавных, обтекаемых форм, приближенным к растительным. Арт-нуво свел к минимуму наличие узоров, завитушек, картушей и других декоративных элементов.

Романтизм

Романтизм, как направление в искусстве просуществовал недолго. Он был порожден революционными, бунтарскими настроениями, царившими в Европе. Он торжествовал в литературе и живописи, характеризовался изображением сильных характеров, противопоставляющих себя существующему миропорядку. Романтизм противопоставляется классицизму.

Основные представители романтизма в живописи — Франсиско Гойя, Антуан-Жан Гро, Карл Шпицвег, Люси Мэдокс Браун. Ярким представителем романтизма в литературе был лорд Байрон. В русской литературе ему подражали Лермонтов, Пушкин, Бестужев-Марлинский и другие.

Показать таблицу

Виды искусства →	Живопись и скульптура	Архитектура	Литература	Музыка
Стили↓
Барокко. (причудливый) Центр стиля Италия	Фантастические, библейские сюжеты, пестрота палитры и броскость сюжета, подчеркнутая театрализация образов	Склонный к излишествам в декорировании стиль барокко особенно ярко проявился в архитектуре Италии	отражение действительности в более в фантастически оригинальной художественной форме.	В музыке барокко преобладает полифония. Яркий представитель стиля И.-С. Бах.
Классицизм (образцовый) и неоклассицизм	Воспроизведение античности, идеализация тела.	В основу положены традиции античной архитектуры, строгая симметрия элементов.	Основоположник литературного классицизма – француз Буало. Основные черты – строгое деление на положительных и отрицательных героев, античная тематика, любовные треугольники. Классицистами в литературе считаются Корнель, Расин, Мольер, Лафонтен, Ларошфуко.	В классической музыке обращается внимание на тщательную отделку деталей, сбалансированность частей произведения. Яркие представители классицизма – Й. Гайдн, В. А. Моцарт и Л. ван Бетховена.
Сентиментализм (чувствительный)	Темы в изобразительных искусствах: отношения человека и природы, наслаждение семейными радостями, усилительные, например, детские образы.	В архитектуре суть сентиментализма выразилась в формировании пейзажного парка, в стремлении, соединить архитектуру с природой.	Классическим примером сентиментализма в Русской литературе является повесть Карамзина «Бедная Лиза». В литературных произведениях основной упор делается на чувства, переживания героев.	Воздействие музыки на эмоции, чувства человека. В русской музыке примером стиля служит опера Пашкевича В русской музыке примером служит опера «Несчастье от кареты»
Модернизм (новый) и постмодернизм	Модернизм в искусстве объединяет несколько новых порой, противоположных направлений. Сюда относится кубизм, импрессионизм и др.	Модернизм в архитектуре связан с образованием новых материалов, с использованием железобетона. В градостроительстве наблюдается отказ от принятых форм и направлений в и переход к новому	В литературе характеризуется отходом от классических форм, переосмыслением и поиском новых. Повествование становится раздробленным.

За что стиль рококо подвергался критике?

После смерти мадам Помпадур критике подвергся Франсуа Буше за непристойности, откровенный эротизм. В легковесности, отсутствии идейности подвергались критике и другие художники, творившие в этом стиле. Критиковали как правило, классицисты, не позволявшие себе ничего лишнего, и идеологи барокко, возвышавшие страдания души и тела.

Однако стиль мадам Помпадур и Людовика XV сыграл огромную роль в развитии искусства в целом, показав, что простые человеческие радости не могут быть чуждыми творчеству, и напротив, они даже весьма привлекательны и востребованы.

Мастера рококо создали искусство для человека, и поставили человека в центр творческого начала. Этот стиль оказал влияние на последующие развитие искусства, в частности на импрессионистов.

Рококо в других видах искусства

Легкий фривольный стиль рококо проник во все сферы искусств: в скульптуру, архитектуру, ландшафтный дизайн.

Скульптура

В скульптуру тоже проникла чувственная игривость, легкость и камерность форм. В этот период преобладают бюсты, небольшие садовые фигурки и группы. Дворяне заказывают скульпторам для своих роскошных парков, садов, купален фигурки нимф, амуров. В стиле рококо работают известные скульпторы:

• Жан Батист Пегаль, колебавшийся между неоклассицизмом и рококо. В середине XVIII столетия он пользовался покровительством маркизы де Помпадур. В стиле рококо изваял скульптуры.
• Ж.-Б. Лемуан – любимый скульптор Людовика XV. Создал великолепную портретную галерею великосветской аристократии той эпохи. Его изящные барельефы до сих порт украшают старинный отель Сувиз в Париже.
• Этьен Морис Фальконе, еще один французский скульптор, представитель неоклассицизма, но пользовавшийся покровительством все той же маркизы де Помпадур. В стиле рококо он создал фигуры «Музыка», «Амур», «Купальщица», скульптурную группу «Пигмалион и Галатея». С 1757 года он возглавлял фарфоровую мануфактуру в Севре. Этьен Фальконе является автором знаменитой фигуры Петра первого в Санкт-Петербурге, получившего название «Медный всадник» с легкой руки Пушкина.
• Огюстен Пажу – французский скульптор. Ему покровительствует мадам Дю Барри, чей бюст он увековечил. Ее называли великой блудницей, но в фигуре созданной этим скульптором, зритель видит умное, одухотворенное лицо красивой женщины, знающей себе цену.

Архитектура

Архитектура – это не просто наука или отрасль строительства. Это целое искусство, получившее расцвет в XVII-XVIII веках. Стиль рококо проник и увековечил себя и в этой сфере.

Отель Субиз, Франция

Неподражаемым образцом стиля служит отель Субиз в столице Франции. Во всей своей полноте характер стиля выражен в Китайском домике в Потсдаме. Тут и округлые формы (сам домик имеет форму листа клевера) и обилие позолоты, и колонны, завершающиеся невероятным числом декоративных элементов, и скульптурные композиции, в числе которых фигурка мандарина, сидящего под зонтом на крыше.

В стиле рококо выстроены:

• Дворец Келуш в Португалии. Архитектор – Матеуш Винсенте де Оливейра;
• Церковь Франциска Ассизского в Оуру-Прету архитектора Алейжадинью;
• Дворец Шарлоттенбург – летняя резиденция для прусских королей. Дворец выстроен в западной части Берлина.

Ландшафтный дизайн

Особенно стиль рококо проявил себя в ландшафтном дизайне своего времени. Парки и сады украшались гротами, беседками. На смену тяжеловесным лестницам, пришли китайские сады с мостиками и ручейками, павильоны, искусственно созданные гроты, криволинейные дорожки, лабиринты, обсаженные густой изгородью из вьющихся растений.

Иллюзорность – еще одна характерная черта рококо. Элементы паркового ландшафта создавали некую иллюзорность пространства. Непременным атрибутом парков и садов были скульптурные композиции и фигурки мифических героев: амуров, купальниц.

Интерьер

Рококо в интерьере – это прежде всего обилие света и золота. Обивки тканей, цвет мебели выбираются светлые: цвет дерева – выбеленный или золотисто светлый. Ткани сиреневые, бежевые, золотистые. На стенах легкие, ажурные обрамления, образующие медальоны, углы также сглажены лепными карнизами. Потолки однотонные, или украшенные панно в обрамлениях. Проемы окон и дверей декорированы лепными аркадами.

На смену просторным апартаментам приходят уютные небольшие комнатки, в которых игривый рококо нашел себе место. В новом стиле отделывались будуары, спальни и личные кабинеты аристократов. В ХVIII веке было в порядке вещей принимать посетителей, лежа в постели, поэтому спальни часто отделывались, как парадные.

Музыка

Музыка тоже ощутила на себе влияние галантного века. Стиль рококо выразился в легких, танцевальных мотивах, в обилии фонетических украшений, мелизмов.

Главным требованием к музыкальным произведениям была возможность наслаждаться звучанием музыкального инструмента. Произведения в стиле рококо не требовали, чтобы над ними размышляли, переживали, плакали. Музыка, как и все, окружавшее бытие аристократов, служила наслаждениям и развлечениям. Ее писали в основном для клавесинов, виолы, скрипки и гобоя.

Яркими представителями стиля были следующие композиторы:

• Франсуа Куперен (1668 — 1733), автор ряда инструментальных пьес и концертов для клавесина,
• Жан Филипп Рамо (1683 — 1764), создатель опер «Галантная Индия», «Празднества Гебы, или Лирические дарования», «Саид», и лирических музыкальных комедий «Платея» и «Паладины» (1760).
• Андре Кампра (1660 — 1744) — автор опер-балетов «Галантная Европа» (1697), «Венецианский карнавал» (1699), «Венецианские празднества]» (1710)

Инструментальные или сценические произведения демонстрируют невероятно слаженное единство архитектурой и дизайном интерьеров, с живописью и скульптурой, с аристократическим бытом времени, получившего название галантного века.

Влияние стиля на моду

Философией стиля рококо был праздник, получение удовольствия, любовь. Об этой эпохе известный русский поэт Александр Пушкин сказал, что в нем царствовали женщины.

Законодательницами стиля и моды стали мадам дю Барри, Маркиза де Помпадур, Мария Лещинская. Первые две были фаворитками короля. Мария Лещинская – польская принцесса, ставшая супругой Людовика XV. Она была старше короля на 7 лет.

Пара. Вечеринка под открытым небом
Иоганн Георг Платцер

В этот период наблюдалась феминизация культуры. Женщины проявили свои способности и таланты в целом ряде отраслей искусства: и это не могло не сказаться на моде. В ней доминирует тонкая талия, округлые бедра, подчеркиваемые нарядом, маленькие руки, высокая, изящная грудь, маленькая головка на тонкой шее, такое подобие китайской фарфоровой статуэтки.

Любовное письмо
Жан-Оноре Фрагонар

Женщину с такими «идеальными» формами можно увидеть и в живописи. Например, в картинах Франсуа Буше «Любовная записка». Глядя на портреты маркизы де Помпадур, выполненные кистью этого же живописца, начинаешь понимать, кому старались подражать французские дамы.

Любовное письмо
Иоганн Георг Платцер

Прически приобрели яйцевидный силуэт. На картинах Буше и Фрагонара головки дам не прилизанные, но и высоких фигур из волос нет ни у кого. Прически у дам умеренной пышности, часто подвязаны лентой или собраны под изящными заколками. Укладка волос больше тяготеет к естественной, природной легкости.

Силуэт женского платья был похож на перевернутый бокал. Тонкую талию дамы старались получить, затягивая себя корсетом, а для пышности бедер в юбку вставляли каркас из китового уса, ивовых прутьев, сплетенного конского волоса.

Костюмы аристократов сверкали золотом и драгоценными камнями. Даже пуговицы и пряжки делали из сверкающих драгоценных камней. Мужчины носили белые рубашки, украшенные кружевными жабо, или надевали шейные платки.

10 художников рококо

В искусстве Европы увековечили свои имена не один десяток живописцев. Покровительство королевского двора Людовика XV творческим и талантливым людям тоже дало толчок развитию искусства в стиле рококо во Франции. Яркую плеяду художников подарила Италия.

Жан Антуан Ватто (1684-1721)

Антуан Ватто считается основателем «ракушечного» стиля в живописи. Он прожил короткую жизнь – всего 37 лет, но это была жизнь, не простая, наполненная лишениями, трудом, поиском своего стиля, своей направленности в творчестве и по мере утверждения себя в искусстве, расцветал его талант.

Его картины:

• «Венера и Марс»,
• «Сатир и нимфа»,
• «Пьяный Силен»
• «Святое семейство».

Паломничество на остров Киферу
Жан Антуан Ватто

Его картина «Паломничество на остров Киферу» стала пропуском в Королевскую академию художеств. И считается вершиной творчества живописца. На создание этого творения художник потратил 5 лет. Сохранилось 2 варианта, 2 картины, написанных на эту тему. Один вариант хранится в Лувре, второй – в Берлине.

Франсуа Буше (1703- 1770)

Художник Франсуа Буше считается основным представителем французского рококо. Он родился в Париже. Этот талантливый художник, ставший страстным последователем Ватто, стоял у истоков рококо в живописи. Он создал более 300 полотен.

Его кисти принадлежат несколько портретов маркизы де Помпадур, картины в жанре пасторали на тему древнегреческой и древнеримской мифологии, сцены из библейской жизни.

Имя Франсуа Буше увековечили следующие полотна:

• «Диана после купания»,
• «Марс и Венера»,
• «Туалет Венеры»,
• «Венера и Купидон».

Кроме этого, Буше оставил небольшие рисунки, он создал гравюры, иллюстрации для книг Боккаччо, Мольера, Овидия, декорации для спектаклей и опер королевского театра, расписывал севрский фарфор, веера, писал миниатюры и т. п.

Уильям Хогарт (1697-1764)

Английский художник, представитель английской художественной школы, Уильям Хогарт иллюстрировал книги, создавал гравюры, работал, не останавливаясь на достигнутом, создавал новые жанры.

Уильям Хогарт с детства увлекался рисованием, отличался наблюдательностью и способностью отмечать мелкие детали. Предпочитал рисованию учебу в начальной школе. Обучался у известного гравера Эллиса Гэмбла, работавшего с серебром.

Его картины:

• «Музыкальная вечеринка»,
• «Собрание в доме Ванстед»,
• «Предвыборный банкет»,
• «Семья Фаунтейн».

Хогарт создавал художественные тематические серии. Так, серия «Карьера проститутки» состояла из 6 картин. Следующая серия картин «Модный брак» в основу гравюрных оттисков.

Джованни Баттиста Тьеполо (1696-1770)

Последний представитель венецианской школы. Он родился в Венеции, в отличие от большинства известных живописцев ему не пришлось никуда ехать, чтобы учиться. Он обучался у Грегорио Ладзарини и Себастьяно Риччи. Его супруга Мария была сестрой известных живописцев Гварди.

Тьеполо был ярким представителем Итальянского рококо. Он писал не только картины. В итальянских храмах сохранились его фрески. Это, как известно, одно из самых сложных направлений в живописи.

Его картины:

• «Вакх и Ариадна»,
• «Пир Клеопатры»,
• «Венецианский шарлатан».

Тема Вакха и Ариадны, начатая Тицианом в XVI веке, привлекала в период галантного века и других художников

Николя Ланкре (1690-1743)

Николя Ланкре – значимый представитель Парижской школы. На него глубокое влияние оказало творчество Антуана Ватто. Ланкре был членом, а позднее и советником Королевской Академии живописи и скульптуры писал сцены сельских прогулок, увеселений, пасторали, маскарады.

Его кисти принадлежат картины:

• «Концерт в парке»,
• «Танец у фонтана»,
• «Качели».
• «Портрет танцовщицы Камарго».

Семь картин этого художника хранятся в Эрмитаже.

Луи Мишель ван Лоо (1707—1771)

Живописец, портретист Луи Мишель ван Лоо – самый яркий и талантливый представитель художественной династии Ван Лоо и один из мастеров художественного портрета, работавших в стиле рококо. Обучался сначала у своего отца, а позднее, в Париже у Франсуа Буше.

В 1737 году ван Лоо получил приглашение в Мадрид, в качестве придворного художника короля Испании Филиппа V. В Мадриде он занимается и преподает начинающим живописцам. Придворный портретист. В его картинах обращает на себя внимание фотографическая точность, скрупулезное отношение к мельчайшим деталям.

Его картины:

• «Филипп V и Елизавета Фарнезе»,
• «Двор Людовика XV»,
• «Маркиза де Помпадур и Мариньи».

Этим художником созданы также портреты некоторых исторических деятелей — Дидро, Мишеля-Этьена Тюрго.

Луис Эухенио Мелендес (1716-1780)

Луис Мелендес родился в Неаполе, а позднее семья переехала в Мадрид. Его отец Франциско Мелендес стоял у истоков создании Королевской академии в Мадриде в 1744 году. Но после ссоры с руководством академии он был удален из нее и зарабатывал частными заказами.

Этот конфликт сыграл негативную роль и в жизни его сына Луиса, который не смог добиться должности придворного художника и умер в бедности. Луис Мелендес – представитель академического направления в искусстве, но в его натюрмортах просматривается живой, игривый стиль рококо.

Автор картин:

• «Натюрморт с грушами и дыней»,
• «Испанский натюрморт»,
• «Абрикосы и вишни».

Последние годы жил и работал в Испании, в Мадриде.

Жан-Оноре Фрагонар (1732-1806)

Французский живописец и гравёр. Создал более 500 картин в стиле рококо (не считая рисунков и гравюр). Обучался в Риме у известных художников Бароччо, Пьетро да Кортона, Солимена. На раннем этапе своего творчества работал над историческими сюжетами.

Его картина «Корес и Каллироя» стала для него пропуском в королевскую академию художеств. Впоследствии увлекся более востребованным направлением. Его картины в стиле рококо: «Спящая нимфа», «Амур, снимающий сорочку с красавицы» «Купальщицы», «Молодой гитарист».

Иоганн Георг Платцер (1704-1761)

Иоганн Георг Платцер – австрийский живописец, родившийся в графстве Тироль. Писал мифические и исторические сцены. Почти всю свою жизнь прожил в Типпане. Обучался у своего дяди, придворного художника. В своем творчестве Платцер отдавал предпочтение мифологическим или светским праздникам. И в то же время в его сюжетах всегда присутствовал скрытый смысл.

Его картины:

• «Сцена с фонтаном перед дворцом»,
• «Александр Македонский получает ключи от Вавилона»,
• «Царица амазонок Фалестрис в лагере Александра Македонского»,
• «Латона превращает ликийских крестьян в лягушек».

Серия из 4 картин тему «Удовольствия четырех сезонов», отражает каждое из времен года: весну, лето, осень и зиму.

Томас Гейнсборо (1727 – 1788)

Английский портретист Томас Гейнсборо родился в Сэдбери, графство Суффолк. Автор многочисленных портретов с не меньшим успехом создавал пейзажи, от работы над которыми получал наслаждение. Считается представителем английского рококо. Томас Гейнсборо считается основателем пейзажной школы в Британии.

Автор полотен:

• «Пейзаж в Саффолке»,
• «Возвращение крестьян с рынка»,
• «Утренняя прогулка.
• «Портрет сквайра Уильяма Хэллета с супругой Элизабет»,
• «Портрет миссис Ричард Бринсли Шеридан».

Пейзажи, картины природы нередко служили фоном в портретах, как например, в картинах «Джорджиана, герцогиня Девонширская», «Групповой портер детей Маршам».

10 известных картин в стиле рококо

Стиль французской аристократии значительно обогатил мировое искусство творениями живописи архитектуры и скульптуры. Немало картин того периода хранятся в мировых музеях, картинных галереях, частных коллекциях. Здесь приведем 10 картин, получивших мировое признание.

«Портрет балерины Парижской Оперы Мари-Мадлен Гимар»

Портрет балерины Парижской Оперы Мари-Мадлен Гимар
Жан-Фредерик Шаль

Автор – французский живописец Жан-Фредерик Шаль. Героиня картины – классическая представительница женского типажа, принятого в рококо. В этом художественном произведении преобладают светлые пастельные тона. На балерине белоснежное с розовым платье, из-под которого выглядывает маленькая, изящная ножка в розовых туфлях. Фоном для портрета служит сад. На заднем плане едва угадывается каменная постройка.

«Вакх и Ариадна»

Вакх и Ариадна
Иоганн Георг Платцер

Картина написана художником Иоганном Георгом Платцером. На ней изображена сцена праздничного застолья мифических героев. В картине преобладают золотистые и голубые оттенки. Фигуры участников застолья отливают золотом. Элементы стиля также выражены в изображении посуды, садовой архитектуры, изображении деревьев, фигур людей.

«

Молодая читательница»

com/pin/create/button/?url=https://art-dot.ru/rokoko/&media=https://art-dot.ru/wp-content/uploads/2020/11/zhan-onore-fragonar-molodaya-uchitelnitsa.jpg&description=Стиль рококо в живописи, искусстве и архитектуре: черты, примеры, художники, особенности, картины» data-width=»600″ data-height=»400″/>Молодая учительница
Жан Оноре Фрагонар

Автор портрета – Жан Оноре Фрагонар. Картина написана в 1769 году. На ней изображена молодая женщина, читающая книгу. В портрете использована присущая рококо цветовая гамма. Большая подушка за спиной олицетворяет собой комфорт и наслаждение.

«Качели»

Качели
Фрагонар

Это еще одна картина Фрагонара. На ней изображена молодая женщина, катающаяся, а точнее, взлетающая на качелях. Именно ощущения полета выражено кистью мастера. Упавший впереди мужчина и стоящий на заднем плане — поклонники женщины, пытающиеся ухаживать за ней. Молодая женщина в персиковом платье изображена на фоне темного неба. Очевидно, действие происходит вечером, напоенным любовью и романтизмом.

«Юпитер и Калисто»

Юпитер и Калисто
Франсуа Буше

Великолепное полотно, выполненное художником Франсуа Буше. Эта картина – яркое воплощение стиля рококо. Все в ней дышит эротизмом и чувственностью, которую подчеркивают кружащиеся над головой влюбленных амуры. Цвета, использованные в картине, тоже подчеркивают влюбленность героев

«Радости бала»

com/pin/create/button/?url=https://art-dot.ru/rokoko/&media=https://art-dot.ru/wp-content/uploads/2020/11/antuan-vatto-radosti-bala.jpg&description=Стиль рококо в живописи, искусстве и архитектуре: черты, примеры, художники, особенности, картины» data-width=»600″ data-height=»400″/>Радости бала
Антуан Ватто

Антуан Ватто. Одна из первых картин художника, написанная в 1714 году. Это полотно интересно еще и тем, что дает представление об архитектуре того времени. Полотно хранится в картинной галерее Дальвичского колледжа в Лондоне.

«Портрет императрицы Елизаветы Петровны»

Портрет императрицы Елизаветы Петровны
Иван Аргунов

Портрет написан в стиле рококо, входившем в российскую моду русским живописцем Иваном Аргуновым. На картине обращает на себя внимание сходство императрицы с ее отцом Петром I. Тяжелый атлас ее платья, синяя лента на груди и орден говорят о принадлежности дамы на портрете к власти. Предположительно, портрет был написан в конце 60-х годов XVIII века.

«Утренний шоколад»

Утренний шоколад
Пьетро Лонги

Художник – Пьетро Лонги. На картине хозяйка принимает гостей, находясь в постели. Один из присутствующих – священник с молитвословом, Слуга держит кофейник и чашечку с шоколадом, очевидно для хозяйки. И еще один герой картины тоже угощается горячим шоколадом. На картине, созданной в 1775-80 годах, отображен начинавший входить в моду обычай пить по утрам горячий шоколад.

Геркулес и Омфала

Геркулес и Омфала
Франсуа Буше

Франсуа Буше изображает откровенно эротическую сцену. Согласно мифологии, Омфала была царицей Лидии, а Геракл оказался проданным ей в рабство. Но между рабом и царицей вспыхнула страсть. Красный цвет ложи, розовый палантин над постелью влюбленных, путти говорят, как раз, об этой любовной страсти.

 «Сцена в фонтане перед дворцом»

Сцена в фонтане перед дворцом
Иоганн Георг Платцер

Сцена, изображенная Платцером в этой картине, показывает, как развлекаются дворяне в жаркий летний день, забыв об этикете и скромности. Картина была создана между 1730-35 годами, и сейчас хранится в замке Скуклостер в Швеции.

Обзор движения в стиле рококо | TheArtStory. Картины, ставшие визитной карточкой эпохи, были созданы во славу грандиозных идеалов рококо и страсти к аристократическому образу жизни и развлечениям. Движение, зародившееся во Франции в начале 1700-х годов, превратилось в новый, непревзойденный союз декоративного и изобразительного искусства, который стал визуальным лексиконом, проникшим в континентальную Европу 18-го века.

Ключевые идеи и достижения

• Жанровые картины были популярным способом изобразить смелую и радостную жажду жизни эпохи рококо. Сюда входили fete galante , или произведения, обозначающие времяпрепровождение на открытом воздухе, эротические картины, наполненные чувством причудливого гедонизма, аркадские пейзажи и портреты «знаменитостей», в которых обычные люди изображались в роли известных исторических или аллегорических персонажей.
• Искусство и архитектура в стиле рококо несут в себе сильное чувство театральности и драматизма под влиянием сценографии. Влияние театра можно было увидеть в новаторских способах вплетения живописи и декоративных предметов в различные среды, создавая атмосферу полного погружения.
• Детальная работа процветала в эпоху рококо. Лепные рельефы в виде рамок, асимметричные узоры с мотивами и завитками, скульптурные арабески, позолота, пастель и tromp l’oeil — наиболее известные методы, которые использовались для достижения плавной интеграции искусства и архитектуры.
• Термин «рококо» впервые был использован Жаном Мондоном в его Premier Livre de forme rocquaille et cartel (Первая книга о форме и обстановке рококо) (1736 г.) с иллюстрациями, изображающими стиль, используемый в архитектуре и дизайне интерьера. Термин произошел от французского rocaille , что означает «работа из ракушек, галька», используется для описания фонтанов или садовых гротов эпохи Высокого Возрождения, в которых использовались морские ракушки и галька, встроенные в лепнину, для создания сложного декоративного эффекта.

Произведения художников и художников рококо

Развитие искусства

1717

Посадка на Циферу

Художник: Жан-Антуан Ватто

Эта картина в пасторальном платье изображает множество любовных пар в элегантной или пасторальной обстановке. Кифера, мифический остров, где Венера, богиня любви, родилась из моря. Жесты и язык тела вызывают воспоминания, поскольку мужчина, стоящий ниже центра, обнявший талию женщины рядом с ним, кажется, искренне умоляет ее, в то время как она оборачивается, чтобы с тоской посмотреть на другие пары. Обнаженная статуя богини возвышается с пьедестала, украшенного цветами справа, как будто руководит празднеством. Слева она дважды изображена в золотой статуе, которая помещает ее на нос лодки. Обнаженные путти появляются на протяжении всей сцены, паря в небе слева или появляясь между парами и толкая их вперед, а природа — вялое, но плодородное присутствие. В целом картина прославляет путешествие любви. Как писал современный критик Джеб Перл, «парные влюбленные Ватто, запертые в своей мучительной, восхитительной нерешительности, являются эмблемами постоянно приближающейся и постоянно удаляющейся возможности любви».

Как писал искусствовед Холли Брубах, «образы Ватто идеально подвешены между моментом непосредственно перед и моментом после… люди, которых он изображает, заняты разыгрыванием не одного, а нескольких возможных сценариев». Его фигуры — не столько узнаваемые личности, сколько аристократические типы с гладкими напудренными лицами, которые вместе создают своеобразную хореографию цвета и удовольствия.

Этой работой Ватто, подарком для Академии, он стал пионером galante , или картина ухаживания, и положило начало рококо. Как писал Джонатан Джонс, «В туманных, тающих пейзажах картин… он недвусмысленно связывает пейзаж и желание: если искусство Ватто оглядывается на придворных любовников средневековья, оно начинает современную историю чувственности во французском искусстве».

Холст, масло. Лувр, Париж

c. 1718-19

Пьеро

Художник: Жан-Антуан Ватто

На этой картине (ранее известной как Жиль) изображен Пьеро, традиционный персонаж итальянского языка комедия дель арте . Он возвышается в центре сцены в том, что кажется садом, и он смотрит на зрителя с опущенным выражением лица, когда доминирует его белый атласный костюм, его вздымающийся живот освещается. Он кажется почти двухмерным вырезом. Другие стандартные персонажи окружают его, но Пьеро остается отдельно, как будто он вышел из их сцены. Негативное пространство в левом верхнем углу еще больше подчеркивает изоляцию Пьеро. Как писал Джонатан Джонс, «Ватто проявляет вымысел картины», поскольку персонаж «в своем дискомфорте и отчуждении восстает не только против своей стандартной роли в комедии, но и против своей роли в этой картине. пьеса также является выходом из художественной литературы, написанной Ватто».

Ватто был пионером художественного представления театральных миров, характерного жанра рококо, и он также преобразовал характер Пьеро из своего рода неуклюжего, влюбленного дурака в фигуру отчужденной тоски. Как писал Джонс, «представление театральных, социально маргинальных миров, вслед за Ватто, занимает центральное место во французском современном искусстве, от певцов кафе импрессионистов до танцоров и проституток Тулуз-Лотрека и арлекинов Пикассо». Поскольку фигура Пьеро стала фигурой альтер-эго художника, эта картина повлияла на ряд более поздних художественных течений и художников, включая декадентов, символистов и художников, таких как Андре Дерен, как видно из его Арлекин и Пьеро (ок. 1924 г.). Влияние также распространилось на поп-культуру, как показано в раннем выступлении Дэвида Боуи в пьесе Линдси Кемп « Пьеро в бирюзе » (1967), где Боуи сказал: «Я Пьеро. театр. То, что вы видите на сцене, не зловещее. Это чистый клоун. Я использую себя как холст и пытаюсь нарисовать правду нашего времени».

Холст, масло. Лувр, Париж

c. 1730

Вход на Большой канал

Художник: Каналетто

Этот знаменитый пейзаж изображает вход в Гранд-канал в Венеции, где несколько гондольеров и их пассажиров маневрируют горизонтально по полотну. Их асимметричное расположение создает движение, поскольку три гондолы поднимаются вверх в центре и уводят взгляд зрителя вдаль, что еще больше подчеркивается перспективой зданий справа и церкви слева. Тонкое использование местных цветов придает произведению ощущение золота и ощущение идиллической жизни того времени, чему способствовала любовь венецианской школы к аркадским пейзажам, которая в значительной степени повлияла на эстетику рококо.

Каналетто был пионером в рисовании с натуры и передачи атмосферных эффектов определенного момента, что побудило некоторых ученых рассматривать его работы как предвосхищение импрессионизма. Как писал Джонатан Джонс, «тонкое ощущение игры света на архитектуре… делает Каналетто таким соблазнительным». В то же время его новаторское использование топографии, передающее местность с научной точностью, повлияло на последующих художников, как заметил историк искусства Джон Рассел, «он ухватился за свой родной город, как будто ни одна деталь его бурлящей жизни не была слишком маленькой или слишком тривиальной. чтобы заслужить его внимание».

Венеция была известной остановкой британских аристократов во время Гранд-тура, и большая часть работ Каналетто была продана этой публике. Британский торговец произведениями искусства Оуэн Суини призвал его рисовать небольшие, даже размером с открытку, топографические виды для продажи туристам, а банкир и коллекционер произведений искусства Джозеф Смит стал известным покровителем, продав большое количество своих работ королю Георгу III. . В 1746 году Каналетто переехал в Лондон, где писал сцены Лондона, такие как его Вестминстерский мост (1746). С тех пор его работа сохранила свою популярность и влияние: она была показана в фильме Дэвида Бикерстаффа 9.0010 Canaletto and the Art of Venice (2017), и эта картина использовалась в видеоигре Merchant Prince II (2001).

Холст, масло. Музей изящных искусств, Хьюстон, Техас

1733-34

Мыльные пузыри

Художник: Жан-Батист Симеон Шарден

На этой картине изображены двое играющих детей. Мальчик постарше, наклонившись вперед, дует в тростник, расширяя светящийся мыльный пузырь. Младший ребенок в тени, в шапке с пером, выглядывает из-за уступа, его взгляд также сосредоточен на мерцающем пузыре. Цветовая палитра, приглушенная различными оттенками насыщенного коричневого и черного, подчеркивает контрастный свет и румяное сияние рук и лица мальчика, так что зритель тоже осознает приглушенное погружение в детскую игру. Краска, нанесенная толстым пастозным слоем, передает тактильные фактуры камня, ткани и кожи. Работа создает ощущение детской невинности, сосредоточенной на эфемерной радости, но в то же время аллюзивной, поскольку современники художника зарегистрировали мыльный пузырь как символ быстротечности жизни.

Реалистичные жанровые сцены Шардена, вдохновленные голландскими художниками-жанристами Золотого века, стали его уникальным вкладом в эпоху рококо. В отличие от большинства художников, которые сосредоточились на аристократии и ее развлечениях, он изображал домашние сцены, играющих детей и натюрморты, отражая дань уважения рококо неторопливым времяпрепровождениям. Как также писал Джонс, Шарден рисовал «мир удовольствий среднего класса», а «французская эстетика повседневности . .. впервые появляется в картинах Шардена и сделала его культовой фигурой для современных французских художников и писателей». Его работы оказали влияние на Гюстава Курбе, Поля Сезанна, Эдуарда Мане и Винсента Ван Гога, среди прочих.

Холст, масло. Музей Метрополитен, Нью-Йорк

1751

La Toilette de Vénus (Туалет Венеры)

Художник: Франсуа Буше

На этом портрете изображена обнаженная мадам де Помпадур в образе Венеры , классическая богиня любви, сопровождаемая тремя херувимами и двумя белыми голубями. Она сидит на шезлонге, спинка которого обрамлена золотом рокайль , увенчанная статуей лежащего херувима. №

Голубые шторы, переливающиеся светом и тенью, открывают частичный вид на красивый сад и создают атмосферу отдыха. Фигуративная обработка идеализирована, почти нарисована аэрографом, в то время как обстановка богато детализирована и декоративна, создавая общий эффект, воплощающий саму концепцию роскоши.

Буше преобразил период рококо своими чувственными изображениями знатных граждан той эпохи, светских знаменитостей и прошлого, создав свой собственный особый живописный бренд. Мадам де Помпадур, настоящая «кто есть кто того времени», поручила Буше написать эту работу для своей личной гардеробной в замке Бельвю. Картина была данью ей, поскольку она сыграла главную роль Венеры в La Toilette de Venus (1750) в Версале.

Как писал историк искусства Мелисса Ли Хайд, портреты Буше часто указывали на «интересное сочетание театрально-исполняемых и живых идентичностей», демонстрируя «страсть к тому, что мы могли бы назвать искусством внешнего вида, и понимание этого искусства как средство для формирования и представления идентичности».

В течение нескольких десятилетий неоклассицизм отверг работу Буше за те же качества, которые сделали ее столь популярной среди аристократического класса. Его работы только недавно начали подвергаться переоценке историками искусства, такими как Мелисса Ли Хайд и Джед Перл, а современные художники Джон Каррин и Лиза Юскаваге назвали Буше прямым влиянием.

Холст, масло. Метрополитен-музей, Нью-Йорк

1756

Портрет мадам де Помпадур

Художник: Франсуа Буше

Этот портрет мадам де Помпадур в полный рост подчеркивает стильную элегантность, когда она полулежит в пышном зеленом шелковом платье с узором из розовых роз на лифе и вырезе. Интерьер комнаты, обрамленный драпировками из золотой парчи, с изысканными золотыми картельными часами, выставленными над камином, не менее великолепен. Символичны и детали: книжный шкаф, полный книг, разбросанные по полу книги и часы в форме лиры, украшенные лавром, символизируют любовь к литературе, музыке и поэзии. Она передает атмосферу уверенности и приятного расслабления, ее розовые высокие каблуки выглядывают из-под юбки, две прекрасные розы лежат у ее ног. Тем не менее, работа также изображает ее интеллектуальное влияние, открытую книгу в левой руке, перо и конверт на столе справа. Поворот ее взгляда влево был в то время позой, которая представляла собой погружение в философские размышления. В результате работа представляет собой своеобразную социальную иконографию, каждый элемент которой тщательно подобран и стилистически унифицирован для создания образцового образа.

Художественный критик Сюзи Менкес назвала ее «одним из первых и наиболее успешных создателей собственного имиджа», мадам де Помпадур заказала этот портрет вместе с другими Буше и попросила показать их, пока они были в процессе, поэтому она могла указать, как она хотела выглядеть. Как отметил Менкес, «лестные и декоративные картины» Буше были ранним художественным примером «обращения со знаменитостями таблоидов». В 1756 году Помпадур была назначена фрейлиной при дворе, и историк искусства Элиз Гудман предполагает, что изображенный здесь момент, отмеченный 8:20 на часах, должен был ознаменовать «ее возвышение, когда на высоте аристократической самоуверенности … она удалилась в свою библиотеку-будуар, чтобы насладиться своим новым положением и насладиться любимыми занятиями».

Образы мадам Помпадур, созданные Буше, настолько охарактеризовали движение рококо, что писатели Жюль и Эдмон де Гонкуры написали: «В письме о вкусах французов, которое является частью собрания эфемерных рукописей, датируемых 1751 годом… Я нашла кареты а-ля Помпадур, сукно колорит Помпадур, рагу а-ля Помпадур… нет ни единого кусочка женского туалета, который не был бы а-ля Помпадур».

Холст, масло – Старая пинакотека, Мюнхен, Германия

1767-68

Качели

Художник: Жан-Оноре Фрагонар

Эта культовая работа изображает причудливую женщину, летящую на качелях в зеленом саду с цветущими качелями. как экстравагантный розовый цветок, когда молодой денди падает обратно в кусты слева, его лицо краснеет от волнения, чтобы заглянуть ей под юбку. В тени справа пожилой мужчина тянет за канаты качелей, чтобы подтолкнуть молодую женщину вперед. Под ней два обнимающихся херувима, а слева еще один амур стоит на пьедестале, подняв руку к губам в наставлении. Изображение было скандальным для своего времени из-за густо наслоенных сексуальных аллюзий.

Выразительные мазки Фрагонара создают водоворот между фигурой и листвой, так что сама природа кажется захваченной волнением момента. В то же время художник использовал свет и тень, чтобы направить взгляд зрителя на поэтапное раскрытие произведения. Зритель замечает сначала женщину на качелях, затем молодого мужчину и, наконец, пожилого мужчину в тени справа. Эффект представляет собой своего рода сценическое освещение, создающее драму и повествование.

Творчество Фрагонара было заново открыто писателями Эдмундом и Жюлем Гонкурами в L’Art du XVIIIe siècle (Искусство восемнадцатого века) (1865 г. ), и его работы впоследствии оказали влияние на импрессионистов, особенно на Пьера-Огюста Ренуара и Берту Моризо, которая также была его внучкой. Качели стали художественным и культурным символом. Его пересмотрели современные художники Йинка Шонибаре и Кент Монкман в своих работах. Художник по воздушным шарам Ларри Мосс упомянул об этом в своей 3D-инсталляции The Swing для своей серии Masterworks в Центре искусств Фелпса в 2013 году.0005

Холст, масло. Коллекция Уоллеса, Лондон

1752

Аллегория планет и континентов

Художник: Тьеполо , и свет. Слева от центра стоит греческий бог солнца Аполлон с сияющим шаром позади него, призывая солнечных коней справа от себя. На карнизе группы аллегорических фигур с изображением животных обозначают Европу, Азию, Америку и Африку, а боги, символизирующие планеты, кружатся вокруг бога солнца. Марс, бог войны, возлежит с обнаженной Венерой на темном облаке под Аполлоном, а Меркурий с кадуцеем в руке летит вниз сверху слева.

Эта картина была написана для ослепительного потолка лестницы, которую он создал в Вюрцбургской резиденции в Германии для принца-епископа Карла Филиппа фон Гриффенклау. Нарисованная на огромном своде обработка Tiepolo trompe l’oeil произвела драматическое впечатление на контрасте с неоклассической лестницей из белого мрамора, спроектированной Бальтазаром Нейманом. Картина Тьеполо в разделе «Европа» включает портрет архитектора, а также фон Гриффенклау. Кроме того, художник изобразил своего сына Джандоменико и художника Антонио Босси, оба из которых работали с ним над проектом, а также автопортрет.

Эта фреска остается самой большой в мире, она составлена ​​таким образом, что отдельные части картины можно было рассматривать с определенной остановки, как если бы перспектива соответствовала положению зрителя. Нововведением Тьеполо было его расположение пастелей в дополнительной схеме, так что напряжение цвета подчеркивало бы повествовательное движение и драматические позы фигур, создавая живой эффект. Результат был назван sprezzatura , или «заученная небрежность». Как писал искусствовед Кейт Кристиансен, Тьеполо «прославляет воображение, переводя мир древней истории и мифов, писаний и священных легенд на грандиозный, даже театральный язык». Именно это качество воображения Тьеполо влияло на Франсиско Гойю на протяжении всей его карьеры, как в его ранних проектах гобеленов, так и позже в его гравюрах, когда он опирался на таинственные и иногда причудливые гравюры Тьеполо в 9-м веке.0010 Capricci (ок. 1740–1742) и Scherzi di fantasia (ок. 1743–1757).

Холст, масло

c. 1770

Голубой мальчик

Художник: Томас Гейнсборо

На этом портрете в полный рост изображен мальчик в синих атласных бриджах до колен и камзоле с кружевным воротником, который без улыбки смотрит на зрителя. Держа шляпу с плюмажем в правой руке, а другую руку положив на бедро, он передает уверенность в себе и чуточку чванства. Составленный слоями косых и тонких мазков с нежными оттенками сланца, бирюзы, кобальта, индиго и лазурита, синий цвет становится сияющим, почти электрическим на фоне бурного и скалистого ландшафта.

Первоначально считалось, что на картине изображен Джонатан Баттол, сын богатого торговца, но современные ученые определили, что модель, скорее всего, является помощником художника и племянником Гейнсборо Дюпон. Как писала искусствовед Кимберли Крисман-Кэмпбелл, работа «представляет собой своего рода косплей времен Гражданской войны в Англии, популярный для балов-маскарадов в 18 веке», изображающий мальчика в костюме кавалера, который носили аристократы-роялисты 1630-х годов. Его поза и выражение лица также играют роль, поскольку кавалеры отличались не только своей стильной одеждой, но и своим беспечным и удалым отношением. Таким образом, произведение Гейнсборо, самое популярное, имеет tour de force , сочетающий мастерскую портретную живопись с исследованием костюма и своим художественным ответом на работы Антониса ван Дейка, известного своими портретами двора короля Карла I и кавалеров, которые его поддерживали. Тем не менее, используя в основном синий цвет, который традиционно считался более подходящим для фоновых элементов, Гейнсборо также бросил вызов традиционным эстетическим предположениям.

Работа несет в себе традиционную визуальную привлекательность рококо и игру с костюмированными фигурами, но Гейнсборо также добавил новаторские элементы реализма, как видно на пуговицах, туго зашнуровывающих дублет, и предвосхитил романтизм, изобразив одинокую фигуру на фоне бурного неба. Гейнсборо пришел, чтобы продемонстрировать британское рококо светскими портретами своих богатых клиентов.

Картина сразу же имела успех во время своего дебюта в 1770 году в Королевской академии художеств в Лондоне и стала настолько ассоциироваться с британской культурной самобытностью, что, когда в 1921 году герцог Вестминстерский продал ее американскому магнату Генри Хантингтону, она вызвала скандал. Немой фильм Фридриха Вильгельма Мурнау Knabe in Blau ( The Boy in Blue ) (1919) был вдохновлен картиной, как и песня Коула Портера Blue Boy Blues (1922). Поп-артист Роберт Раушенберг и современный художник Кехинде Уайли были вдохновлены этой работой, а художник Алекс Исраэль сослался на нее в своем Автопортрет (Доджерс) (2014‒2015). Выставленная в Хантингтонском музее вместе с портретом Томаса Лоуренса девушки в розовом, Pinkie (1794), эта работа приобрела еще большую культурную значимость, поскольку обе картины были использованы в пилотном телесериале Eerie, Indiana ( 1991) и в качестве декораций к эпизодам сериала Оставь это Биверу (1957-1963).

Холст, масло — Библиотека Хантингтона, Сан-Марино, Калифорния

1782

Автопортрет в соломенной шляпе

Художник: Элизабет Луиза Виже Ле Брюн

Этот автопортрет подчеркивает аристократическую, но небрежную элегантность и художественное мастерство. Одетая в мерцающий шелк, ее белые манжеты привлекают внимание к ее вытянутой правой руке, белый воротничок подчеркивает смелый вырез ее декольте, в левой руке она держит палитру и кисти. Соломенная шляпа с широкими полями, окруженная яркими цветами и спортивными формами, становится фокусом акцента работы на игре света, так как верхняя часть ее лица мягко затенена, подчеркивая ее уверенный прямой взгляд, в то время как солнечный свет освещает правую. сторона ее лица и ее верхняя часть туловища. Две длинные хрустальные серьги играют контрапунктом, отражая свет и тень. Фоном является только небо, голубое яйцо малиновки обрамляющее ее лицо, и общий эффект, как писал историк искусства Саймон Шама, «привлекательная, но тщательно рассчитанная небрежность».

На эту работу повлияла картина Питера Пауля Рубенса Le Chapeau de Paille ( Соломенная шляпа ) (1622-1625). Увидев его в Антверпене, Лебрен писал: «Это восхитило и вдохновило меня до такой степени, что я сделал свой портрет в Брюсселе, стремясь добиться тех же эффектов».

Женщины-художницы по большей части занимались портретной живописью. Среди известных женщин-художников рококо были Розальба Каррьера, Аделаида Лабиль-Гьяр и Анжелика Кауфман. Самой известной была Виже Лебрен, которая в возрасте двадцати трех лет стала официальным художником королевы Марии-Антуанетты. Нововведения Лебрена были в портретной живописи, как писал Шама: «Никто, как быстро стало очевидно, не мог конкурировать с этой молодой женщиной как безыскусный художник», и ее «великий прорыв заключается в том, чтобы переделывать женщин, незапамятных времен узник мужского взгляда, в безошибочную хозяйку собственного присутствия».

Холст, масло – Национальная галерея, Лондон

Начало рококо

В живописи на рококо в первую очередь повлияло использование венецианской школой цвета, эротических сюжетов и аркадских пейзажей, а школа Фонтенбло положила начало дизайну интерьеров в стиле рококо. .

Венецианская школа

Известные художники Джорджоне и Тициан, среди прочих, повлияли на акцент периода рококо на кружащиеся цвета и эротические сюжеты. Пастырский концерт (ок. 1509 г.), впервые приписываемый Джорджоне, хотя теперь большинство ученых считают его одной из ранних работ Тициана, был классифицирован Лувром как Fête champêtre , или вечеринка на открытом воздухе, когда он впервые стал частью музейной коллекции. . Работа эпохи Возрождения, изображающая двух обнаженных женщин и двух мужчин-аристократов, играющих музыку в идеализированном пасторальном пейзаже, сильно повлияла на развитие рококо Fête galante или картин ухаживания. Этот термин относился к историческим картинам приятного прошлого и стал популярным в работах Жана-Антуана Ватто.

Школа Фонтенбло 1528-1630

В 1530 году король Франциск I, известный меценат, пригласил итальянского художника Россо Флорентино ко французскому двору, где, заложив основу придворного стиля французского маньеризма, Россо основал Школу Фонтенбло. Школа стала известна своим уникальным стилем дизайна интерьера, в котором все элементы создавали четко поставленное единство. Россо впервые использовал большие лепные рельефы в качестве рамок, украшенные декоративными и позолоченными мотивами, которые сильно повлияли на акцент рококо на сложной обстановке.

Золочение было ключевым вкладом Фонтенбло, придав изысканное великолепие предметам, как в знаменитой солонке Беневенто Челлини (1543 г.), которую Франциск I заказал из золота. Даже простые элементы интерьера в стиле рококо стали сильно подчеркнуты, о чем свидетельствует популярность картельных часов, встраивающих обычные часы в замысловатые декорации, которые напоминали скульптуры и органично дополняли общий вид окружающих их интерьеров.

Эпоха рококо Дизайн

Рококо дебютировал в дизайне интерьеров, когда гравер Пьер Ле Потр работал с архитектором Жюлем Ардуэном-Мансаром над Шато де Марли (1679-1684), а затем в Версале в 1701 году, когда он реконструировал личные апартаменты Людовика XIV. Ле Потр впервые применил арабески, используя s-образную или с-образную линию, размещенную на белых стенах и потолках. Он также использовал вставки с позолоченными деревянными панелями, создавая причудливый и легкий стиль. Ле Потр был прежде всего известен как ornemaniste , или дизайнер орнамента, что отражает популярную в то время роль ремесленников и мастеров в развитии высокодекоративного стиля.

Удалить рекламу

Во время правления Людовика XIV Франция стала доминирующей европейской державой, и сочетание большого богатства и мирной стабильности заставило французов обратить свое внимание на личные дела и наслаждение мирскими удовольствиями. Когда король умер в 1715 году, его наследнику Людовику XV было всего пять лет, поэтому Регентство во главе с герцогом Орлеанским правило Францией, пока дофин не достиг совершеннолетия. Герцог был известен своим гедонистическим образом жизни, а эстетика рококо казалась идеальным выражением чувствительности эпохи. Вступив на престол в 1723 году, Людовик XV также стал известным сторонником и покровителем архитектуры и дизайна в стиле рококо. Поскольку Франция была художественным центром Европы, художественные дворы других европейских стран вскоре последовали ее примеру в своем энтузиазме по поводу подобных украшений.

Жан-Антуан Ватто

Жан-Антуан Ватто возглавил период рококо в живописи. Родившийся в Валансьене, маленькой провинциальной деревне в Бельгии, которая недавно присоединилась к Франции, его раннее развитие в искусстве и рисовании привело к его раннему обучению у местного художника. Впоследствии он отправился в Париж, где зарабатывал на жизнь изготовлением копий произведений Тициана и Паоло Веронезе. Он присоединился к мастерской Клода Одрана, известного декоратора, где познакомился и стал художественным коллегой Клода Жилло, известного своим украшением комедия дель арте , или комические театральные постановки. В результате работы Ватто часто выражали театральный подход, показывая фигуры в костюмах среди декораций на заднем плане, освещенных искусственным светом.

В 1712 году Ватто принял участие в конкурсе Prix de Rome Королевской академии живописи и скульптуры, и Академия приняла его в качестве полноправного члена. Его «приемная» для Академии, Посадка на Китеру (1717), фактически положила начало движению рококо. Академия ввела термин Fête galante , или вечеринка ухаживания, для обозначения работы, тем самым устанавливая категорию, которая должна была стать доминирующим элементом живописи в стиле рококо. Fête galante картин изображали fête champêtre , или вечеринку в саду, популярную среди аристократического класса, где, одетые как на бал или в костюмах, они пили, обедали и предавались любовным занятиям в аркадских садах и парках. . Художественная тема не только нравилась частным меценатам, но и ее мифологизированные пейзажи и декорации соответствовали стандартам Академии, причислявшей историческую живопись, в том числе мифологические сюжеты, к высшей категории.

Клод Одрен был официальным хранителем Люксембургского дворца, и, работая с ним, Ватто скопировал серию из двадцати четырех картин Питера Пауля Рубена «Жизнь Марии Медичи» (1622-25), которая была выставлена ​​в дворец. Серия Рубена, сочетающая аллегорические фигуры и мифологические сюжеты с изображениями королевы и аристократического двора, продолжала формировать творчество Ватто. Рубенс впервые применил технику trois crayons , что означает три мелка, технику использования красного, черного и белого цветов для создания колористических эффектов. Ватто освоил эту технику до такой степени, что его имя стало ассоциироваться с ней, и она была широко принята более поздними художниками рококо, в том числе Франсуа Буше.

Франсуа Буше

Под влиянием Рубенса и Ватто Франсуа Буше стал самым известным художником зрелого периода рококо, начиная с 1730 года и продолжавшегося до 1760-х годов. Известный своей картиной, сочетающей аристократическую элегантность с эротическим обращением с обнаженной натурой, как видно из его «Туалет Венеры » (1751 г. ), он был одинаково влиятельным в декоративно-прикладном искусстве, театральных постановках и дизайне гобеленов. Он был назначен первым художником короля в 1765 году, но наиболее известен своим давним сотрудничеством с мадам де Помпадур, официальной первой любовницей короля Людовика XV и известной покровительницей искусств. В результате своего мастерства в искусстве и дизайне рококо и своего королевского покровительства Буше стал «одним из тех людей, которые представляют вкус века, которые выражают, олицетворяют и воплощают его», как писали известные авторы Эдмон и Жюль де Гонкур. .

Удалить рекламу

Мадам де Помпадур

Мадам де Помпадур, урожденная Жанна-Антуанетта Пуассон, была названа «крестной матерью рококо» из-за ее центральной роли в продвижении стиля и превращении Парижа в художественную столицу Европы. Она повлияла на дальнейшее применение рококо благодаря покровительству художникам, таким как Жан-Марк Натье, скульптор Жан Батист Пигаль, дизайнер обоев Жан-Батист Ревейон и гравер по драгоценным камням Жак Гуай. Официальная первая любовница короля с 1745 по 1751 год, она оставалась его доверенным лицом и доверенным советником до своей смерти в возрасте 42 лет из-за туберкулеза. Ее роль и статус стали де-факто определение королевского покровительства.

Рококо: концепции, стили и направления

Французское рококо

Франция была центром развития рококо. В дизайне салон, комната для развлечения, но и для того, чтобы произвести впечатление на гостей, был главным нововведением. Самым известным примером был «Салон принцессы» Шарля-Жозефа Натуара и Жермена Боффрана (1735-1740) в резиденции принца и принцессы де Субиз. Белые стены цилиндрического интерьера, позолоченное дерево и множество зеркал создавали эффект легкости и воздушности. Арабески, часто намекающие на римские мотивы, купидоны и гирлянды, были представлены золотой лепниной и пластинчатым рельефом. Асимметричные кривые, иногда полученные из органических форм, таких как морские раковины или листья аканта, были тщательно продуманными и преувеличенными. Минимальный акцент на архитектуре и максимальный акцент на декоре станет краеугольным камнем движения рококо.

Живопись была неотъемлемой частью движения рококо во Франции, и известные художники, которые возглавили этот стиль, Антуан Ватто, а затем Франсуа Буше, повлияли на все элементы дизайна от интерьеров до гобеленов и моды. Среди других известных художников были Жан-Батист ван Лоо, Жан-Марк Натье и Франсуа Лемуан. Лемойн был известен своими историческими аллегорическими картинами, такими как его Апофеоз Геракла (1733-1736), нарисованный на потолке Салона Геркулеса в Версале. Примечательной чертой французской живописи в стиле рококо была манера, в которой ряд известных семей художников, таких как ван Лоос и Койпели, поддерживали последовательный стиль и предмет в своих мастерских.

Итальянское рококо

Живопись заняла ведущее место в итальянском рококо, примером чему служат работы венецианского художника Тьеполо. Сочетая акцент венецианской школы на цвете с quadratura или потолочными росписями, шедеврами Тьеполо были фрески и большие запрестольные образы. Известный во всей Европе, он получил множество королевских заказов, таких как его серия потолочных росписей в Вюрцбургской резиденции в Германии и его Апофеоз испанской монархии (1762-1766) в Королевском дворце в Мадриде.

Итальянское рококо также было известно своими великими художниками-пейзажистами, известными как «живописцы», особенно Джованни Антонио Канал, известным просто как Каналетто. Он впервые применил двухточечную линейную перспективу при создании популярных сцен каналов и зрелищ Венеции. Его работы, такие как «Венеция : Санта-Мария-делла-Салюте » (ок. 1740 г.), пользовались большим спросом у английских аристократов. В 1700-х годах для молодых английских аристократов стало обычным совершать «большие путешествия», посещая известные места Европы, чтобы изучить классические корни западной культуры. Поездки положили начало своего рода аристократическому туризму, и Венеция была известной остановкой, известной своей гедонистической карнавальной атмосферой и живописными видами. Эти молодые аристократы также часто были коллекционерами и покровителями произведений искусства, и большинство работ Каналетто было продано английской публике, а в 1746 году он переехал в Англию, чтобы быть ближе к своему художественному рынку, и прожил там почти десять лет.

Удалить рекламу

Пастельные портреты Розальбы Карриеры, как миниатюрные, так и в натуральную величину, а также ее аллегорические работы пользовались спросом во всей Европе, так как ее приглашали при королевских дворах Франции, Австрии и Польши. Она впервые применила пастель, которая раньше использовалась только для подготовительных рисунков, в качестве средства для рисования, и, связав мел в палочки, разработала более широкий диапазон мазков и подготовленных цветов. Ее портрет Людовика XV в образе дофина (1720-1721) установил новый стиль портретной живописи в стиле рококо, подчеркнув визуальную привлекательность и декоративный эффект.

В архитектуре Италия продолжала подчеркивать барокко с его прочной связью с католической церковью до 1720-х годов, когда архитектор Филиппо Юварра построил несколько северных итальянских дворцов в стиле рококо. Его шедевром был дворец Ступиниджи (1729-1731), построенный как охотничий домик короля Сардинии в Турине. В то же время интерьеры в стиле рококо стали популярными в Генуе, Сардинии, Сицилии и Венеции, где этот стиль приобрел региональные вариации, особенно в дизайне мебели. Итальянские интерьеры в стиле рококо были особенно известны своими люстрами и зеркалами из венецианского стекла, а также богатым использованием шелковой и бархатной обивки.

Немецкое рококо

Увлечение Германии рококо бурно выразилось и прежде всего в архитектурных шедеврах и дизайне интерьеров, а также в прикладном искусстве. Заметным элементом немецкого рококо было использование ярких пастельных тонов, таких как сиреневый, лимонный, розовый и синий, как видно в дизайне Франсуа де Кювилье Амалиенбурга (1734-1739), охотничьего домика для императора Священной Римской империи Карла VII в Мюнхен. Его Зеркальный зал в Амалиенбурге был описан историком искусства Хью Хонор как образец «легкой элегантности и тонкой тонкости».

Немецкие дизайнерские мотивы с использованием асимметрии и s- и c-изогнутых форм часто опирались на цветочные или органические мотивы и использовали больше деталей. Немецкие архитекторы также новаторски исследовали различные возможности дизайна помещений, вырезая стены или делая изогнутые стены, и сделали расположение новых зданий важным элементом эффекта, как это видно в Аббатстве Мельк Якоба Прандтауэра (1702-1736)

Английский рококо

Использование в Англии рококо, которое называлось «французским стилем», было более сдержанным, так как излишества стиля встречались с мрачным протестантизмом. В результате rocaille , представленный гравером-эмигрантом Юбером-Франсуа Гравело и серебряником Полем де Ламери, использовался только в качестве деталей и случайных мотивов. Примерно в 1740 году стиль рококо начал использоваться в британской мебели, особенно в проектах Томаса Чиппендейла. Его каталог Справочник джентльменов и краснодеревщиков (1754), иллюстрирующий дизайн в стиле рококо, стал популярным отраслевым стандартом.

Удалить рекламу

Рококо оказал большее влияние на британских художников, таких как Уильям Хогарт, Томас Гейнсборо и швейцарка Анжелика Кауфман. В его Анализ красоты (1753) Хогарт выступал за использование змеевидной линии, считая ее более органичной и эстетически идеальной. Гейнсборо сначала учился у Гравело, бывшего ученика Буше, чья пернатая манера письма и цветовая палитра повлияли на портретную живопись Гейнсборо в сторону текучести света и цвета. Хотя Анжелика Кауфман родилась в Швейцарии, большую часть своей жизни она провела в Риме и Лондоне. С 1766 по 1781 год она жила в Лондоне, где влиятельный сэр Джошуа Рейнольдс особенно восхищался ее портретами. Одна из двух женщин, избранных в Королевскую академию художеств в Лондоне, она сыграла значительную роль как в продвижении стиля рококо, так и, впоследствии, неоклассицизма.

Более поздние разработки — после рококо

В 1750 году мадам де Помпадур отправила своего племянника Абеля-Франсуа Пуассона де Вандьера изучать развитие итальянского искусства и археологии. Вернувшись с энтузиазмом к классическому искусству, Вандьер был назначен директором Королевских зданий, где он начал выступать за неоклассический подход. Он также стал известным искусствоведом, осудив малый стиль Буше , или «маленький стиль». Известные мыслители того времени, в том числе философ Вольтер, искусствовед Дидро, также критиковали рококо как поверхностное и декадентское. Эти тенденции, наряду с растущим революционным рвением во Франции, привели к тому, что к 1780 году рококо потеряло популярность.0005

Новое движение неоклассицизм, возглавляемое художником Жаком-Луи Давидом, подчеркивало героизм и нравственную добродетель. Студенты-художники Дэвида даже спели насмешливую песнь «Ванлоо, Помпадур, рококо», выделив стиль, одного из его ведущих художников и его самого известного покровителя. В результате к 1836 году оно использовалось для обозначения «старомодных», а к 1841 году — для обозначения произведений, считавшихся «безвкусно вычурными или богато украшенными». Негативные коннотации продолжались и в 20 ^-м -м веке, как видно в 19-м веке. 02 Century Dictionary description «Следовательно, rococo используется… для обозначения чего-либо слабо претенциозного и безвкусного в искусстве или литературе».

Дизайн и живопись в стиле рококо разошлись, поскольку дизайн в стиле рококо, несмотря на новые тенденции в столице, продолжал оставаться популярным во французских провинциях. В 1820-х годах при восстановленной монархии короля Луи-Филиппа возрождение стиля «Второе рококо» стало популярным и распространилось на Великобританию и Баварию. В Великобритании возрождение стало известно как викторианское рококо и продолжалось примерно до 1870 года, а также повлияло на возрождение американского рококо в Соединенных Штатах, возглавляемое Джоном Генри Белтером. Этот стиль, широко используемый в высококлассных отелях, в 2099 году получил название Le gout Ritz.0357-й век. Однако в живописи рококо потерял популярность, за исключением жанровых картин Шардена, высоко оцененных Дидро, которые продолжали оказывать влияние и позже окажут заметное влияние на Поля Сезанна, Эдуарда Мане и Винсента Ван Гога.

Эдмунд и Жюль де Гонкур заново открыли для себя крупного художника рококо Жана-Оноре Фрагонара в L’Art du XVIIIe siècle ( Eighteenth-Century Art ) (1865). Впоследствии он оказал влияние на импрессионистов, особенно на Пьера-Огюста Ренуара и Берту Моризо, а также на современных художников, таких как Йинка Шонибаре, Кент Монкман и Лиза Юскавадж.

Удалить рекламу

Вновь открытая братьями де Гонкур, комедия дель арте сюжетов Ватто оказала влияние на Пабло Пикассо, Сезанна и Анри Матисса, а также на многих поэтов, таких как Поль Верлен и Гийом Аполлинер, композитора Арнольда Шёнберга, и хореограф Джордж Баланчин.

Термин рококо и художники, связанные с ним, начали подвергаться критическому пересмотру только в конце 20 ^-го -го века, когда движения поп-арта и работы таких художников, как Дэмиен Херст, Кехинде Уайли и Джефф Кунс, создали новый контекст для искусства, выражающий те же витиеватые, стилистические и причудливые обработки. Рококо имел современное влияние, как видно из 9 Ай Вэйвэя.0010 Logos 2017 , где, как писал искусствовед Роджер Кэтлин: «То, что выглядит как причудливый дизайн обоев в стиле рококо в черно-белом и золотом цветах, на самом деле представляет собой набор наручников, цепей, камер наблюдения, птиц Twitter и стилизованных альпак. животное, которое в Китае стало мемом против цензуры». Это движение также живет в популярной культуре, о чем свидетельствует хит Arcade Fire «Rococo» (2010).

Полезные ресурсы о рококо

видео

книги

websites

articles

videos

• 72k views

Artist Specific Videos

• 3k views

• 15k views

Lectures/Talks

• 22k views

• 3 тыс. просмотров

• 118 тыс. просмотров

• 43 тыс. просмотров

• 56 тыс. просмотров

• 6K Просмотры

• 27K Просмотры

• 6K Просмотры

Просмотр Подробнее видео

Веб -сайты

Статьи

РОКОКО.

декоративно-прикладное искусство, архитектура, дизайн интерьеров, скульптура и живопись зародились в Париже начала 18 в. Это буйное и элегантное движение распространилось по Франции и другим европейским странам, таким как Австрия и Германия. Стиль рококо роскошен, экстравагантен и беззаботен.

СОДЕРЖАНИЕ

• 1 Краткое введение в стиль Rococo
  • 1.1 Происхождение термина Rococo
• 2 История стиля Rococo
  • 2.1 French Rococo
  • 2,2 ROCO
  • 99 29000 9000 9000
  • 2.1. Немецкое рококо
  • 2.4 Британское рококо
• 3 Искусство и дизайн эпохи рококо
  • 3.1 Дизайн интерьера в стиле рококо
  • 3.2 Мебель в стиле рококо
  • 3.3 Архитектура в стиле рококо: барокко9 против.0012
  • 3,4 Рококо. -1770)
  • 5.2 Жан-Оноре Фрагонар (1732-1806)
  • 5.3 Жан-Антуан Ватто (1684-1721)
  • 5.4 Элизабет Луиза Виже ле Брюн (1755-1842)

  96-1770)

  • 5,6 Канал Джовани Антонио (1697-1768)
  • 5,7 Томас Гейнсборо (1727-1788)

Определение.

Введение в стиль Rococo

. если когда-либо существовал аристократический стиль французского искусства, то это рококо. Узоры в стиле рококо были невероятно театральными и декоративными, призванными произвести впечатление и сообщить о богатстве. Стиль рококо, отличающийся легкостью, изогнутыми формами, асимметричными значениями, природными мотивами и игривыми темами, поистине уникален.

Стиль эпохи рококо отличается причудливостью. По сравнению с предшествовавшим ему стилем барокко стиль рококо имел гораздо более светлую цветовую палитру. Легкость и элегантность пронизывают дизайн рококо с пастельными тонами, большим количеством золота и белым цветом слоновой кости. Многие дизайнеры интерьеров в стиле рококо использовали зеркала для создания ощущения легкости и простора.

Изогнутые формы были отличительной чертой дизайна рококо, с закрученными завитками и изогнутой мебелью. Контркривые и неровности отражали естественные формы, такие как растения и морские раковины. Изогнутые узоры включали змеевидные линии или извилистые линии, изгибавшиеся в разных направлениях, как лозы растений.

Одной из отличительных черт периода рококо является отсутствие точного баланса в орнаментальных элементах. Асимметрия есть как в отделке, так и в предмете мебели или архитектуры в целом. Мебель и архитектурные конструкции часто включали асимметричные завитки С-образной формы. Асимметричные значения также включали изображение ракушек и других форм, вдохновленных природой. Предметы мебели в стиле рококо, такие как шкафы и кушетки, часто имели несбалансированные декоративные элементы. Несмотря на отсутствие баланса в декоре, общее ощущение баланса сохраняется.

Особенно заметный декоративный мотив, используемый в живописи, скульптуре и дизайне интерьера в стиле рококо, вдохновлен природой. Многие из изогнутых форм были основаны на органических формах, таких как волны, морские раковины и другие мотивы морской тематики. Также были распространены мотивы листьев, с завитыми листьями виноградной лозы, похожими на стилизованные листья аканта. Хотя эти формы были органичными по своему вдохновению, они часто были преувеличены и позолочены.

Игривый и беззаботный сюжет – отличительная черта живописи и скульптуры в стиле рококо. Часто картины в стиле рококо были основаны на темах любви, игривости и природы. Классические мифы также были популярны среди художников рококо. Популярные темы рококо — еще один пример того, как дизайн рококо отвергает традиции стиля барокко.

Три орнаментальных мотива в стиле рококо, 1889 г.; Jules Lachaise, CC0, через Wikimedia Commons 

 

Происхождение термина рококо

Определение рококо впервые было использовано в юмористическом ключе как вариация французского слова rocaille, метод украшения гротов и фонтанов ракушками, галькой , и цемент. К концу 17 века люди стали использовать этот термин для описания декоративного мотива, возникшего в стиле позднего Людовика XIV. Этот орнаментальный мотив представлял собой морскую ракушку, переплетенную с листьями аканта.

Впервые термин rocaille был использован для обозначения определенного стиля в 1736 году ювелиром и дизайнером Жаном Мондоном. Мондон опубликовал каталог дизайнов мебели и других декоративных украшений в стиле рокайль. В этих конструкциях для мебели, декоративных дверных проемов и стеновых панелей использовались изогнутые раковины в сочетании с извилистыми лозами или пальмовыми листьями.

В 1825 году, почти столетие спустя, впервые был напечатан термин рококо. В этом контексте термин рококо описывал старомодный стиль прошлого века. Термин использовался на протяжении 19го века для описания архитектуры, музыки, скульптуры и дизайна, которые были чрезмерно декоративными. С тех пор искусствоведы приняли термин рококо как стиль европейского искусства 18-го века.

Несмотря на споры об историческом значении стиля рококо, он признан отдельным стилем европейского дизайна.

 

 

История стиля рококо

Стиль рококо начался с дизайна интерьера и мебели. Как реакция на строгую жесткость эпохи барокко, дизайн рококо был чрезмерно орнаментальным. Иногда историки искусства называют период рококо поздним барокко, который начался во Франции как реакция на формальный стиль Людовика XIV. Когда правление Людовика XIV закончилось, аристократы и богатые вернулись в Париж. Там они стали украшать свои дома в стиле рококо. Дизайнеры интерьеров, граверы и художники, в том числе Жюст-Орель Мейссонье, Николя Пино, Пьер Ле Потр и Жан Берен, разработали более интимный стиль украшения дворянских домов.

 

Французское рококо

Рококо процветало во Франции между 1723 и 1759 годами. Дизайн французского рококо был наиболее заметен в салонах. Салон представлял собой комнату нового стиля, которая была разработана, чтобы развлекать и впечатлять гостей. В парижском отеле Hotel de Soubise салон Princess является прекрасным примером салонов в стиле рококо.

Интерьер салона de la princesse в Hôtel de Soubise, Париж; NonOmnisMoriar, CC BY-SA 3. 0, через Викисклад

Исключительное мастерство было определяющим фактором французского стиля рококо, особенно в рамах картин и зеркал. В этих рисунках часто использовались переплетенные формы растений, вылепленные из гипса и позолоченные. Эти извилистые изгибы и дизайн, вдохновленный природой, также были популярны в дизайне мебели. Ведущие французские мебельщики, такие как Шарль Крессент и Мессонье, были сторонниками стиля рококо.

Стиль рококо доминировал во французском искусстве и дизайне до середины 18 века, когда открытия римских древностей привели французскую архитектуру к неоклассическому стилю.

 

Итальянское рококо

Стиль рококо был особенно популярен в Италии. Венеция была эпицентром итальянского рококо. Итальянские конструкции в стиле рококо, такие как венецианские комоды, использовали те же декоративные украшения и изогнутые линии, что и французский рокайль , но с небольшими дополнениями. Многие венецианские произведения были расписаны цветами, пейзажами или сценами известных художников. Шинуазри, или европейское подражание китайским и другим восточноазиатским художественным традициям, также было популярно в итальянском рококо.

Джованни Баттиста Тьеполо был известным художником-декоратором периода итальянского рококо. Тьеполо расписывал потолки и фрески палаццо и церквей. В 1750-х годах Тьеполо вместе со своим сыном отправился в Германию, и они украсили потолки Вюрцбургской резиденции. Еще одним известным итальянским художником в стиле рококо был Джованни Баттиста Крозато. Кросато наиболее известен своей квадратурной росписью потолка бального зала Ca Rezzonico.

Потолочная фреска Тьеполо в Вюрцбургской резиденции; Myriam Thyes, CC BY-SA 4.0, через Wikimedia Commons 

Венецианская стеклянная посуда была важной частью итальянского периода рококо. Именно в это время процветало цветное и часто гравированное муранское стекло. Изделия из стекла, такие как зеркала с богато украшенными рамами и разноцветные люстры, экспортировались по всей Европе.

 

Южногерманское рококо

Именно в Южной Германии и Австрии стиль рококо достиг своего расцвета. Опубликованные работы французских архитекторов и дизайнеров представили стиль рококо Германии, и он продолжал доминировать в немецком искусстве и дизайне между 1730-ми и 1770-ми годами. В то время как немецкие дизайнеры и архитекторы черпали вдохновение во французских архитекторах, таких как Жермен Боффран, и дизайнерах интерьеров, таких как Жиль-Мари Оппенордт, немецкая архитектура и дизайн в стиле рококо поднялись на новую высоту.

Архитектурный стиль рококо был перенят немецкими архитекторами, которые нагрузили его еще более богатой отделкой и сделали его гораздо более асимметричным. Декоративный стиль рококо до сих пор доминирует в немецких церквях. Архитекторы создавали кривые и встречные кривые из лепного украшения, создавая узоры, которые изгибались и поворачивались, а стены и потолки не имели прямых углов. Особенно популярным мотивом была лепнина, которая, казалось, ползла по стенам и потолку. Это богато украшенное украшение часто было посеребренным или позолоченным, создавая потрясающий контраст с бледно-пастельными или белыми стенами.

Первым зданием в стиле рококо был павильон Амалиенбург в Мюнхене. Дизайнер и архитектор бельгийского происхождения Франсуа де Кювильес отвечал за проектирование этого здания и черпал вдохновение во французских павильонах Марли и Трианон. Павильон Амалиенбург изначально был построен как охотничий домик и имел платформу на крыше для охоты на фазанов. В интерьере был Зеркальный зал, созданный Иоганном Батистом Циммерманном. Экстравагантность этого здания была далеко за пределами архитектуры французского рококо.

Павильон Амалиенбург в Мюнхене, вид с востока; Цифровой кот, CC BY-SA 4.0, через Wikimedia Commons 

Еще одним исключительным примером немецкой архитектуры рококо является Вюрцбургская резиденция. Этот впечатляющий дворец имел более барочный внешний вид, но интерьер отражал легкий стиль рококо. Резиденция была спроектирована в консультации с французскими художниками Робером де Коттом и Жерменом Боффраном, а также Тьеполо, итальянским художником в стиле рококо, который создал фреску над трехуровневой лестницей. Лестница была центральным элементом этой резиденции, как и лестница во дворце Августусбург. Во дворце парадная лестница поднимала посетителей вверх через видение скульптуры, картин, украшений и изделий из железа.

Хотя стиль рококо с самого начала был светским стилем, в немецкий период было много церквей в стиле рококо. На протяжении 1740-х и 1750-х годов архитекторы в стиле рококо спроектировали несколько паломнических церквей по всей Баварии. Интерьеры этих церквей имеют ярко выраженный стиль рококо. Яркими примерами являются Верскирхе Доминикуса Циммермана, которая имела простой внешний вид с небольшим количеством украшений и простых цветов. Однако при входе в церковь вас встречает деамбулаторий овальной формы, который заливает церковь светом. Синие и розовые лепные колонны хора контрастируют с белыми стенами, а гипсовые ангелы окружают купольный потолок.

 

Британское рококо

Хотя влияние рококо не ощущалось в Великобритании так сильно, как в других странах Европы, британские шелка, фарфор и изделия из серебра действительно черпали вдохновение в стиле рококо. Теоретическая основа красоты рококо была частично заложена Уильямом Хогартом, который утверждал, что S-образные изгибы и волнообразные линии рококо являются основой красоты и изящества в природе и искусстве.

Стиль рококо не сразу пришел в Англию. Британская мебель долгое время следовала неоклассической модели Палладио под руководством дизайнера Уильяма Кента. Кент был влиятельной фигурой, проектировавшей мебель для лорда Берлингтона. Именно с лордом Берлингтоном Кент путешествовал по Италии между 1712 и 1720 годами. Кент привез идеи и модели Палладио и спроектировал мебель для Чизвик-хауса, дворца Хэмптон-Корт и Холкхэм-холла среди других.

Появление красного дерева в Англии около 1720 года было самым значительным событием в стиле рококо того времени. Наряду с ореховым деревом для изготовления мебели стало популярным красное дерево. Наиболее близок к стилю рококо был дизайнер мебели Томас Чиппендейл. Каталог дизайнов мебели в стиле шинуазри, рококо и готики под названием Справочник джентльменов и краснодеревщиков, , был опубликован Чиппендейлом в 1754 году. Хотя мебель Чиппендейла, безусловно, была вдохновлена ​​рококо, он не использовал инкрустации или маркетри в своей мебели. в отличие от французских дизайнеров.

Томас Джонсон был еще одной важной фигурой в британской мебели в стиле рококо. В 1761 году Джонсон опубликовал свой собственный каталог мебели в стиле рококо, в том числе мебель, основанную на индийских и китайских мотивах.

 

 

Искусство и дизайн эпохи рококо

Как вы видели, в Европе существовало множество вариантов дизайна. В то время как Южная Германия влюбилась в архитектуру рококо, англичане предпочитали мебель в стиле рококо. Будь то живопись, скульптура, мебель или архитектурный дизайн, мы можем увидеть особый стиль рококо.

 

Дизайн интерьера в стиле рококо

Дизайн интерьера был изюминкой периода рококо. Хотя стиль рококо стал доминировать в живописи, скульптуре и даже музыке, он начинался как стиль дизайна интерьера. В то время как в архитектуре обычно основное внимание уделяется внешнему дизайну, дизайнеры в стиле рококо привнесли его внутрь. Вершина дизайна интерьера в стиле рококо заключена в салоне.

Париж, Hôtel de Soubise, Музыкальная палата; Parsifall, CC BY-SA 3.0, через Викисклад

 

Что такое салон рококо?

Салон, очень похожий на салон или гостиную, предназначен для развлечения и впечатления гостей. Первоначально предназначенный для богатой аристократии, салон был местом, где они могли похвастаться своим невероятным богатством и вести интеллектуальные беседы. В то время философия Просвещения считала, что внешняя архитектурная среда поощряет определенный образ жизни.

Салоны в стиле рококо представляли собой центральные помещения, оформленные в типично экстравагантном и роскошном стиле рококо.

Салоны отличались типичными изысканными украшениями в стиле рококо, серпантинными линиями, светлыми пастельными тонами, замысловатыми узорами, асимметрией и большим количеством золота. Планировка салонов часто была асимметричной, этот тип дизайна известен как контраст . Украшением интерьера были скульптурные формы на стенах и потолках с абстрактными, лиственными и ракушечными фактурами.

Salon de Monsieur le Prince — особенно известный пример. Еще одним ярким примером салона в стиле рококо является салон Жермена Боффрана в парижском отеле Soubise. Во всех этих салонах есть потолки, стены и лепнина с замысловатыми украшениями в виде S-образных изгибов, естественных форм и форм раковин.

 

Мебель в стиле рококо

Салон был способом отразить социальный статус, а мебель в салоне — другим. В период рококо произошел взрыв в производстве мебели. Дизайн мебели подчеркивал легкость эпохи рококо. Предметы мебели были сделаны физически легче, чтобы их можно было легко перемещать. Мебель также стала более нежной и изысканной, с тонкими изогнутыми ножками стола.

Мебель в стиле рококо стояла отдельно, а не прислонялась к стене. Эта особенность также помогла добавить легкости и универсальности комнате, желаемой аристократией.

Красное дерево стало популярной древесиной для изготовления мебели в стиле рококо, потому что оно было прочным. Прочность красного дерева означала, что мебельщики могли изготавливать изящную мебель, которая не ломалась. В период рококо появилось много специализированной мебели, в том числе стул voyeuse . Зеркала с резными и украшенными рамами также становились все более популярными в эпоху рококо. Дизайнеры интерьера использовали зеркала, чтобы усилить ощущение света и простора в комнате.

Маленькие кресла из ломбардской мастерской, ок. 1750 г., из бального зала дворца Сормани; Sailko, CC BY 3.0, через Wikimedia Commons 

 

 

Архитектура рококо: барокко против рококо

Архитектура рококо XVIII века была более изящной, легкой и более сложной, чем стили барокко. Хотя архитектура рококо в чем-то была похожа на барокко, в других она существенно отличалась.

 

Архитектурный стиль барокко и рококо

Как и в случае с дизайном интерьера и мебелью, в архитектуре рококо подчеркивалась асимметрия дизайна и форм, в то время как в стиле барокко все было наоборот. Архитектура барокко была в целом более серьезной, с использованием религиозных тем протестантской реформации, в то время как архитектура рококо была более беззаботной, шутливой и светской. В то время как здание в стиле барокко были спроектированы для большого общественного величия, архитектура рококо подчеркивала конфиденциальность.

Изгибы и декоративные элементы в стиле рококо, которые мы видим в мебели и внутренней отделке, также перенесены в архитектурный дизайн. Фирменная цветовая палитра рококо, состоящая из золота, белого и пастельных тонов, также была важной чертой архитектуры рококо.

Некоторые известные здания в стиле рококо включают Национальный дворец Португалии Келуш, Екатерининский дворец в России, Китайский дом в Потсдаме, дворцы Фалькенлуст и Аугустусбург, части Версальского замка и дворец Шарлоттенбург в Германии. Итальянский архитектор Франческо Бартоломео Растрелли известен своими роскошными и роскошными проектами и работал в России. Филип де Ланге работал как в голландской, так и в датской архитектуре, а Маттеус Даниэль Поппельманн был архитектором позднего барокко, который помогал в реконструкции немецкого города Дрезден.

Фасад Екатерининского дворца в Пушкине, Россия; W. Bulach, CC BY-SA 4.0, через Wikimedia Commons

Живопись в стиле рококо

Тонкий и беззаботный характер дизайна в стиле рококо, пожалуй, наиболее заметен в картинах той эпохи. Используя светлую палитру рококо пастели, золота и белого цвета, а также другие элементы дизайна рококо, такие как асимметричные кривые и змеевидные линии, живопись рококо легко различима. Невероятное внимание к деталям, игривые темы и пастельная цветовая палитра являются важными чертами живописи в стиле рококо.

 

Безупречное внимание к деталям

Картины в стиле рококо, вдохновленные художниками эпохи Возрождения, отличаются невероятным вниманием к деталям. Французский художник Франсуа Буше особенно известен своим подходом к живописи, ориентированным на детали. Буше удается запечатлеть мельчайшие тонкости богато украшенных костюмов и создать прекрасно детализированные сцены.

 

Игровые сюжеты

Возможно, темы картин в стиле рококо лучше всего отражают веселую атмосферу этого периода искусства. Темы юности, любви, игры, классических мифов, идиллических пейзажей и портретов типичны для живописи рококо. Французскому художнику Антуану Ватто приписывают популяризацию игривой темы рококо. Ватто известен как отец fete galante Жанр фестивалей живописи, вечеринок в саду и других мероприятий на открытом воздухе. Ватто писал сцены пасторальных пейзажей и общения причудливых людей. Часто изображались греческие богини, амуры и другие мифологические существа, которые в игровой форме смешивали реальность с фантазией.

La Partie carrée («Четверка», ок. 1713 г.) Антуана Ватто; Антуан Ватто, общественное достояние, через Викисклад

 

Цветовая палитра рококо

Цветовая палитра картин эпохи рококо существенно отличается от палитр раннего барокко. Художники эпохи барокко использовали глубокие и эмоциональные цвета, в то время как художники рококо, такие как Жан-Оноре Фрагонар, создавали беззаботные сцены в светлых пастельных тонах. Качели Фрагонара — одна из самых известных картин периода рококо. Светло-зеленые завитки листвы окружают женщину в светло-розовом платье, кокетливо сбрасывая с туфельки на качелях.

Качели (1767) Жана-Оноре Фрагонара; Жан-Оноре Фрагонар, общественное достояние, через Викисклад

 

Скульптура в стиле рококо

Скульптура периода рококо была динамичной, театральной и красочной. Ощущение движения во всех направлениях пронизывает эти скульптуры. Скульптуры были тесно связаны с архитектурой и живописью, и их часто можно было найти внутри церквей.

Скульптура раннего французского рококо намного легче классического стиля Людовика XIV. Мадам де Помпадур покровительствовала скульптуре в стиле рококо и заказала несколько работ для своих садов и замков. Скульптура купидона, вырезающего любовные дротики из булавы Геркулеса, — известная скульптура в стиле рококо работы Эдма Бушардона. Вы можете найти другие образцы скульптуры в стиле рококо вокруг фонтанов Версаля, такие как Фонтан Нептуна работы Николя-Себастьяна Адама и Ламберта-Сигисберта Адама, созданный в 1740 году. После их успеха Фридрих Великий пригласил этих скульпторов для создания скульптуры фонтана для своего дворца в 1740 году. Пруссия.

Купидон (1744) Эдма Бушардона; Национальная художественная галерея, CC0, через Wikimedia Commons 

Ведущий французский скульптор Этьен-Морис Фальконе наиболее известен своей статуей Петра Великого в Санкт-Петербурге. Он также создавал небольшие работы из терракоты или бронзы для богатых коллекционеров. Фальконе был не единственным скульптором, производившим небольшие серии скульптур для коллекционеров. Жан-Батист Пигаль, Мишель Клодион, Жан-Луи Лемуан и Луи-Симон Буазо создали серию скульптур.

Итальянец Антонио Коррадини был одним из ведущих скульпторов в стиле рококо в Венеции. Он путешествовал по Европе, некоторое время работал в Санкт-Петербурге на Петра Великого, а также при австрийских и напальских императорских дворах. Скульптуры Коррадини вызывают у них более сентиментальное чувство, и он создал ряд изящных скульптур женщин под вуалью.

 

Фарфор в стиле рококо

В эпоху рококо начали появляться небольшие фарфоровые скульптуры. Первоначально созданные для замены сахарных скульптур на больших обеденных столах, фарфоровые фигурки вскоре стали популярными в качестве украшений для каминов. По мере роста числа европейских фарфоровых фабрик на протяжении 18 века небольшие фарфоровые скульптуры стали доступны людям среднего класса. С течением века количество надглазурных украшений на этих красочных фарфоровых скульптурах также увеличивалось.

Фарфоровая фабрика в Мейсене является старейшей в Европе и оставалась самой важной примерно до 1760 года. Иоганн Иоахим Кандлер был главным модельером на фабрике в Мейсене. Франц Антон Бустелли, немецкий скульптор, работал на Нимфенбургской фарфоровой мануфактуре и был известен своими красочными фигурками, которые продавались по всей Европе. Следуя его примеру, Этьен-Морис Фальконе стал директором Севрского фарфорового завода. Здесь он серийно создавал различные мелкомасштабные скульптуры на темы беззаботности и любви.

Слушатели у колодца (1756 г. ) Франца Антона Бустелли; Rufus46, CC BY-SA 3.0, через Викисклад

 

Музыка рококо

Хотя музыка рококо не так хорошо известна, как поздние классические и ранние формы барокко, она занимает место в истории музыки. Музыкальный стиль рококо, как и большая часть движения рококо, развился из эпохи барокко. Во Франции галантный стиль , или элегантный стиль музыки, был интимной музыкой, легкой, утонченной и сложной. Влиятельные французские композиторы рококо включают Луи-Клода Дакена, Жана Филиппа Рамо и Франсуа Куперена. В Германии два сына Иоганна Себастьяна Баха, Иоганн Кристиан Бах и Карл Филип Эмануэль Бах стали пионерами музыки рококо или «чувствительного стиля».

Во второй половине 18 века наблюдается негативная реакция на чрезмерное использование украшений и орнаментов в стиле рококо. Кристоф Виллибальд Глюк возглавил это реакционное движение, которое в конечном итоге стало классическим стилем. Вариации на тему рококо Петра Ильича Чайковского сочинены в стиле рококо, хотя написаны не в эпоху рококо.

 

Мода в стиле рококо

Экстравагантность, утонченность, орнамент и элегантность стиля рококо не были утрачены и в моде рококо. Женская мода в 18 веке была сложной и богато украшенной в истинном стиле рококо. Начавшись в Королевском дворе, эта мода вскоре распространилась на кафе и салоны буржуазии.

К концу правления Людовика XIV струящееся платье, известное как robe volante , стало популярным. Лиф, округлая нижняя юбка и крупные складки, ниспадающие на спину, были отличительными чертами этого платья. Темная и богатая цветовая палитра тканей сочеталась с тяжелыми и смелыми элементами дизайна. После смерти короля Людовика XIV стили моды начали меняться с тенденциями рококо.

Мода в стиле рококо была более легкомысленной, гораздо более легкой и более откровенной. Палитра пастельных тонов , обилие бантов, кружев, оборок, оборок и глубокое декольте характеризовало женскую моду в стиле рококо. Новое платье, известное как robe a la Francaise , имело узкий лиф и обычно большое количество бантов из лент спереди. Это платье имело широкие корзины и было богато украшено цветами, кружевами и лентами. Жан-Антуан Ватто, художник, изображающий замысловатые детали стежков, кружев и других украшений на богато украшенных платьях, стал источником вдохновения для 9.0549 Складки Ватто .

Женский халат à la français e, Англия, около 1765 г. Шелковый атлас с утком и шелковой тесьмой; Музей искусств округа Лос-Анджелес, общественное достояние, через Wikimedia Commons Это были широкие обручи, которые удлиняли бедра в стороны, надевались под платье. Эти предметы вскоре стали неотъемлемой частью моды в стиле рококо. Культовый образ эпохи рококо — платье с расширенными бедрами и чрезмерным количеством украшений. Для особых случаев требовались очень широкие корзины, некоторые из которых достигали 16 футов в диаметре. Обручи меньшего размера предназначались для повседневной носки.

Этот стиль одежды возник в Испании 17 века и изначально предназначался для того, чтобы скрыть беременный живот.

Золотой век моды в стиле рококо наступил примерно в 1745 году, когда во Франции стала популярной более восточная и экзотическая культура, известная как a la turque . Мадам де Помпадур сыграла неотъемлемую роль в продвижении этого стиля, когда заказала Шарлю Андре Ван Лоо картину с изображением себя в образе турецкой султанши. В 1760-х годах появился менее формальный стиль моды. В полонезе, более коротком платье, вдохновленном польской модой, были видны лодыжки и нижняя юбка. Платье полонез также позволяло женщинам передвигаться со значительно большей легкостью.

Robe a l’anglais , или английское платье, был еще одним популярным стилем во второй половине 18-го века. Это платье включало в себя более мужские модные элементы, такие как длинные рукава, широкие лацканы и короткий жакет. Пышная юбка с небольшим шлейфом, но без корзин, облегающий лиф и небольшая кружевная косынка на шее завершали ансамбль. Редингот, сочетание пальто и накидки, был еще одним новым элементом моды в стиле рококо.

В дополнение к множеству различных предметов одежды, аксессуары были неотъемлемой частью моды рококо в 18 веке. Аксессуары, такие как ожерелья и украшения, добавляли роскоши и декадентского декора платьям. Женщины в коротких рукавах были обязаны носить перчатки на официальных церемониях.

 

 

Постепенный упадок стиля рококо

Вскоре упор рококо на галантность и декоративную мифологию вызвал реакцию. Французская академия начала преподавать более классический стиль искусства и де Трой, выдающийся художник-классик, стал директором академии в 1738 году. Хотя период рококо был в упадке во Франции, он продолжал процветать в Австрии и Германии.

Мадам де Помпадур была видной и влиятельной фигурой на протяжении 18-го века, продвигая искусство и моду в стиле рококо и способствуя его упадку. В 1750 году мадам де Помпадур отправила своего брата и нескольких художников, в том числе архитектора Суффло и гравера Шарля-Николя Кочина, в двухлетнюю поездку для изучения итальянских археологических и художественных разработок. Эта группа вернулась, увлеченная классицизмом, и Абель-Франсиус Пуассон де Вандьер, брат мадам де Помпадур, стал маркизом.

Маркиза де Помпадур в жардиньере (ок. 1754–1755) Шарля-Андре ван Лоо; Шарль-Андре ван Лоо, общественное достояние, через Wikimedia Commons Кочин, влиятельный художественный критик, осудил стиль Буше, который он назвал petit style. Скорее, Кочин призвал к более величественному стилю живописи и архитектуры, подчеркивающему благородство и классическую древность.

Жак-Франсуа Блондель и Вольтер присоединились к громкой критике поверхностного характера искусства рококо. 1760-е годы ознаменовали начало конца стиля рококо, поскольку художники начали призывать к искусству с целью и ценностью. Рококо официально скончался к 1785 году и был заменен неоклассицизмом.

Насмешки над рококо как поверхностным и легкомысленным распространились в Германии к концу 18 века. Хотя рококо и удалось сохранить популярность в Италии и некоторых землях Германии, оно было полностью стерто с лица земли к 9 в. 0549 Ампир Вторая волна Неоклассицизм .

 

 

Известные художники рококо

В эпоху рококо появилось так много художников, архитекторов и скульпторов. Из многих есть несколько, которые произвели неизгладимое впечатление на мир декоративного искусства, в том числе Франсуа Буше, Элизабет Луиза Виже ле Брун и Джованни Баттиста Тьеполо.

 

Франсуа Буше (1703-1770)

Из всех выдающихся художников рококо Буше, безусловно, заслуживает места в этом списке. Известен своими изображениями древнеримская и греческая мифология, картины Буше сформировали направление стиля рококо. Будучи молодым студентом-искусствоведом, Буше учился в период позднего барокко и путешествовал по Италии. Он также изучал голландский пейзажный стиль.

Буше в свое время стал очень известен среди французских художников. Сладострастная манера, в которой Буше изображал фигуры на своих картинах, принесла ему значительную известность. На многих картинах Буше изображены пастухи и различные формы домашнего скота в пасторальных сценах. Из его произведений Триумф Венеры (1740) считается его самым известным, но он тесно конкурирует с Завтрак (1739) и Пожиратели винограда (1749).

«Триумф Венеры» (1740 г.) Франсуа Буше; Франсуа Буше, общественное достояние, через Викисклад

 

Жан-Оноре Фрагонар (1732–1806)

Французский гравер и художник в стиле рококо Жан-Оноре Фрагонар — один из самых известных художников периода рококо. Хотя он жил в конце 18 века, когда рококо начал приходить в упадок, он создавал гедонистические картины. При жизни Фрагонар также написал несколько работ для королевской семьи, в том числе Встреча (1771).

Фрагонар познакомился с Буше, когда ему было всего 18 лет, и хотя Буше отказался работать с Фрагонаром из-за отсутствия у него опыта, он отправил его учиться к Жану-Батисту-Симеону Шардену. Несмотря на отсутствие у него раннего опыта, Фрагонар стал одним из самых плодовитых художников в истории французского искусства. Особенно известная картина Фрагонара — «Украденный поцелуй » (1788 г.).

Украденный поцелуй (конец 1780-х) Жана-Оноре Фрагонара; Жан-Оноре Фрагонар, общественное достояние, через Wikimedia Commons

 

Жан-Антуан Ватто (1684-1721)

Хотя он умер до Золотого века рококо, Жан-Антуан Ватто был одной из самых влиятельных фигур в Движение. Именно Ватто приписывают новаторство в стиле рококо, которого он достиг, объединив свое собственное художественное чутье с элементами таких мастеров, как Питер Пауль Рубенс и Тициан.

Стиль Ватто был особенно красочным, с яркими оттенками и большой глубиной. Многие работы Ватто типичны для стиля рококо своим театральным видом. Ватто также прославился своей невероятной способностью улавливать мельчайшие и сложные детали, особенно в богато украшенных предметах одежды. Пожалуй, самая известная картина Ватто — «9».0549 Паломничество на остров Кифера, , которое он завершил в 1717 году. Другие известные работы включают Пьеро (1719) и Посадка на Китеру (1717).

Паломничество на Китеру , так называемое Посадка на Киферу (1717) Антуана Ватто; Антуан Ватто, общественное достояние, с Wikimedia Commons0462 во французской истории, Ле Брюн больше всего известна своими роскошными портретами. Когда Ле Брун развила свои художественные способности, ей не разрешили посещать ни одну из формальных художественных школ или академий. К счастью, ее отец был художником и научил ее рисовать.

Всего в 15 лет Ле Брюн начал работать профессиональным художником. Несмотря на сексизм того времени и многих, кто избегал ее работы, Ле Брюн была помещена в Королевскую академию в 28 лет королем Людовиком XVI и 9 лет.0461 Мария Антуанетта . Ле Брун написала одни из самых известных картин в истории Франции, самой известной из которых была картина «Мария-Антуанетта в придворном платье» (1778).

Мария-Антуанетта в придворном платье (1778) Элизабет Луизы Виже-Лебрен; Художественно-исторический музей, общественное достояние, через Викисклад

 

Джованни Баттиста Тьеполо (1696-1770)

Знаменитый венецианский художник Тьеполо известен своими очень декоративными и чрезмерно сложными картинами, часто изображающими королевские фигуры. У Тьеполо был уникальный стиль в период рококо, он учился у нескольких художников под влиянием 9-го века.0461 Высокое Возрождение . В результате его образования стиль Тьеполо представлял собой сочетание рококо и ренессанса.

Из его многочисленных работ Бракосочетание императора Фридриха и Беатриче Бургундской (1752), вероятно, является его самым известным. Это невероятно значимое историческое событие изображено в типичном для рококо стиле. Богато украшенный зал с арками, развевающимися занавесками и элегантно одетыми фигурами украшает полотно этой знаменитой картины.

Бракосочетание Фридриха Барбароссы и Беатриче Бургундской (1727-1804) Джованни Доменико Тьеполо; Джованни Доменико Тьеполо, общественное достояние, через Wikimedia Commons 

 

Джовани Антонио Канал (1697-1768)

Более известный как Каналетто, Джовани Антонио Канал был одной из самых известных фигур рококо 18-го века. Художник итальянского происхождения рано подал художественные надежды и стал одним из самых известных художников как в рококо, так и в венецианской школе.

Каналетто много путешествовал по Европе в течение своей жизни и был хорошо известен своими невероятно реалистичными городскими пейзажами. Среди самых известных картин его юности Вход в Большой канал, Венеция (1730) и Двор каменщиков (1725). Каналетто завершил обе эти картины, когда во Франции начало расти движение рококо. Именно благодаря действиям Каналетто рококо распространилось в Италию.

Каналетто Вход в Большой канал , c. 1730 г.; Canaletto, общественное достояние, через Wikimedia Commons 

 

Томас Гейнсборо (1727-1788)

Выдающийся британский художник в стиле рококо, Гейнсборо наиболее известен своими портретами со сложной детализацией и элегантными пейзажами. Гейнсборо был одним из самых выдающихся членов Академии Сент-Мартинс-Лейн, основанной Юбером Франсуа Гравело после того, как рококо пересекло Ла-Манш из Франции.

Известный как один из самых известных британских художников 18-го века, картины Гейнсборо в стиле рококо являются одними из самых знаменитых. Хотя многие из самых любимых картин Гейнсборо — это пейзажи, его самая известная картина в стиле рококо — это «Голубой мальчик» , которую он написал в 1770 году.  Томас Гейнсборо, общественное достояние, через Wikimedia Commons

 

Полный роскоши, золота и экстравагантности стиль рококо 18 века узнаваем сразу. Хотя это движение просуществовало недолго, оно, безусловно, произвело впечатление, и многие художники этого периода остаются важными историческими фигурами.

 

Взгляните на нашу веб-историю об искусстве рококо здесь!

 

Архитектура в стиле барокко и рококо | Разница между барокко и рококо — видео и расшифровка урока

Гуманитарные курсы / Учебное пособие по типам архитектуры Курс / Архитектура рококо Глава

Саманта Меннинг, Стефани Пшибилек, Саша Блейкли

• Автор Саманта Меннинг

  Саманта имеет степень магистра истории искусств с упором на музейное дело Денверского университета. Она имеет семилетний опыт работы в качестве академического преподавателя, специализирующегося на истории искусства и писательстве. Она также получила сертификат TEFL и получила аккредитацию уровня II в Ассоциации чтения и обучения колледжей.

  Посмотреть биографию
• Инструктор Стефани Пшибилек

  Стефани вела уроки студийного искусства и истории искусств для аудитории всех возрастов. Имеет степень магистра истории искусств.

  Посмотреть биографию
• Экспертный участник Саша Блейкли

  Саша Блейкли имеет степень бакалавра английской литературы Университета Макгилла и сертификат TEFL. Она преподает английский язык в Канаде и на Тайване уже семь лет.

  Посмотреть биографию

См. сравнение барокко и рококо. Поймите характеристики этих архитектурных стилей и изучите различия между барокко и рококо. Обновлено: 11.03.2022

Содержание

• Архитектура барокко и рококо
• Разница между барокко и рококо
• Краткое содержание урока

Показать

Архитектура барокко и рококо

Архитектура часто используется для того, чтобы вызвать благоговение у зрителя или как символ богатства и статуса. Архитектура стилей барокко и рококо не только вызывала благоговение, но и использовалась как символическое выражение престижа в Европе между 16 и 18 веками. Эти два стиля имеют много общего, но также демонстрируют и существенные различия.

Архитектура барокко

Происхождение

Хотя происхождение термина барокко немного неясно, он имеет корни как в португальском, так и в итальянском языках. На португальском barrocco — жемчужина неправильной формы; а по-итальянски barocco , что означает причудливый. Часто барокко использовалось для описания чего-то причудливого или грандиозного. Однако в 1888 году швейцарский искусствовед Генрих Вольфлин ввел термин «искусство барокко» в связи с самобытным искусством периода барокко.

Искусство барокко охватило период с 1584 по 1723 год и было тесно связано с католической церковью. Зародившись в Италии, этот период медленно возник из многочисленных художественных новшеств в конце 1500-х годов. Однако период более полно развился благодаря покровительству католической церкви в ответ на Протестантская Реформация . На протяжении 16 века протестантская Реформация захватила западное христианство в Европе и бросила вызов религиозной и политической власти католической церкви, в частности, ее папской власти, что в конечном итоге привело к уходу протестантов из церкви.

Протестанты не только отделились от католической церкви, но и выступили против использования церковью визуальных образов в религиозном богослужении. В ответ Контрреформация заявила, что католическая церковь имеет дидактическую цель, которая требует новой волны визуального представления, чтобы люди могли легко чувствовать и понимать церковные ценности и истории. У этой новой волны был ясный нарратив — восстановить католическую церковь как символ богатства, власти и статуса в Европе, но, что наиболее важно, как религиозный эпицентр западного христианства. Таким образом, церковная архитектура использовалась как метод для передачи идеалов Контрреформации, что привело к появлению монументальной и роскошной архитектуры барокко с центром в церкви. Этот стиль быстро распространился по Европе, где была сильна поддержка католической церкви; в первую очередь он распространился по остальной части Италии, в Испанию, Францию, Фландрию (современная Бельгия) и даже в Южную Америку.

Характеристики и особенности стиля

Целью архитектуры барокко было вернуть людей к католической церкви и визуально утвердить церковь как доминирующую политическую и религиозную единицу. Поэтому Барочная архитектура должна была заявить о себе. Многие идеалы архитектуры эпохи Возрождения были возрождены благодаря сильному поклону классицизму, но были воплощены в изобилии орнамента и экстравагантности.

Этот высокодекоративный стиль эпохи барокко принес новшества в технике и жизни в искусство и архитектуру. Его архитектура была глубоко эмоциональной и оставила сильные впечатления. Ниже приведен маркированный список общих характеристик и особенностей архитектуры барокко.

Характеристики

• Выступающие продолговатые изогнутые стены
• Ощущение искажения в архитектурных элементах для передачи реального или подразумеваемого движения
• Игра света и тени
• Непреодолимое чувство драмы, обычно создаваемое контрастом света и тени
• Представления бесконечности
• Повторение архитектурных элементов для создания впечатления внушительных и солидных сооружений
• Открытая демонстрация роскошных и дорогих деталей и украшений
• Яркие декоративные элементы для интерьера, подчеркивающие статус
• Ощущение размытости между архитектурными элементами, живописью и скульптурой

Характеристики

• Ниши (вогнутые части стен для скульптур)
• Портики (крытая дорожка/веранда, ведущая ко входу)
• Аркады с колоннами (ряды колонн с крышей)
• Группы отдельно стоящих колонн
• Группы пилястр (не отдельно стоящие, квадратные колонны)
• Обработка поверхности позолотой (тонкие слои золота)
• Купола

Borromini San Carlo alle Quattro Fontane демонстрирует свое превосходство над зрителем с помощью традиционных элементов барокко.

Архитектура эпохи барокко поистине прославила католическую церковь. Особое внимание в нем уделялось театральности, эффекту света и движению. Используемые новые техники стирали границы между архитектурой, живописью и скульптурой, которые были отличительными элементами стиля. В целом, стиль укрепил благочестие и благоговение перед католической церковью.

Архитектура рококо

Происхождение

Выросший из стиля барокко, Рококо искусство и архитектура стали очень популярным декоративным стилем в 18 веке. В отличие от термина барокко, термин рококо явно происходит от французского слова rocaille , которое использовалось для описания декоративной скалы, покрытой ракушками, на искусственных гротах. В соответствии со своей французской этимологией искусство и архитектура рококо развивались во Франции и были популярны между 1702 и 1780 годами. Во время правления Людовика XIV (годы правления 1643–1715) Франция стала сверхдержавой Европы. Его правление принесло Франции период мира и богатства, что позволило французам развить больше культурных интересов в погоне за мирскими удовольствиями, что привело непосредственно к развитию стиля рококо. В то время как архитектура стиля барокко была тесно связана с католической церковью, архитектура стиля рококо была тесно связана с французской монархией и аристократическим классом.

Сын и наследник Людовика XIV Людовик XV пришел к власти в 1723 году и был известен своим стремлением к удовольствиям. Естественно, он стал видным покровителем искусства и архитектуры рококо. Во время правления его отца Франция стала художественным и культурным центром Европы, а во время правления Людовика XV энтузиазм в отношении искусства и архитектуры рококо процветал в его дворе и среди французской аристократии. Вскоре другие крупные европейские державы с зарождающимися аристократическими классами захотели продемонстрировать, насколько они модны, и начали перенимать стиль рококо. Он приобрел большую популярность в Германии, Италии, Польше и России, но к 1780-м годам стиль рококо быстро становился менее шикарным в искусстве и архитектуре по мере развития других стилей.

Характеристики и особенности стиля

В то время как архитектура барокко в основном встречается в церквях, архитектура рококо в основном применялась во дворцах и усадебных домах. Обладая глубокими связями с французской монархией, архитектура рококо представляла собой высокую светскую моду и отошла от драмы и тяжелых эмоций стиля барокко. Вместо этого стиль рококо можно назвать беззаботным двоюродным братом барокко.

Архитектура в стиле рококо очень декоративна и использовалась для демонстрации роскоши в театральной и игровой манере. Этот стиль также повлиял на живопись, декоративно-прикладное искусство и другие направления изобразительного искусства, что привело к появлению богато украшенного архитектурного стиля рококо. С намерением произвести впечатление и продемонстрировать богатство архитектура рококо широко использовалась в салонах. Салоны были специальными помещениями, которые использовались исключительно для развлечения гостей, проведения общественных собраний и размещения представителей общества. Ниже приведен маркированный список общих характеристик и особенностей архитектуры рококо.

Характеристики

Вы когда-нибудь стояли перед церковью и восхищались ее монументальной архитектурой? Или вы стояли в ярко оформленной комнате и чувствовали себя легко и празднично? Такие реакции не случайны.

Многие культуры используют архитектуру для демонстрации власти, подчеркивания статуса или выражения богатства и престижа. Архитектура барокко и рококо была стилями, которые развивались в Европе между 16 и 18 веками. Они оба говорили о культурных влияниях, но по-разному. Давайте рассмотрим сходства и различия между ними.

Произошла ошибка при загрузке этого видео.

Попробуйте обновить страницу или обратитесь в службу поддержки.

Вы должны создать учетную запись, чтобы продолжить просмотр

Зарегистрируйтесь, чтобы просмотреть этот урок

Вы студент или преподаватель?

Создайте учетную запись, чтобы продолжить просмотр

Как участник вы также получите неограниченный доступ к уроки математики, английского языка, науки, истории и многое другое. Кроме того, получите практические тесты, викторины и индивидуальное обучение, которые помогут вам преуспеть.

Получите неограниченный доступ к более чем 84 000 уроков.

Попробуй это сейчас

Настройка занимает всего несколько минут, и вы можете отменить ее в любое время.

Уже зарегистрированы? Войдите здесь для доступ

Назад

Ресурсы, созданные учителями для учителей

Более 30 000 видеоуроков и учебные ресурсы‐все в одном месте.

Видеоуроки

Тесты и рабочие листы

Интеграция в классе

Планы уроков

Я определенно рекомендую Study.com своим коллегам. Это как учитель взмахнул волшебной палочкой и сделал работу за меня. Я чувствую, что это спасательный круг.

Дженнифер Б.

Учитель

Попробуй это сейчас

Назад

Далее: Архитектура рококо в Италии

пройти викторину Смотреть Следующий урок

 Повтор

Просто отмечаюсь.

Вы все еще смотрите? Да! Продолжай играть.

Ваш следующий урок будет играть в 10 секунд

• 0:04 Архитектура как утверждения
• 0:34 История барокко…
• 2:21 История архитектуры рококо
• 4:07 Сравнение барокко и рококо
• 4:50 Итоги урока

Сохранить Сохранить Сохранить

Хронология

Автовоспроизведение

Автовоспроизведение

Скорость

Скорость

• Ощущение легкости и элегантности
• Сложное использование деталей
• Палитра пастельных тонов
• Игривая атмосфера
• Плоские архитектурные формы и элементы
• Акцент на линейность и прямые вертикальные линии

Характеристики

• Зеркала для создания пространства и легкости
• Змеевидные кривые (S-образные кривые)
• Окрашенные и лепные украшения для стен
• Высокие обшитые панелями стены с декоративным обрамлением
• Золотое позолоченное украшение

Интерьер дворца Сан-Суси отличается богатой отделкой, использованием позолоты и светлой цветовой палитрой.

Архитектура в стиле рококо была изысканной и беззаботной. Большая часть его стиля представляет собой включение архитектуры, изобразительного и декоративно-прикладного искусства как единое целое в стиле рококо. В целом, он стремился произвести впечатление и развлечь своим вниманием к деталям, экстремальным орнаментом и элегантной атмосферой.

Разница между барокко и рококо

Как соотносятся эти два архитектурных стиля? Поскольку стиль рококо возник из стиля барокко, у них есть несколько общих ключевых элементов и идеалов. Ниже приводится маркированный список сходств двух архитектурных стилей .

• Изысканная отделка и чувство орнамента
• Роскошные украшения
• Используется для обозначения социального или культурного статуса
• Используется в больших конструкциях
• Не используется в домах обычных людей
• Эстетично
• Популярность в Европе в 18 веке

Итак, чем же отличаются эти два архитектурных стиля ? В частности, они отличаются своим покровительством и эстетикой.

Архитектура барокко в основном поддерживалась католической церковью и использовалась как физический ответ на вызов церковной власти. Например, Карлскирхе (церковь Святого Карла) доминирует над Карлсплац в Вене, Австрия. Он посвящен святому Чарльзу Борромео, видному деятелю Контрреформации 16 века; таким образом, это еще раз демонстрирует тесные отношения архитектуры барокко с католической церковью.

Внешний парадный вход в Карлскирхе красиво использует элементы барокко для построения и украшения конструкции.

С другой стороны, покровительство архитектуре рококо не было тесно связано с религией, а скорее с монархиями и аристократическими классами. Например, Hotel de Soubise (Зал принцессы) в Париже, Франция, является прекрасным образцом французской архитектуры рококо. На месте бывшей усадьбы отель de Soubise был домом для тех, кто был тесно связан с Людовиком XIV и Людовиком XV; поэтому он иллюстрирует глубокую связь архитектуры рококо с монархиями и аристократическими классами.

Внешний вид отеля Hotel de Soubise иллюстрирует традиционные элементы рококо, включая позолоту, удлиненные изгибы и высокие прямоугольные лепные украшения.

Помимо покровительства, эти два стиля отличаются общей эстетикой. Архитектура барокко ориентирована на серьезную, тяжелую и драматическую эстетику. При просмотре структуры в стиле барокко зритель может по-настоящему ощутить вес, эмоции и общий внушительный характер конструкции. Глядя на Карлскирхе в стиле барокко, церковь сразу же передает ощущение выдающегося положения, драматического орнамента и величия. В нем используются многие характерные для барокко архитектурные элементы, такие как портик, купол, пилястры, позолоченный декор и выдающиеся изгибы.

Архитектура рококо использовала многие эстетические элементы стиля барокко, но облегчила их. Стиль рококо фокусируется на более причудливой эстетике, декоративности и легкости. Глядя на строение в стиле рококо, зритель должен чувствовать противоположность строению в стиле барокко и восхищаться его элегантностью и деталями. Hotel de Soubise демонстрирует истинную эстетику стиля рококо, а также многие его общие элементы. В нем используется пастельная и светлая палитра, вертикальность, змеевидные изгибы, позолота, зеркала и детальная лепка, чтобы продемонстрировать идеалы эстетики стиля рококо.

Резюме урока

Барокко и Рококо Архитектура имеет много общего , но также различается отчетливо. Архитектура в стиле барокко возникла в Италии как ответ на протестантскую Реформацию . В результате католическая церковь разработала архитектуру Контрреформации, известную как архитектура барокко, чтобы восстановить авторитет и статус католической церкви в Европе. Архитектура барокко сосредоточена на драме и эмоциях. Тогда как Архитектура рококо разработана на основе стиля барокко, но с упором на легкость и игривость. Архитектура рококо изначально была создана французской монархией, и по мере ее распространения по Европе она приобрела популярность среди аристократических классов.

В обоих стилях акцент делался на украшениях, и они использовались людьми высшего и правящего классов. Традиционно оба стиля также включали позолоту (тонкие слои золота), чтобы передать свой статус стиля. Рококо взял многие элементы барокко, но облегчил их тяжесть и обычно использовал их в салонах (комнатах, чтобы развлекать и впечатлять гостей), в то время как архитектура барокко чаще всего использовалась для церквей. Архитектура стилей барокко и рококо не только экстравагантна, но и тесно переплетается друг с другом.

История архитектуры барокко

В 16-м веке в Италии возник архитектурный стиль, создававший драматический, впечатляющий внешний вид. Этот стиль, связанный с католической религией, был известен как архитектура барокко.

Архитектура барокко было итальянским архитектурным движением, которое возникло во времена беспорядков для католической церкви. Это было частью реакции на протестантскую Реформацию года , когда реформаторы возглавили ряд проблем, в результате которых протестанты покинули католическую церковь. Последний ответил цифрой 9.1097 г. Контрреформация г., которая представляла собой серию реформ, а также демонстрацию силы и богатства, призванных подтвердить статус церкви в обществе и веру. Вы можете рассматривать архитектуру раннего барокко, ориентированную на церкви, как визуальную форму пропаганды церкви. Этот стиль не использовался в скромных постройках, таких как дома, хотя он использовался во дворцах и других больших зданиях. Архитектура барокко распространилась по Европе, включая Англию и Испанию, и даже в Южной Америке.

Архитектура в стиле барокко должна была заявить о себе. Строения часто имели большие изогнутые стены и удлиненные, искаженные архитектурные элементы. Ниши (углубления в стенах для скульптур), портики (крытые входные крыльца) и аркады с колоннами (ряды колонн, покрытых крышей) усиливали игру света и тени, делая строения более драматичными. Архитектура барокко также включала в себя массирование или группировку таких элементов, как колонны и пилястры (квадратные колонны, которые не являются полностью автономными), чтобы конструкции казались впечатляющими и солидными. Он часто повторял архитектурные элементы на разных поверхностях. Интерьеры были полны смелых цветов и украшений. У них была богатая обработка поверхности, в том числе множество позолота или очень тонкие слои золота.

Архитектура барокко была глубоко эмоциональной. Все эти тени и изгибы создавали ощущение движения и сильное впечатление. Это была попытка через архитектуру вернуть людей к католической церкви.

История архитектуры рококо

Рококо , иногда называемый поздним барокко, был стилем декоративно-прикладного искусства, архитектуры и изобразительного искусства. Он возник во Франции в начале 1700-х годов и ассоциировался не с церковью, а с монархом, а именно королем Людовиком XV. Он представлял собой переход от тяжелой эмоциональной и драматичной архитектуры барокко к более беззаботному, но все же очень декоративному стилю. Он вырос из барокко, но отказался от тяжелых, чрезмерно эмоциональных элементов этого стиля. Если барокко представляло силу церкви, то рококо представляло светскую высокую моду. Однако, хотя в центре внимания были дворцы и усадьбы, рококо также использовался в некоторых церквях.

Рококо зародилось сначала в декоративно-прикладном искусстве и интерьере, а затем распространилось на архитектуру. Он использовался для специальных помещений, таких как салоны. Салоны предназначались для приема посетителей и гостей, проведения встреч с интеллигенцией. Рококо предпочитали французские аристократы, и оно распространилось в места, где растущие аристократические классы хотели продемонстрировать, насколько они модны. Он стал популярным в Европе в 18 веке, особенно в таких странах, как Германия, Польша и Россия. К концу 1780-х годов его популярность во Франции снизилась, но в других местах он продержался дольше; на самом деле, некоторые из самых причудливых образцов рококо были построены в Германии.

Архитектура в стиле рококо отличалась изысканным декором, особенно внутренних помещений. Он включал в себя множество змеевидных кривых или S-образных кривых, используемых в раскрашенных и лепных украшениях. Формы и архитектурные элементы были гораздо более плоскими, чем в барокко. Они отличались отчетливой линейностью или фокусом на прямых вертикальных линиях, и многие конструкции имели высокие панели с декоративными украшениями по краям. В стиле рококо использовалась светлая цветовая палитра с бледной пастелью и позолотой. В интерьерах использовалось много зеркал для создания игривой атмосферы.

Сравнение барокко и рококо

Так как же сравнить эти два стиля? Рококо развилось из барокко. Оба стиля отличаются сложным орнаментом и украшением, и оба использовались в крупных сооружениях, имеющих социальный или культурный статус. Ни барокко, ни рококо не встретились бы в маленьких домах обывателей.

Но рококо взял элементы барокко и облегчил их, сделав более причудливыми и игривыми. Когда видишь здание в стиле барокко, чувствуешь его вес и внушительность. Архитектура рококо производит противоположное впечатление. Архитектура барокко серьезна, драматична и тяжела. С другой стороны, рококо легкий, воздушный, декоративный.

Если у вас когда-нибудь будет возможность побывать в Европе, посмотрите, сможете ли вы определить строения, воплощающие эти изменчивые европейские архитектурные стили.

Итоги урока

Давайте уделим несколько минут тому, чтобы повторить то, что мы узнали. Архитектура барокко — итальянское архитектурное движение, возникшее во времена беспорядков в католической церкви. После протестантской Реформации года года, когда реформаторы возглавили ряд проблем, в результате которых протестанты покинули католическую церковь, католическая церковь ответила Контрреформация , делая все, чтобы подтвердить роль церкви в обществе и среди ее верующих. Одним из них была архитектура в стиле барокко, которая была драматичной и внушительной. Строения отличались изогнутыми стенами, архитектурными элементами, подчеркивающими свет и тень, а также искаженными или удлиненными элементами. Интерьер отличался богатыми текстурами, смелыми цветами и позолотой или тонкими слоями золота.

Архитектура рококо разработана во Франции. В отличие от барокко, оно было связано со светской аристократией и фешенебельными дворцами. Он начался с декоративных интерьеров и использовался в таких помещениях, как 9.1097 салонов , которые представляли собой помещения для приема посетителей и гостей и проведения посиделок с интеллигенцией. Рококо взял черты барокко и облегчил их. Он отличался змеевидными кривыми , которые представляли собой S-образные кривые, обработанные в окрашенных и лепных украшениях, и сильную линейность , которая подчеркивала прямые вертикальные линии.

Рококо вырос из барокко, но был более игривым. Оба были статусной архитектурой. Оба отличались большим количеством украшений. Однако барокко было драматичным, а рококо легким и воздушным.

Чтобы разблокировать этот урок, вы должны быть участником Study.com.
Создайте свой аккаунт

Вы когда-нибудь стояли перед церковью и восхищались ее монументальной архитектурой? Или вы стояли в ярко оформленной комнате и чувствовали себя легко и празднично? Такие реакции не случайны.

Многие культуры используют архитектуру для демонстрации власти, подчеркивания статуса или выражения богатства и престижа. Архитектура барокко и рококо была стилями, которые развивались в Европе между 16 и 18 веками. Они оба говорили о культурных влияниях, но по-разному. Давайте рассмотрим сходства и различия между ними.

История архитектуры барокко

В 16-м веке в Италии возник архитектурный стиль, создававший драматический, впечатляющий внешний вид. Этот стиль, связанный с католической религией, был известен как архитектура барокко.

Архитектура барокко было итальянским архитектурным движением, которое возникло во времена беспорядков для католической церкви. Это было частью реакции на протестантскую Реформацию года , когда реформаторы возглавили ряд проблем, в результате которых протестанты покинули католическую церковь. Последний ответил цифрой 9.1097 г. Контрреформация г., которая представляла собой серию реформ, а также демонстрацию силы и богатства, призванных подтвердить статус церкви в обществе и веру. Вы можете рассматривать архитектуру раннего барокко, ориентированную на церкви, как визуальную форму пропаганды церкви. Этот стиль не использовался в скромных постройках, таких как дома, хотя он использовался во дворцах и других больших зданиях. Архитектура барокко распространилась по Европе, включая Англию и Испанию, и даже в Южной Америке.

Архитектура в стиле барокко должна была заявить о себе. Строения часто имели большие изогнутые стены и удлиненные, искаженные архитектурные элементы. Ниши (углубления в стенах для скульптур), портики (крытые входные крыльца) и аркады с колоннами (ряды колонн, покрытых крышей) усиливали игру света и тени, делая строения более драматичными. Архитектура барокко также включала в себя массирование или группировку таких элементов, как колонны и пилястры (квадратные колонны, которые не являются полностью автономными), чтобы конструкции казались впечатляющими и солидными. Он часто повторял архитектурные элементы на разных поверхностях. Интерьеры были полны смелых цветов и украшений. У них была богатая обработка поверхности, в том числе множество позолота или очень тонкие слои золота.

Архитектура барокко была глубоко эмоциональной. Все эти тени и изгибы создавали ощущение движения и сильное впечатление. Это была попытка через архитектуру вернуть людей к католической церкви.

История архитектуры рококо

Рококо , иногда называемый поздним барокко, был стилем декоративно-прикладного искусства, архитектуры и изобразительного искусства. Он возник во Франции в начале 1700-х годов и ассоциировался не с церковью, а с монархом, а именно королем Людовиком XV. Он представлял собой переход от тяжелой эмоциональной и драматичной архитектуры барокко к более беззаботному, но все же очень декоративному стилю. Он вырос из барокко, но отказался от тяжелых, чрезмерно эмоциональных элементов этого стиля. Если барокко представляло силу церкви, то рококо представляло светскую высокую моду. Однако, хотя в центре внимания были дворцы и усадьбы, рококо также использовался в некоторых церквях.

Рококо зародилось сначала в декоративно-прикладном искусстве и интерьере, а затем распространилось на архитектуру. Он использовался для специальных помещений, таких как салоны. Салоны предназначались для приема посетителей и гостей, проведения встреч с интеллигенцией. Рококо предпочитали французские аристократы, и оно распространилось в места, где растущие аристократические классы хотели продемонстрировать, насколько они модны. Он стал популярным в Европе в 18 веке, особенно в таких странах, как Германия, Польша и Россия. К концу 1780-х годов его популярность во Франции снизилась, но в других местах он продержался дольше; на самом деле, некоторые из самых причудливых образцов рококо были построены в Германии.

Архитектура в стиле рококо отличалась изысканным декором, особенно внутренних помещений. Он включал в себя множество змеевидных кривых или S-образных кривых, используемых в раскрашенных и лепных украшениях. Формы и архитектурные элементы были гораздо более плоскими, чем в барокко. Они отличались отчетливой линейностью или фокусом на прямых вертикальных линиях, и многие конструкции имели высокие панели с декоративными украшениями по краям. В стиле рококо использовалась светлая цветовая палитра с бледной пастелью и позолотой. В интерьерах использовалось много зеркал для создания игривой атмосферы.

Сравнение барокко и рококо

Так как же сравнить эти два стиля? Рококо развилось из барокко. Оба стиля отличаются сложным орнаментом и украшением, и оба использовались в крупных сооружениях, имеющих социальный или культурный статус. Ни барокко, ни рококо не встретились бы в маленьких домах обывателей.

Но рококо взял элементы барокко и облегчил их, сделав более причудливыми и игривыми. Когда видишь здание в стиле барокко, чувствуешь его вес и внушительность. Архитектура рококо производит противоположное впечатление. Архитектура барокко серьезна, драматична и тяжела. С другой стороны, рококо легкий, воздушный, декоративный.

Если у вас когда-нибудь будет возможность побывать в Европе, посмотрите, сможете ли вы определить строения, воплощающие эти изменчивые европейские архитектурные стили.

Итоги урока

Давайте уделим несколько минут тому, чтобы повторить то, что мы узнали. Архитектура барокко — итальянское архитектурное движение, возникшее во времена беспорядков в католической церкви. После протестантской Реформации года года, когда реформаторы возглавили ряд проблем, в результате которых протестанты покинули католическую церковь, католическая церковь ответила Контрреформация , делая все, чтобы подтвердить роль церкви в обществе и среди ее верующих. Одним из них была архитектура в стиле барокко, которая была драматичной и внушительной. Строения отличались изогнутыми стенами, архитектурными элементами, подчеркивающими свет и тень, а также искаженными или удлиненными элементами. Интерьер отличался богатыми текстурами, смелыми цветами и позолотой или тонкими слоями золота.

Архитектура рококо разработана во Франции. В отличие от барокко, оно было связано со светской аристократией и фешенебельными дворцами. Он начался с декоративных интерьеров и использовался в таких помещениях, как 9.1097 салонов , которые представляли собой помещения для приема посетителей и гостей и проведения посиделок с интеллигенцией. Рококо взял черты барокко и облегчил их. Он отличался змеевидными кривыми , которые представляли собой S-образные кривые, обработанные в окрашенных и лепных украшениях, и сильную линейность , которая подчеркивала прямые вертикальные линии.

Рококо вырос из барокко, но был более игривым. Оба были статусной архитектурой. Оба отличались большим количеством украшений. Однако барокко было драматичным, а рококо легким и воздушным.

Чтобы разблокировать этот урок, вы должны быть участником Study.com.
Создайте свой аккаунт

• мероприятия
• Часто задаваемые вопросы

Архитектурные стили: более глубокое погружение

В этом уроке объясняются различия в истории и эстетике архитектурных стилей барокко и рококо. Теперь, когда вы понимаете, из каких элементов состоит каждый тип архитектуры, пришло время углубить свои знания с помощью следующих подсказок.

Писатель-путешественник

Представьте, что вы известный писатель-путешественник, который в настоящее время находится в турне по Европе. Вы пишете цикл статей о знаменитых архитектурных шедеврах европейских стран. Следующие две статьи в вашем списке требуют, чтобы вы нашли пример архитектуры барокко и пример архитектуры рококо. В каждой статье вы будете описывать найденное вами здание, которое иллюстрирует этот конкретный стиль, отмечая, какие элементы архитектуры наиболее поразительны. Найдите реальные примеры таких зданий и напишите как короткие статьи о путешествиях. Вам не обязательно ехать в Европу, чтобы стать писателем-путешественником для этого упражнения!

Пример: Версальский дворец короля Людовика XIV является известным образцом архитектуры рококо. Первоначально построен в…

Историческое понимание

Этот урок дал вам краткий обзор исторической среды, которая породила архитектуру в стиле барокко и рококо, но это всегда нечто большее. Проведите собственное исследование, чтобы узнать, какими были первые значимые образцы каждого стиля и как они были восприняты публикой. Насколько успешно архитектура барокко вернула людей в католическую церковь? Почему французская аристократия отдавала предпочтение легким, декоративным стилям? Почему эти движения со временем пришли в упадок и что они теперь говорят о конкретных периодах своей истории? Ответьте на эти или другие интересующие вас вопросы в эссе или аннотированной временной шкале. Включите реальные примеры каждого архитектурного стиля, когда это возможно.

Каковы основные различия между барокко и рококо?

Основные различия между стилем барокко и рококо в архитектуре связаны с эстетикой и историческим происхождением. Архитектура барокко возникла как ответ на протестантскую Реформацию и создала церковную архитектуру, которая была доминирующей, эмоциональной, тяжелой и часто обращалась к элементам архитектуры эпохи Возрождения. В то время как архитектура рококо возникла после барокко для высшего класса и создала легкую, воздушную и ориентированную на орнамент архитектуру.

Что характерно для барокко и рококо?

Характерными чертами архитектуры барокко являются игра света и тени, ощущение драмы и обилие деталей. Архитектура рококо использует многие черты барокко, но в более легкой манере. Стиль рококо фокусируется на элегантности, замысловатых деталях, игривости и линейности.

Зарегистрируйтесь для просмотра этого урока

Вы студент или преподаватель?

Разблокируйте свое образование

Убедитесь сами, почему 30 миллионов человек используют Study.

com

Станьте участником Study.com и начните учиться прямо сейчас.

Стать участником

Уже являетесь участником? Войти

Назад

Ресурсы, созданные учителями для учителей

Более 30 000 видеоуроков и учебные ресурсы‐все в одном месте.

Видеоуроки

Тесты и рабочие листы

Интеграция в класс

Планы уроков

Я определенно рекомендую Study.com своим коллегам. Это как учитель взмахнул волшебной палочкой и сделал работу за меня. Я чувствую, что это спасательный круг.

Дженнифер Б.

Учитель

Попробуй это сейчас

Спинка

Определение рококо в истории искусства.

(существительное)

Рококо, также называемый поздним барокко, представляет собой художественное движение и стиль 18-го века, который затронул несколько аспектов искусства, включая живопись, скульптуру, архитектуру, дизайн интерьера, декор, литературу, музыку и театр.

(существительное)

Стиль барокко в архитектуре и декоративно-прикладном искусстве Франции 18 века с искусным орнаментом.

(существительное)

Художественное движение и стиль 18-го века, затронувшие несколько аспектов искусства, включая живопись, скульптуру, архитектуру, дизайн интерьера, декор, литературу, музыку и театр; также называют поздним барокко.

• Рококо во французском декоре

  • Во французском языке слово «салон» означает просто «гостиная» или «кабинет», а салоны Rococo относятся к центральным комнатам, оформленным в стиле Rococo .
  • Интерьер Rococo достиг своего апогея в «тотальной художественной работе» салона.
  • Салоны рококо часто использовали в дизайне асимметрию, которую называли «контрастом».
  • Этот пример 9Салон 0549 Rococo демонстрирует змеевидный дизайн и интенсивное использование золота, которые были типичны для стиля Rococo .
  • Обсудите значение салона Rococo во Франции и его типичный дизайн

• Архитектура рококо

  • 18 век Рококо Архитектура была более легкой, изящной, но и более сложной версией архитектуры барокко.
  • Архитектура рококо , как упоминалось выше, была более легкой, более изящной, но также и более сложной версией архитектуры барокко, богатой и строгой.
  • Хотя стили были похожи, между рококо и архитектурой барокко есть некоторые заметные различия, одним из которых является симметрия, поскольку рококо подчеркивал асимметрию форм, в то время как барокко было противоположностью.
  • Другие элементы, принадлежащие к архитектурному стилю Рококо , включают многочисленные изгибы и украшения, а также использование бледных цветов.
  • Есть множество примеров зданий в стиле рококо , а также архитекторов.

• Живопись и скульптура

  • Во французской живописи и скульптуре восемнадцатого века преобладали рококо и неоклассические стили искусства.
  • Во французском искусстве восемнадцатого века доминировали рококо и неоклассическое искусство.
  • Хотя Рококо зародился в декоративно-прикладном искусстве, его стиль ясно проявился в живописи.
  • Портретная живопись также была популярна среди художников рококо .
  • Скульптура была еще одной областью, где Rococo получил широкое распространение.

• Рококо в живописи и скульптуре

  • Живопись периода рококо имеет многие из тех же качеств, что и другие формы искусства рококо , такие как интенсивное использование орнамента, изогнутые линии и использование палитры на основе золота и пастели.
  • Темы, связанные с мифами о любви, а также портреты и идиллические пейзажи типичны для Рококо Живопись.
  • Антуан Ватто считается первым великим художником рококо .
  • Его влияние заметно в работах более поздних рококо художников, таких как Франсуа Буше и Оноре Фрагонар.
  • Франсуа Буше стал мастером рококо живописи несколько позже Ватто.

• Революция во Франции

  • В революционном французском искусстве господствовал неоклассицизм, в отличие от Рококо влияний.
  • В революционном французском искусстве преобладал неоклассицизм, в отличие от влияния рококо .
  • В 1780-х годах его интеллектуальный бренд исторической живописи ознаменовал изменение вкуса от рококо легкомыслия к классической строгости и строгости, которые соответствовали республиканскому моральному климату радикальной фазы Французской революции.
  • Картины Дэвида представляют не только разрыв между рококо и неоклассицизм, но и прославление республиканских добродетелей и революционных деятелей на протяжении всей Французской революции.

• Неоклассическая скульптура

  • Реакция на «легкомыслие» рококо , Неоклассическая скульптура изображает серьезные предметы под влиянием древнегреческого и римского прошлого.
  • В то время как скульптура в стиле рококо состояла из небольших асимметричных объектов, посвященных темам любви и веселья, неоклассическая скульптура предполагала рост в натуральную величину до монументального масштаба и сосредоточивалась на темах героизма, патриотизма и добродетели.
  • Его стиль стал более классическим по мере того, как продолжалась его долгая карьера, и представляет собой довольно плавный переход от очарования рококо к классическому достоинству.

• Неоклассицизм

  • Доминирующими стилями в 18 веке были барокко и рококо .
  • Неоклассическая архитектура создавалась по образцу классического стиля и, как и другие формы искусства, во многом была реакцией на буйное рококо стиль.

• Просвещение

  • До эпохи Просвещения доминирующим художественным стилем был рококо .
  • Когда пришло Просвещение и его новые идеалы, рококо было осуждено за безнравственность, непристойность и снисходительность, и потребовался новый вид поучительного искусства, который стал известен как неоклассицизм.
  • В отличие от легкомысленной чувственности рококо таких художников, как Жан-Оноре Фрагонар и Франсуа Буше, неоклассики искали вдохновения у художника Николя Пуссена.
  • Архитектура рококо подчеркивает изящество, орнаментальность и асимметрию; Неоклассическая архитектура основана на принципах простоты и симметрии, которые считались достоинствами в искусстве Рима и Древней Греции и были более непосредственно взяты из классицизма эпохи Возрождения 16-го века.

• Архитектура

  • Это направление проявилось в деталях как реакция на рококо стиль натуралистического орнамента, а в его архитектурных формулах как результат некоторых классицистических черт позднего барокко.
  • Существует анти- штамм рококо , который можно обнаружить в некоторых европейских архитектурах начала восемнадцатого века.

• Современная эпоха

  • Турки Османской империи приняли версии рококо , которые оказали длительное влияние на скульптуру и архитектуру, а каджары, туркменское племя, основанное после падения иранских Сефевидов, продемонстрировало искусство с растущим европейским влиянием, как видно в их стальных изделиях и в больших картинах маслом, изображающих шахов Каджаров.

Что такое скульптура рококо? Характеристики и представители

Содержание

• 1 Определение скульптуры рококо
• 2 Как развивалась скульптура рококо?
• 3 Какое наследие скульптуры рококо?
  • 3.1 Скульптура рококо в России
• 4 Кто были основными представителями скульптуры рококо?

Определение скульптуры рококо

Стиль рококо, стиль, используемый в основном в дизайне интерьера, объединяющий искусство живописи, архитектуры и скульптуры, зародился в Париже в 18 веке, но вскоре был принят во Франции, а затем и в других странах. преимущественно Германии и Австрии. Он характеризуется легкостью, элегантностью и обильным использованием кривых и естественных форм в орнаменте. Слово рококо происходит от французского слова rocaille, которое обозначает каменную работу в виде балдахина, которая использовалась для украшения искусственных гротов.

В этом смысле скульптура рококо — это техническое определение, используемое историками искусства, которое не обязательно подразумевает глубокое отличие от барокко. На самом деле термин «рококо», поскольку он может применяться к скульптуре, следует понимать как описание не стиля, отличного от барокко, а только вариации стиля, реализованного Бернини и его современниками. Однако можно говорить о качествах стиля рококо в скульптурном произведении из-за характеристик неформальности, жизнерадостности, заботы о делах сердца и сознательного избегания серьезности. Таким образом, в восемнадцатом веке во Франции в настроении реакции против крайней формальности двора Людовика XIV открылся этот новый дух, который выражается во французской академии, в которой также можно увидеть непринужденный натурализм бюстов, даже если в то время скульптура могла быть только средством, приспособленным для выражения тонкостей человеческого поведения.

В этом отношении наиболее яркое проявление рококо в скульптуре можно найти в Германии, хотя в целом оно носит менее сложный характер, чем декоративное искусство салонов Парижа начала восемнадцатого века. Скульптура, созданная в немецких княжествах в восемнадцатом веке, слишком разнообразна, чтобы ее можно было обобщить, но многие из лучших и наиболее характерных произведений того периода демонстрируют замечательное продолжение прежнего духа высокого барокко. Так, Бальтазар Пермозер (1651–1732), скульптор из Дрездена, учился в Италии во второй половине XVII века, но его желание привнести в скульптуру живописные качества, несомненно, проистекало из изучения работ Бернини, и он уехал как личный свидетельствует о ныне уничтоженной группе картин, изображающих скульптуру. Тем не менее, элегантность его фигур, несомненно, является развитием позднего барокко, и ничто так ясно не иллюстрирует двусмысленность термина «рококо», как художественно-исторический стиль этих немецких произведений 18-го века.

Как развивалась скульптура рококо?

Первоначально стиль рококо представлял собой реакцию на трудоемкий дизайн Версальского дворца Людовика XIV и официальное искусство барокко его правления. Несколько дизайнеров интерьеров, художников и граверов, в том числе Пьер Ле Потр, Ж. А. Мейссонье, Жан Берен и Николя Пино, разработали более легкий и интимный стиль оформления новых дворянских резиденций в Париже. В стиле рококо стены, потолки и лепнина были украшены тонким переплетением изгибов и встречных изгибов, основанных на основных формах «С» и «S», а также ракушках и других естественных формах, поскольку правилом был асимметричный дизайн. Мягкие пастельные тона, цвет слоновой кости и золото были преобладающими цветами, а декораторы в стиле рококо использовали зеркала, чтобы усилить ощущение открытого пространства. Точно так же прекрасным примером французского рококо является салон месье ле Принса (завершенный в 1722 году) в Малом замке в Шантийи, украшенный Жаном Обером, и салоны (начатые в 1732 году) отеля de Soubise в Париже Жерменом Боффраном. Точно так же стиль рококо проявился и в декоративно-прикладном искусстве. Его асимметричные формы и орнамент в стиле рокайль были быстро адаптированы к серебру и фарфору, к французской мебели того периода, также демонстрирующей изогнутые формы, натуралистическую форму раковин и цветочный орнамент, а также более сложное, декоративное и игривое использование позолоченной бронзы и фарфора.

Из Франции стиль рококо распространился в 1730-х годах на католические немецкоязычные земли, где он адаптировался к блестящему стилю религиозной архитектуры, сочетающему французскую элегантность с южногерманской фантазией, а также сохранившийся интерес барокко к драматическим пространственным и пластическим эффектам. . Одними из самых красивых в стиле рококо являются все постройки на окраинах Франции, например, построенные в Мюнхене, такие как изысканный и нежный Амалиенбург (1734-1739 гг.), в парке Нимфенбург и Резиденцтеатр (1750-1739 гг.). 53). Точно так же многие из этих зданий были перестроены после Второй мировой войны Франсуа де Кювилье.

В Италии стиль рококо был в основном сконцентрирован в Венеции, где он был воплощен в крупномасштабных декоративных картинах Джованни Баттиста Тьеполо. Городские пейзажи Франческо Гварди и Каналетто также находились под влиянием рококо. Между тем, во Франции стиль уже начал приходить в упадок в 1750-х годах, когда он подвергся нападкам со стороны критиков за его тривиальность и декоративные излишества, а к 1760-м годам новое, более строгое движение неоклассицизма начало вытеснять рококо во Франции.

Какое наследие скульптуры рококо?

Характерные черты рококо включают использование замысловатых изгибов и завитков, орнаментов в виде ракушек и растений, поэтому все помещения должны были иметь овальную форму. Узоры были сложными и тонкими в деталях. Так, замысловатость овальной комнаты во французском отеле Soubise в Париже 1740 г. сравнима с самодержавным золотом в покоях короля Франции Людовика XIV в Версальском дворце 1701 г. Таким образом, в стиле рококо формы были сложными и несимметричными. Точно так же цвета часто были мягкими и пастельными, но не без смелого оттенка яркости и света. Применение золота было полезным.

Однако, если барокко был более трудоемким, массивным и подавляющим, то рококо – нежным, легким и чарующим. Тем не менее, хотя не все были очарованы рококо, художники-скульпторы шли на риск, которого раньше не было. Точно так же художники в стиле рококо могли создавать не только большие фрески для больших дворцов, но и более мелкие, более тонкие, которые можно было выставлять во французских салонах. Таким образом, как и скульптура, для картин характерно использование мягких цветов и размытых очертаний, а в скульптуре и живописи использовались обильные изогнутые линии с большим количеством орнамента и отсутствием симметрии. Точно так же тематика скульптур этого периода была более смелой, так что некоторые скульптурные работы даже считаются порнографическими по сегодняшним меркам.

Скульптура рококо в России

В то время как сложная скульптура в стиле барокко встречается во Франции, Италии, Англии, Испании и Южной Америке, более мягкие стили рококо нашли свое место в Германии, Австрии, Восточной Европе и России. Таким образом, хотя рококо в значительной степени ограничивалось внутренней отделкой и декоративным искусством в Западной Европе, Восточная Европа была очарована стилями рококо как в помещении, так и на открытом воздухе. По сравнению с барокко скульптура рококо была более мягкой и элегантной, с преобладанием изогнутых форм и бледных цветов. Точно так же Екатерина I, императрица России с 1725 года до своей смерти в 1727 году, была одной из великих женщин-правительниц 18 века. Санкт-Петербургский дворец был заложен в 1717 году ее мужем, Петром Великим. Таким образом, в 1756 году он был увеличен в размерах и славе, чтобы соперничать с Версальским дворцом во Франции. Говорят, что Екатерина Великая, императрица России, гневно не одобряла экстравагантность рококо.

Кто были основными представителями скульптуры рококо?

Вероятно, величайшим скульптором первой половины 18 века был Гийом Кусту (1677-1746), директор Французской академии с 1707 года, продолжавший барочное направление своего дяди Куасево. Его главная работа, Les Chevaux de Marly, 1740-45, которая сейчас стоит на Елисейских полях в Париже, изначально предназначалась для садов Марли, еще одной резиденции Людовика XIV. Также его ученик Эдм Бушардон (169 г.8-1762) — интересная фигура, чье чувство старины привело его к предвосхищению более поздней тенденции к неоклассицизму, как, например, в его фонтане на улице Гренель. Точно так же его конная статуя Людовика XV, разрушенная во время революции, была более строгой, чем статуя Жирардона Людовика XIV, и Кочин критиковал ее как слишком отполированную и законченную, но, как и первая, она была основана на Марке Аврелии в Риме, и несмотря на отдаленность во времени от Жирардона не сильно отличается по стилю.

Точно так же Бушардон также показывает себя пионером в своем портрете Джона, лорда Херви, в котором торс упрощен до преднамеренной имитации имперского римского бюста. Пожалуй, только один скульптурный проект действительно уловил нюансы любовного чувства, связанные с кругом мадам де Помпадур и относящийся к тому периоду, когда уже были намеки против рококо. Точно так же в немецком рококо лучшими церквями являются Vierzehnheiligen (1743–72) недалеко от Лихтенфельса в Баварии, спроектированные Бальтазаром Нейманом, и Wieskirche (начало 1745–54) недалеко от Мюнхена, построенные Доминикусом Циммерманом и украшенные его старшим братом. Иоганн Баптист Циммерманн. Г.В. фон Кнобельсдорф и Иоганн Михаэль Фишер также создали известные здания в этом стиле, в котором использовалось множество лепных украшений и украшений.

Стиль рококо (18 век)

ЛУЧШИЕ ХУДОЖНИКИ МИРА За лучшие картины: Лучшие пейзажисты. Лучшие натюрморты см.: Лучшие художники-натюрморты. О лучших портретах см.: Лучшие художники-портретисты. О главной исторической картине см.: Лучшие художники-историки. ЭСТЕТИКА Обсуждение красоты в изобразительном искусстве см.: Искусство Определение и значение. ЭВОЛЮЦИЯ ВИЗУАЛЬНОГО ИСКУССТВО Подробности в хронологическом порядке см. : History of Art Timeline.	Рококо: Истоки Рококо – легкомысленный, своенравный ребенок благородного, грандиозного барокко. Родитель родился в Италии, ребенок во Франции. Барокко (барокко, необработанная жемчужина) развивалось в начале 17 века и быстро распространился по Европе. Во-первых преимущественно скульптурно-архитектурный стиль, его величайший представитель и гением был Джанлоренцо Бернини (1598-1680), который, как Микеланджело до него, был первым и прежде всего скульптор, но, естественно, обратился к живописи, театральным декорациям и архитектуры, служа нескольким Папам в реконструкции Рима. Его «Экстаз Святой Терезы» и небольшой церкви С. Андреа аль Квиринале в Оба Рима обнаруживают тенденции, ведущие к стилю рококо: использование света и тени на дорогих и сложных материалах, таких как цветные мраморы и бронза. Семнадцатый век был веком величия, сильных религиозных чувств выражено ярко и сильно в ярких изобразительных формах на картинах Караваджо и Кортона, скульптуры Бернини и архитектура Франческо Борромини (1599-1667). Его наиболее важные проявления были итальянскими, и это было действительно лебединая песня Италии как творческой силы, ибо уже в со смертью папы Урбана VIII, покровителя Бернини, новая звезда внешний вид — Франция, которой предстояло продолжить свой стремительный взлет на протяжении всего века и доминировать в модной и художественной Европе в следующем век. Смотрите также: Художники рококо. Стиль рококо во Франции — Характеристики В 1651 году молодой Людовик XIV достиг совершеннолетия, и к 1660-м годам любые разногласия во Франции был полностью подавлен, так что Людовик мог посвятить свою внимание к зданию и украшению своего дворца в Версале . Здесь стиль итальянского барокко был принят и модифицирован всемогущим Людовиком. художник, дизайнер и декоратор интерьеров, Чарльз Лебрен г., чтобы прославить не святых католической церкви, а Король Франции: «Le Roi Soleil». Абсолютное правление Людовика включало не только наглядное доказательство его превосходства, но и тщательно продуманный придворный этикет такими же жесткими и неестественными, как сады, разбитые Ленотром вокруг Дворец. Эта крайняя формальность ощущалась в таких квартирах, как знаменитая Зеркальный зал и разноцветная Посольская лестница, и это на этом фоне установлено рококо; Франция демонстрировала что она уже была судьей вкуса и жаждала новизны. Архитектура французского рококо, интерьер Дизайн и декор Рококо по праву ассоциируется во Франции с XVIII веком, но даже в последние годы прошлого века признаки появляется новый стиль, как в работе придворного архитектора Жюля-Ардуэна. Мансар (1646-1708), в Трианоне в Версале и в Марли, еще одна королевская резиденция. В этих двух зданиях Мансар оторвался от отупляющее использование мрамора и бронзы, переходя скорее к деревянным панелям и более бледные цвета. Сам масштаб Трианона свидетельствует о желании побег из грандиозного дворца, чувство, которое вызвало ряд наиболее значительных произведений 18 в. [Обратите внимание также на влияние ранней школы Фонтенбло (1530-1610) об эволюции стиля рококо, в частности его игривости. лепнина и другие мотивы в стиле рококо.] Людовик XIV, по-видимому, очень поощрял эту реакцию, как показано своим знаменитым наказом Мансару относительно украшения комнаты совсем юной герцогини де Бургундской в ​​замке Зверинец: «Вы должны распространять повсюду чувство молодости». Этот было в 1699 году, а королю оставалось жить еще шестнадцать лет, лет которые должны были определить курс искусства и украшения по крайней мере следующее поколение не только во Франции, но и за пределами Сицилии и Австрия. Если рококо было именно французским творением, многие факторы из дальнейших поле повлияло и способствовало развитию стиля, как, например, графическое работы таких итальянских художников семнадцатого века, как Стефано делия Белла , которая долгое время провела в Париже. В его рисунках нежный, пернатый линии обволакивают формы, которые часто имеют чисто декоративное назначение. искусство рококо должно было быть. Многие гравированные книги последних десятилетий семнадцатого века раскрывают стиль рококо в зачаточном состоянии. Плотная прокрутка, столь характерная фламандского и немецкого ренессансного убранства и даже Фонтенбло Школа была освобождена, что сделало ее менее строгой и симметричной, фантастической. были введены элементы, неизвестные в оригиналах. Это видно во Франции в мебели Андре-Шарль Буль и в Венеции в мебели Андреа Брустолон , где начинались изогнутые, замысловатые барочные формы быть изменены на рубеже веков. Одно из первых проявлений нового стиля в очень важной обстановке находится в спальне Людовика XIV в Версале. Это было отремонтировано около 1701 г. в основном в белом и золотом, полностью полагаясь на его влияние на четкие контрасты тонкой скульптуры пилястр с богатыми участками позолоченных резьбой, а над дымоходами установлены большие зеркала с округлыми вершины. Большие площади венецианского зеркального стекла, конечно, имели большое значение. декоративные элементы уже при создании Galerie des Glaces, а также Зеркальной комнаты в Большом Трианоне: их часто ошибочно отождествляется исключительно с появлением стиля рококо, в котором, действительно, они должны были играть важную роль. Дизайн спальни Луи, тем не менее, по-прежнему свидетельствует о сильном предпочтении классической Ордена с пилястровым украшением типично академического семнадцатого века. традиция. Одна из проблем любой экспертизы украшения в стиле рококо заключается в том, что мы не уверены, какая часть его возникла из небольшой армии рисовальщиков, чьи корифеи, такие как Мансар хранится за кадром, а сколько от самих великих архитекторов. Таким образом, если здание или интерьер выдают за работу Мансара или де Котта, новые подробности в нем могли точно так же возникнуть из дизайнер-призрак с определенным чувством фантазии и оригинальностью, которая Королевский Архитектор выдавал себя за своего. Эти рисовальщики, по всей вероятности, были знакомы с книгами по декоративно-прикладному искусству. узоры — производные от эпохи Возрождения искусство — иллюстрирование знаменитых гротесков Рафаэля на вилле Мадама и в лоджии Ватикана. Гротески , потомки по лепным рельефам и росписям римских гробниц (или гротов, следовательно, «гротески»), играли важную роль во французском художественном оформлении уже в начале как 1650-е годы, а позже появились в некоторых собственных украшениях Лебрена, таких как как в Галерее Аполлона в Лувре. Они состояли из изогнутых формы растений и свитков, часто возникающие в урне или горшке и извивающиеся вверх в регулярном порядке, населенном игривыми обезьянами, насекомыми и другие существа, которые обеспечивают легкое асимметричное прикосновение. Легкость этот вид украшения имел в виду Пьер Лепотр когда он украсил королевские покои в Марли в 1699 году. Интерьеры Лепотра в Марли, к сожалению, известны нам только по рисункам. Они показывают, что он обходился без тяжелых прямоугольных оправ вокруг двери и зеркала, заменив их миниатюрными изогнутыми украшениями, интегрированными в углы молдингов, которые сами по себе были тоньше и элегантнее в действии, чем когда-либо прежде. Вместо традиционных расписных и позолоченных потолок, Лепотр просто сочленил огромное белое гипсовое пространство с ажурная позолоченная розетка в центре — ее нужно было имитировать на обоих потолки и панели на протяжении всего периода рококо. Стиль рококо получил наибольшее развитие во время Регентства Герцог Орлеанский (1715-23), чьей городской резиденцией был Пале-Рояль. Здесь господствовала распущенность и задавался тон общества рококо: общества, требовавшего постоянной новизны, остроумия и элегантности, — именно особенности стиля рококо. Общество открыло свои двери людям кого Людовик XIV никогда бы не принял: только что разбогатевших и все более важные интеллектуалы. Во время Регентства большая часть аристократии, которая оказался запертым в Версале во время правления Людовика XIV, вернулся в Париж и строил новые городские дома, как, например, на Вандомской площади, где переходный стиль все еще отчетливо виден. Их интерьеры не требовали сложной росписи потолка прошлого века, а на их месте возникла новая школа живописцев которые специализировались на плавно изогнутых трюмо (наддверях) и небольших окрашенные панели, которые составляют большую часть продукции (например) Francois Буше (1703-70). Также в постоянной занятости с этого периода до Революции были скульптуры, которые часто выполняли до мельчайших деталей резьба по буазери, декорированное панно-наличие. Примерно в 1720 году переходный стиль начал уступать место явный стиль рококо. Термин «рококо», вероятно, происходит от французского «рокайль», что первоначально относилось к типу скульптурного украшения. в садовом дизайне. Безусловно, ведущие дизайнеры стиля рококо, Жиль-Мари Оппенордт , Николя Пино и Жюст-Орель Meissonnier , очень хорошо знали об этом. Гротески семнадцатого века теперь превратились в арабески под Клод Одран , Учитель Ватто, полный новой фантазии и деликатности. Основные шаги вперед сделаны в салоне украшения и покраски, в то время как с внешним видом происходило мало важного экстерьера, за исключением того, что некая легкая изысканность сменила тяжеловесность стиля Людовика XIV, и, вместо того чтобы полагаться на классический Заказы, архитекторы, такие как Жан Куртонн и Жермен Боффран производил здания, основной эффект которых заключался в тонкой обработке каменной кладки. и умелое расположение деликатной скульптуры против утонченной рустикация. В Париже два лучших примера — знаменитый Hotel de Матиньон 1722–1723 годов и Отель де Торси 1714 года.
	Неуклонный прогресс в оформлении интерьера в сторону крайней проработки наблюдается во время Регентства, как показано Пале-Рояль и Отель д’Асси, кульминацией которого стало такое триумфальное изысканные номера, такие как Salon Ovale отеля de Soubise в Париже. (1738-39 гг.) Боффрана, чье влияние на немецкую архитектуру рококо было быть значительным. Тенденция к замене огромной серии очень формальные апартаменты, предпочитаемые в период Людовика XIV, с небольшими, также можно увидеть более интимные комнаты, как в Petites Appartements в Версале, где форма более точно следует за функцией. К сожалению, они вместе со многими из величайших комнат в стиле рококо бесследно исчезли. Кроме Париж, много прекрасной архитектуры и декора в полномасштабном рококо. стиль был осуществлен в Нанси, где жил свергнутый король Польши. ПРИМЕЧАНИЕ. Для других важных предметов искусства и дизайна. тенденции, похожие на рококо, см. Искусство Движения и школы (примерно с 100 г. до н.э.). Французская живопись рококо Как ни парадоксально, стиль рококо появился в живописи гораздо раньше чем в других искусствах, фламандским художником Жаном-Антуаном Ватто (1684-1721). Он переехал в Париж примерно в 1702 году и начал работал театральным художником, до учебы у Хранителя Люксембургского дворца, Клод Одран, художник, писавший в декоративных, стиле позднего барокко. Это была серия Рубенса «Жизнь Марии Медичи». в Люксембургском дворце, который больше всего впечатлил Ватто и через него должен был повлиять на ход французской живописи рококо. Он изучал эти вместе с великими венецианскими художниками и, по словам Михаила Леви, хотя у него не было «ни общественной карьеры, ни крупных заказов от Церковь или Корона; редко исполняемые масштабные картины: не интересовался в живописи на исторические сюжеты», он стал величайшим французским художником первой половины века. Картины Ватто — См.: Паломничество в Cythera (1717) Лувр, Париж; Шарлоттенбург, Берлин — с их сочетание колорита Рубенса и его собственного тонкого эротизма, всегда больше, чем немного меланхолии. Лиричность его живописи, с намеком на изощренную аморальность, было именно тем, что искали французским обществом в годы Регентства: Ватто не только для вкуса, но и создание одного. Чтобы узнать больше о наготе в живописи рококо, см. см.: Обнаженные женщины в История искусства. Два других крупных художника французского периода рококо, Франсуа Буше (1703-70) (известен также как директор Гобеленов фабрика гобеленов) и Жан-Оноре Fragonard (1732-1806), оба производили совершенно разные сорта стиля от стиля Ватто и часто считается опошленным где усовершенствовал Ватто. В то время как Ватто достиг всеобъемлющего ауру аристократической отстраненности, Буше и Фрагонар производили более интимный и очевидный эффект. Примечательно, что карьера Буше началась как гравера картин Ватто, и с тех пор принял образец традиционного успеха. Победа Prix ​​de Rome, он работал в Италии с 1727 по 1731 год. В 1734 году он стал академиком, и с помощью своего друга и любовницы Людовика XV, Мадам де Помпадур , он стал самым востребованным художником в Франции за каждый тип изображения, но в особенности за его яркую мифологическую живопись на классические сюжеты. В них, часто представленных в несколько неуловимо эротическую жилку, Буше, как и Ватто, обнаруживал сильный долг перед Рубенс и венецианское искусство, особенно Паоло Веронезе, его лучший предшественник в живописи блестяще облекались и отображались мифологии. Буше стал директор Академии в 1765 г., и в целом сделал весьма важное вклад в движение рококо через его многочисленные картины и его рисунки для гобеленов и других украшений. В нереальности большинства его поздних форм можно вспомнить сэра Джошуа Рейнольдса чувство возмущения по поводу того, что Буше отказался от моделей. По сравнению с нереальным миром Ватто декорации Буше еще менее реальны, в то время как контраст с Томасом Гейнсборо , который сочинял свои пейзажи с кусочками зеркала, веточками и мхом, еще более экстремально. Миниатюрный деревья окружают деревенские здания, которые, кажется, были сделаны из сахарной пудры, и вода выглядит так, как будто она сделана из стекла. Нет настоящего света и заштриховать, возможно, чтобы не слишком сильно контрастировать с окружающим бледное и неглубокое украшение в стиле рококо, в которое оно было вставлено. В то время как было много великих людей художники, были также семьи живописцев, которые следовали почти неизменному стилистическая традиция. Среди них Coypels , которые казнили потолок часовни в Версале, Van Loos и De Troys , все они постоянно рисовали забавные картинки для высших классов и для растущего среднего класса, который впервые появляется в рококо в качестве важных покровителей и в некоторой степени объясняют повышенный спрос на портретную живопись. Одни из самых вкусных воспоминаний утонченности общества можно найти в портретах Наттье, Друэ, Рослен и, конечно же, сам Буше, чьи нежные образы портрет мадам де Помпадур являются одними из лучших портретов любой женщины в тот век. Смотрите также портреты в стиле рококо работы Элизабет Виже-Лебрен (1755-1842), придворный портретист французов Королева Мария-Антуанетта. Наряду с портретной живописью возникли многие другие специализированные отрасли живописи, таких как натюрморт, где Жан Батист Удри (1686-1755) и Франсуа Деспорт (1661-1743) были впереди. В этих «меньших» областях один человек выдающийся: Жан Шарден (1699-1779). Его восхитительно простой и глубоко искренний жанровые сюжеты и его натюрморты обладают качествами, которые кажутся на первый взгляд ближе по ощущениям к голландский Реализм — с добавлением французской точности и чувственности — чем к господствующему стилю рококо. Шедевр может родиться из малюсенькое изображение делфтской вазы с несколькими цветами или из простого двухфигурного исследование. Именно их деликатность и утонченность связывают их с рококо. Еще одним выдающимся художником жанра рококо был «моралист». Жан-Батист Грез (1725-1805). Французская мебель и декор в стиле рококо Искусство Та же нежность характеризует французский Мебель и много французского Декоративное искусство того времени. Примерно между 1715 и 1770 годами французский дизайнеры создали мебель, не имеющую себе равных по красоте линии и детали, мельчайшая отделка и искусно использованные дорогие материалы. Также в этот период большинство типов мебели, с которыми мы знакомы сегодня появились: такие предметы, как письменный стол (бюро плат), секретер (много разных типов, в частности, выдвижной и цилиндрический типа) и диван во многих обличьях (канапе, lits de repos). Тяжелые предметы конца XVII века, инкрустированные латунью и панцирем черепахи в манере Буля были заменены, начиная с Регентства, меньшими, более легкие изделия, развитие, которое совпало со снижением размер комнат и снижение формальности. Комод (комод) поднимался с пола на тонких изогнутых ножках, а фронты бомбы были покрыты извилистым ормолу, который часто растекался по всему куску и в котором находится большая часть лучших украшений рококо. В этом в стиле рококо превосходно использовались инкрустации из дерева всех типов, часто импортируется с Востока, что способствует высокой стоимости изделия и к увлечению экзотикой, охватившему французское общество и приведшему к использование (часто совершенно неуместное) таких терминов, как «а-ля полонез», «по-гречески» и «по-китайски». В мебели основным проявлением этого интереса к Востоку было использование импортных или имитация лака, многие хорошие образцы восточного лака сильно пострадали в процессе рассечения и переформирования. Демонстрация роскоши в работах в стиле рококо, конечно, не ограничивалась мебели, и строгий внешний вид многих ансамблей в стиле рококо сегодня вводит в заблуждение. Легкомыслие и отделка — оборки, ленты, вычурные драпировки на кровати, двери и окна, гирлянды из бахромы, канители и безделушки — часто связанный только с викторианцами, добавленный в атмосферу роскошь и комфорт, качества, мало известные во Франции семнадцатого века интерьеры. Несмотря на крайнюю строгость системы гильдий, возможно, даже благодаря к этому французская мебель достигла в восемнадцатом веке такого состояния совершенства, что его искали по всей Европе. Положение о гильдии поощрял специализацию и побуждал сыновей мастеров к продолжать торговлю своих отцов перспективой экономических выгод. Результатом стало исключительное профессиональное мастерство и рост настоящих династии столяров и краснодеревщиков, передавших секреты своего ремесло от отца к сыну. Таким образом, менюзьер практиковал только создание актуальной формы мебель; эбенист создал сложные слои инкрустации и отделка поверхности, а еще один мастер отвечал за подгонку украшение из позолоченной бронзы по подготовленному каркасу; ни одна гильдия не была разрешена вторгаться на чужую территорию. Как и в других искусствах, отлично имена возникли в каждом поле: Фолио , Леларж , Сене , Cressent , и все большее число немцев: Oeben , Riesener , Вайсвайлер . Они поднялись до влиятельных должностей и подписали Произведение одного из этих мастеров пользовалось таким же спросом, как любая картина Буше или Фрагонар. Рококо был стилем, в котором преобладал женский элемент, демонстрируемый в мебели гибкие и часто чувственные изгибы, хрупкий внешний вид, и даже терминология: duchesse (герцогиня) и sultane (султана). Цветы украсил большую часть стеновых панелей и мебели того периода, и многие буазери в стиле рококо украшены искусными обманками гирлянд и кусты цветов, населенные крошечными птицами и животными, прямыми потомками гротеска. Небольшой размер большей части мебели, особенно произведений, предназначенных для письма, почти исключает их использование человеком, хотя, как это ни парадоксально, но одно из лучших творений того периода, собственное творение Людовика XV. письменный стол, выполненный Обеном и Ризенером между 1760 и 1769 годами.большой и удивительно мужской.
	Фарфор иногда включали в Французский дизайн мебели, обычно в виде расписных бляшек или дисков. в бронзовых рамах. Большая часть продукции производится на заводе в Севре. Луи XV лично предоставил средства для поддержки предприятия по производству фарфора в Венсенне, недалеко от Парижа, специально для имитации мейсенского фарфора, который переехал в 1756 г. в Севр. Хотя это не первая фабрика во Франции по производству фарфора. (Руан и Сен-Клу действовали в последние годы семнадцатого века. век), Венсен-Севр был, безусловно, самым успешным в своем производстве фарфора с твердой пастой, среди которых были известные художники, такие как Буше. его дизайнеры. Ценность севрского фарфора подтверждается количеством отдельные предметы или наборы, например, сделанные для императрицы Марии Терезии в 1758 г. отправлены Людовиком XV в качестве дипломатических подарков. Другие известные наборы включают сервизы для Екатерины Великой и мадам дю Барри. Цвета доведенные до совершенства в Севре, не так уж отличаются от найденных у Буше. картины — зелено-голубой и чудесный розовый, известный как роза Помпадур. Типы производимых предметов варьировались от настенных бра до чернильниц. и вазы с попурри, некоторые из лучших образцов которых находятся в Коллекция произведений искусства Уоллеса, Лондон. Подробнее о фарфоре в стиле рококо и рококо скульптура, прочтите о двух выдающихся французских скульпторах Жане-Батист Пигаль (1714-1785) и Этьен Морис Фальконе (1716-1791). Стиль рококо во Франции представлен ее величайший художественный вклад до подъема импрессионизма в девятнадцатого века и охватил все искусства в такой степени, которую нигде не найти еще в Европе, кроме Германии. Удивительное качество французского рококо благодаря поддержанию самых высоких стандартов во всем. Оно имеет дополнительная привлекательность покровительства со стороны таких фигур, как мадам де Помпадур, с которым идентифицируется стиль, и он стоял в конце давней традиции лучших французских мастеров. Стиль рококо в Италии — Характеристики Большая часть истории рококо в Италии связана с живописью в Венеция — особенно картина великого гения Джамбаттиста Тьеполо (1696-1770) — начиная с важных произведений стиля в его наиболее оригинальном формы встречаются там. За исключением некоторых построек Юварры. и Бернардо Ииттоне, итальянская архитектура первой половины века. прямо переходит от позднего барокко к раннему неоклассицизму, с небольшими признаками определенного стиля рококо. Архитектура итальянского рококо, интерьер Дизайн и отделка Архитектура и декоративное искусство в искусстве доминировали работы двух мужчин на рубеже веков, Бернини и Борромини, но особенно последний. Вскоре, однако, ведущим архитектором Рима был Фердинандо Фуга (1699-1782), флорентиец величайшими работами которого были Палаццо делия Консульта (1732-37) и фасад Санта-Мария-Маджоре (1741-43). В первом тонкий ритм был создан не массивными порядками колонн, а тонкими пропорциями и слегка утопленные панели. Против них были установлены высокодекоративные окон, а все это венчала большая центральная скульптура ангелов поддерживает картуш. По своему эффекту он гораздо более скульптурен, чем любой Французское здание той же даты и больше связано с немецким. Рококо. Тот же центральный акцент находится на фасаде Санта-Мария. Маджоре, но там весь фасад задуман как открытая лоджия, облегченная только световой скульптурой. В других местах Рима другие архитектурные начинания приближались к духу рококо, как, например, в Испанская лестница (1723-25) на Франческо де Санктис . В то время как французские архитекторы, такие как Боффран, искали экономичный средства выражения изысканности своих интерьеров в экстерьере, Итальянские архитекторы по-прежнему гораздо больше заботились о внешнем виде. как средство для немедленного впечатления. Они часто посвящали свою энергию к этому за счет внутренностей и в результате только удалось внутри, где были задействованы огромные пространства, как в некоторых работах Филиппо Юварра (1678-1736). Юварра родился в Мессине в семье серебряников и получил образование в Риме под руководством Карло Фонтана, добившись первых успехов в качестве дизайнера. сложных и декоративных сценических декораций, опыт, который позже сослужить ему хорошую службу. После назначения Первым Архитектором Король при дворе Савойи в 1714 году, он путешествовал по Португалии, Лондону и, в 1719–1720 годах в Париже, вероятно, увидев французское рококо на его ранних стадиях. По возвращении он стал ближайшим аналогом французского архитектора-дизайнера в Италии. занимается не только архитектурой, но и интерьерами, мебелью и прикладного искусства. Его выдающимся достижением является спроектированный им охотничий домик. между 1729 г.и 1733 г. для двора в замке Ступиниджи, церкви Кармине (1732-35) в Турине и святилище Суперги близ Турин (1717-31). Из них Ступиниджи — его самое захватывающее творение. Гигантский крылья расходятся от куполообразного центрального ядра, увенчанного бронзовым оленем, белый экстерьер готовит к невероятной пространственной акробатике и цвет внутри центрального Большого зала, который близок ко многим залам Юварры. архитектурные фантазии и театральные рисунки. Широко используются иллюзионистские живопись, обманка урны заполняли гигантские ниши, нарисованные над множеством дымоходов в зал, а вдоль стен огибает мягко покачивающуюся галерею и, кажется, пробить великие пирсы. Это театральная демонстрация силы. По сравнению, Superga и Carmine кажутся немного педантичными, но первый сенсационно расположен на вершине холма, возвышающегося над окрестностями с его элегантный портик и высокий купол окружены башнями с луковичными куполами. Сопоставимым с Юваррой был Бернардо Йиттоне (1704-1770), который работал исключительно в Пьемонте, где он родился и куда вернулся после учится в Риме и редактирует «Архитектуру» великого архитектора эпохи барокко Гуарини. Гражданский». Его самые важные работы находятся в малоизвестных деревнях в Пьемонте. и объединить пространственную сложность Гуарини с легкостью и живостью Юварры. В этом ключе его шедеврами являются Святилище в Валлинотто (1738-39 гг.).) и церковь Санта-Кьяра в Бра 1742 года. а его интерьеры в стиле рококо считаются одними из лучших в Италии. В отличие от Франции, Италия не управлялась одним монархом, поэтому покровительство обычно ограничивалось определенный район страны, как в случае Юварры. Его покровитель Витторио Амадео II Савойскому посчастливилось иметь такого способного придворного архитектора, и для него Юварра спроектировал фасад Палаццо Мадама в Турине. (1718-21), и некоторые из немногих интерьеров, которые приближаются к французскому в качественный; таков Китайский зал Королевского дворца в Турине с его лаковые и позолоченные буазери, возможно, под влиянием Ж. А. Мейсонье. книга орнаментов, изданная в 1734 году. Сравнение интерьеров Юварры. с другими в Италии показывает, что он один стоял на равных с другие европейские дизайнеры. Итальянская мебель и декор в стиле рококо Искусство К сожалению, история итальянской мебели в стиле рококо не следует такой легкий узор, как френч. Стиль семнадцатого века перекрываются восемнадцатым, и части, которые якобы датируются до рубежа веков часто на самом деле намного позже. Большая часть Юварры мебель остается довольно тяжелой, используя естественные формы совсем по-другому. путь от французских дизайнеров, таких как Николя Пино или Мейсонье. Великолепие, оставшееся от эпохи барокко, по-прежнему было доминирующим настроением для всех крупных интерьеров, и не было ощущения, как во Франции, или даже Германии, для небольшого масштаба. Таким образом, были произведены более совершенные но одинаково внушительная мебель и обстановка. В то время как французский вкус был за постоянную новизну, итальянские интерьеры мало изменились после первоначального качели в стиле рококо были приняты. Как во Франции, так и в большей степени в Англии недавно богатые или умеренно обеспеченные теперь пытались быть в курсе современных событий. Что удивило большинство иностранных путешественников в Италии, так это пустота большие апартаменты, которые лежат за фасадами большинства больших дворцов. Отдельно из нескольких роскошных квартир во дворцах было много ничем не примечательных комнаты и их содержание не могли сравниться с французской мебелью и шик парижских стилей, которые итальянцы заменили безвкусными экстравагантность. Картины Pietro Longhi венецианских интерьеров вызовите в воображении скудно обставленные комнаты многих итальянских домов в стиле рококо. Фигуры Андреа Брустолон и Антонио Коррадини доминируют над венецианской дизайн в начале века, их тяжелые барочные формы продолжают быть произведены последующими мастерами спустя много времени после их смерти, почти до конца века. Тем не менее венецианцы были единственными итальянцы, которые серьезно относились к стилю рококо и подражали Французы, производящие преувеличенные комоды-бомбы, часто балансирующие на крошечных, хрупкие ноги. Немногие великие имена известны в области итальянского искусства восемнадцатого века. мебель, и в основном думают об очень важных отдельных предметах например, расписной и позолоченный каминный экран GM Bonzanigo в Королевском дворце. в Турине. В Италии даже больше, чем во Франции, явно ненасытный возник спрос на любопытные или необычные предметы, искусно расписанные в Венецианский стиль с деревенскими сценами или цветами, инкрустацией, но никогда с интимное мастерство французских эбенистов. Лак, тяжелая позолота, зеркала, окрашенное стекло и комбинации других материалов привели к изумлению и не всегда радует смешение стилей.
	Выдающимся в искусстве инкрустации стал Пьетро. Пиффетти (1700-77), работавший на Дом Савойи в Турине, создавший очень индивидуальная мебель, сочетающая вставки из дерева и слоновой кости с такими доработки в металле в виде масок по углам и креплений для ножек. Королевский дворец в Турине содержит несколько захватывающих дух экспонатов, буквально покрытых с инкрустацией из слоновой кости и иногда кажется, что поддерживается исключительно случайно, так хрупки ноги под их сложной верхней частью. В музее Civico in Turin — это карточный стол работы Пиффетти с печатью и датой 1758 года. совершенно убедительный trompe l’oeil игральных карт из слоновой кости и редких пород дерева. В второстепенных искусствах в Италии не производилось ничего значительного. по сравнению с другими регионами Европы, и уж точно не появилось ни одной керамической фабрики. соперничать с Севром. Но две фабрики производили фарфор, большую часть что конечно очень красиво — Виново в Пьемонте и Каподимонте за пределами Неаполя. Фарфор Capodimonte характеризуется блеском его окраски, часто в неожиданных сочетаниях, как это видно на знаменитом Фарфоровая комната из дворца Портичи (1754-59 гг. )). Итальянская живопись в стиле рококо Резюме Рококо появилось в Италии чуть позже чем во Франции. Ранние следы можно увидеть в более легком стиле позднего Живопись в стиле барокко, представленная в Риме, а также в Неаполе такими художниками, как Лука Джордано (1634-1705) и Франческо Солимена (1657-1747). Затем, в течение 25 лет, Венеция произведено Джамбаттиста Тьеполо (1696-1770), его сын Джандоменико (1727-1804), Антонио Каналетто (1697-1768), Пьетро Лонги (1701-85), Франческо Гварди (1712-93), Джованни Баттиста Пиранези (1720-78) и племянник Каналетто Бернардо Беллотто (1720–1780). Все они, кроме двух последних, отработали живет в Венеции, хотя Каналетто посетил Англию в 1746 г. Лонги и в меньшей степени младший Тьеполо изображал повседневную жизнь Венеции, первые в небольших холстах, вторые в рисунках; в то время как Каналетто, Гварди и Беллотто рисовали сцены на открытом воздухе на каналах и площади. Пиранези, хоть и родился в Венеции, но приехал в Рим в 1738 году. Картины его неизвестны, и его слава полностью основана на его офортах архитектуры и руин. Старший Тьеполо наиболее известен своими необычными фресками. государственной столовой ( Kaiseraal ) и потолок Гранд Лестница ( Trepenhaus ) в Вюрцбургской резиденции принца-епископа Карл Филипп фон Гриффенклау, несомненно, величайший и самый творческий шедевр в его карьере. В центре внимания был взлет фреска Аполлон, приводящий невесту (1750-1) в центре Trepenhaus, работа, которая величественно завершает итальянскую традицию фресковой живописи, начатой ​​Джотто (1270-1337) четыреста лет ранее. Тьеполо В старшем Тьеполо, и в нем одном, можно говорить о чистом стиле рококо, во многом родственном позднему барокко способами, но создавая совершенно новый тип визуального опыта. Не удивительно, многие из величайших венецианских качеств прошлого присутствуют в его работа: цвет и оригинальное воображение Тициана; типы фигур и роскошные материалы Паоло Веронезе, вместе с его любовью к роскошной классической архитектуре как фон для богатых зрелищ истории и мифологии. Искусственность атмосферы в его ранние фрески сразу связывают Тьеполо с основным направлением рококо. искусства, но в то время, когда он не мог знать многого о современном Французская живопись. С тех пор его карьера была головокружительной, пока его затмение в Мадриде в конце жизни от рук неоклассиков при Менгсе (1728-79). Его самый большой заказ пришелся на 1750 год, когда он отправился в Вюрцбург, чтобы рисовать фрески для только что построенного дворца и оставались там до 1753 г. украсить лестницу (самая большая фреска живопись в мире), Кайзерзал и часовня. Незадолго до уезжая в Вюрцбург, Тьеполо украсил Палаццо Лабиа в Венеции. с историей Антония и Клеопатры, одним из его самых запоминающихся воспоминаний классической истории. Сравнение стиля Тьеполо со стилем его современника Буше, обнаруживает другой и, возможно, более интеллектуальный темперамент. Его ледяной элегантные, но все же сладострастные обнаженные тела и его тонкое сопоставление типов, как на Вюрцбургской лестнице, где блестяще контрастируют «континенты», является более оригинальным и сложным, чем что-либо Буше. Это не было случайностью что Буше больше всего восхищался Тьеполо; «гораздо больше, чем у Ватто, его искусство — искусство театра, со сценой, намеренно приподнятой над нами, и актеры, которые держатся на расстоянии», — говорит Майкл Леви. В самом деле, его искусство — последнее, что действительно представляет аристократический стиль. идеалы, которые вскоре будут заменены республиканскими ценностями Французской революции, искусство, которое могло процветать только в таком упадочном городе, как Венеция в восемнадцатом веке Посмотреть Художники Хотя Тьеполо, отец и сын, были лучшими декораторами в городе, были ведутисты , или вид-живописцы, например Каналетто (1697-1768), чья большая слава принесла ему в Англию между 1746 и 1756 г. , и его племянник Бернардо Беллотто (1720-80). Картины Франческо Guardi (1712-93) – триумф изучения и понимания атмосферы. необычного воздействия венецианского света на воду и архитектуру. С минимальная палитра, в некоторых случаях почти полностью сведенная к простой зелени и серые, Гуарди во многом напоминает пейзаж и вид на каналы. так же, как Тьеполо рисует фигуры, и с волшебными цветными точками предполагает, что люди спешат или разговаривают на площади Сан Марко или любой из многочисленных площадей Венеции, которые он так явно любил. Пьетро Лонги (1702-85), напротив, специализировался на несколько неуклюжих изображениях современной жизни; в их однако в их неуклюжести кроется великое обаяние, и в часто восхитительно неожиданный выбор сюжета, например, «Носорог» (Национальная галерея, Лондон) или «Мавританский вестник» (Ca’ Rezzonico, Венеция). Но Италия никогда не была так счастлива со стилем рококо, как это было с предшествующий стиль барокко или стиль неоклассицизма, оба они тяжелее и более способно выражать grandezza такая любимая итальянского постренессансного искусства. Это, однако, появляется в Тьеполо в измененная форма, и это его имя остается неизвестным. Стиль рококо в Англии — Характеристики Из всех европейских стран, имевших перенял или внес свой вклад в стиль барокко, Англия была той, которая меньше всего внимания уделял рококо. Английский Архитектура рококо, интерьер Дизайн и оформление По крайней мере, в архитектуре Англия двинулась непосредственно от стиля барокко Рена и Ванбру к палладианству, переход был столь стремителен, что не допускал промежуточного развития. С такими зданиями, как Strawberry Hill Уолпола в Твикенхеме, построенными из 1748 г. , и Арбери, Уорикшир, той же даты и другой готический здания, возведенные в эпоху позднего Архитектура восемнадцатого века — это чувство, которое помещает эти работает в категории рококо, а не в каких-либо отношениях с рокайль. На самом деле Английский Готик разделен на две самостоятельные категории — «ассоциативный» и «рококо», последний беззаботная форма украшения, основанная на средневековых прецедентах. но достаточно легкомысленной, чтобы стать почти аналогом континентального рококо в смысле заброшенности и поверхностности. Уильям Кент (1684-1748), архитектор и декоратор, изобрел свой собственный словарь готического декора, которые так же быстро и эффективно распространились по Англии, как арабески континентального рококо. Но, кроме этого, рокайль в Англии коснулся лишь несколько интерьеров, немного качественной мебели, несколько картин и немного фарфора, в частности изделия Челси и Боу. Самый ранний образец рокайля в Англии. было поручено великому французскому дизайнеру Meissonnier герцогом Кингстонским в 1735 году за комплект столовой мебели из серебра. Но это был довольно редкий случай, и дизайн рококо, как правило, ограничивался к гравированному украшению на простых формах, почти полностью не затронутых стиль. Новые веяния распространялись преимущественно через сборники моделей. таких как Матиас Лок или Джонс «Джентльмен или Строитель» Товарищ» 1739 г., что сделало доступными детали в стиле рококо или квази-рококо каждому ремесленнику, который мог позволить себе объем. Тот факт, что это были только детали, оторванные от своего окружения, объясняют часто грубое качество большей части английской мебели в стиле рококо. так как мастер мог не следует ожидать, что он оценит органическую природу стиля с фрагменты. Как и в Италии и Франции, вкус патрона восемнадцатого века часто расширялся к Востоку в той или иной форме. учет нескольких рококо известные комнаты в Англии, такие как спальня в монастыре Ностелл, Йоркшир, 1745 г., или, самое главное. Дом Клейдона в Бакингемшире (около 1768 г.), где ряд комнат украсил некий Лайтфут, о котором Мало что известно. Однако в этих комнатах стиль отнюдь не такой чистый, как континентальное рококо. Декоративное искусство рококо появляется на другом английском языке. интерьеры городских и загородных домов и иногда самого высокого качества — особенно в холле в Рэгли, в близлежащем Хагли и в крутящемся лепнина братьев Франчини. который выполнил много лепных работ в Ирландии и особенно известны своей работой в Рассборо. Но это привлекательное местное мастерство далеко от совершенства, всеобъемлющие схемы континента. Английский Мебель и декор в стиле рококо Искусство В отличие от французов, английские краснодеревщики обычно не подписывал свои произведения, и поэтому известно сравнительно мало мужчин, таких как Джон Линнелл , Джон Кобб , Бенджамин Гудисон и Уильям Вайл , которые, похоже, много работали в новая мода. Однако имя Чиппендейл выдающееся, не только из-за качества его произведений, но и из-за его издание «Джентльмен и директор краснодеревщика» (1754). В своих проектах зеркал и каминов, часто приправленный шинуазри, можно увидеть экзотические образцы стиля рококо, ничуть не менее дотошные как французские буазери, но предназначены для использования в качестве отдельных элементов и редко как часть целой декоративной схемы. Точно так же сложные и фантастические резьба в зале в Клейдоне изолирована в классическом стиле. параметр. Английская живопись в стиле рококо В живописи два английских художника пошли на определенные уступки рококо — Уильям Хогарт (1697-1764) и Томас Гейнсборо (1727-88). Хогарт резко отреагировал против типа исторической живописи в стиле барокко, столь востребованной «любителями». и ввел в свою работу так называемую «Линию красоты», которая он объяснил в своем «Анализе красоты» (1753 г. ) и который была змеевидной линией, похожей на вытянутую букву «S». Это было, конечно, именно форма многих украшений в стиле рококо. Гейнсборо, напротив, начал жизнь как художник небольших, неестественных портретов, позже развивая более утонченный стиль после переезда в модную баню. Он нарисовал некоторые портреты в стиле рококо удивительно близки Буше, их парящие кисть и пернатые пейзажи, ярко-розовые и серебристо-серые оттенки ярко выражены. больше рококо, чем в любой современной английской живописи. См. также Регентство светский портретист Томас Лоуренс . Неоклассицизм захлестнул Англию с момента возвращения Роберта Адама в страну в 1758 году, но даже его целомудренный и эпиценский стиль перекликается с изысканным, дотошным качество большинства французских украшений в стиле рококо, а его готика такая же, как в стиле рококо. как любое украшение того периода в Англии. Швейцарский художник-портретист и исторический художник, Анжелика Кауфман (1741-1807), которым очень восхищался сэр Джошуа Рейнольдс за ее портреты, работал с Робертом Адамом над рядом его архитектурных украшения. Стиль рококо в Германии — Характеристики В отличие от великолепной сдержанности лучшее французское рококо, Германия предлагает захватывающий дух ассортимент некоторых из самых эпатажных и великолепных архитектурных и интерьерных решений в стиле рококо украшение в истории европейского искусства. Немецкая архитектура рококо, интерьер Дизайн и отделка Этот высокий стандарт совершенства распространяется от архитектуры до прикладного искусства. искусство — мебель, утварь и фарфор — хотя они редко превосходили те из Франции. Ничто во Франции, Италии или Англии 18-го века не может конкурировать явный избыток таких архитектурных шедевров, как Мельк или Дрезден Цвингер, и только по количеству первоклассных церквей и дворцов Германия легко опережает другие. Это может быть связано с тем, что то, что мы называемой сейчас Германией, в восемнадцатом веке была разделена на несколько различные княжества, царства и епископства, так что определенное соперничество должны были определить создание зданий большой важности — в отличие от Франция или Англия, где действительно важные заказы неизменно ограничивается небольшим числом посетителей. Немецкое рококо можно увидеть, чтобы проследить его истоки римских церквей периода барокко, таких как Сант Бернини Андреа аль Квиринале, где сочетаются цвет, свет и сложная скульптура. комбинированный. Это очевидно впервые в Германии в аббатстве Церковь Вельтенбурга, построенная после 1714 года, с овальным куполом, срезанным внутри. чтобы раскрыть фрески видения небес выше. Цвет был основной струной к банту немецкого рококо — розовый, сиреневый, лимонный, синий — все они были объединены или использованы по отдельности для достижения впечатляющего эффекта, как в Амалиенбурге под Мюнхеном. Более тяжелые изогнутые формы Барокко в немецком рококо превратились в более отрывистые ритмы, и один обнаруживает влияние крупного памятника барокко, такого как балдахин Бернини. в Риме св. Петра, преобразованном Бальтазар Neumann (1687-1753), в кондитерское изделие высшего порядка алтарь в Vierzehnheiligen, возможно, самый сложный и удовлетворяющий Немецкие церкви. В то время как формы комнат во Франции в восемнадцатом веке не менялись много, а план церковных зданий почти совсем, Немецкие архитекторы в стиле рококо исследовали все возможности. Стены не только кажутся качаться, несмотря на их огромные масштабы, но целые участки, кажется, были вырезаны, так что огромные потолки с фресками, полностью доминируют над большинством этих церквей, кажется, парят над прихожанами. Одна из самых захватывающих особенностей немецкого языка. архитектура в стиле рококо — это очень драматичное расположение некоторых из самых важные примеры, такие как аббатство Мельк г. Дж. Прандтауэр г., начато в 1702 году. Преднамеренно поставлено на командную позицию высоко над Дунай, две большие башни возвышаются над открытым двором впереди во внешний мир большой аркой палладианского типа. Такое чувство к драма, и для полной вовлеченности верующих как внешне, так и внутри, также находится в Эттале, в перевернутом виде, с монастырем преобладают окружающие горы. Светское строительство также достигло высокого уровня совершенства. Возможно, самые сложные примеры можно найти в Мюнхене и его окрестностях, где, как придворный карлик и архитектор, Франсуа Кювилье (1695-1768) был участвовал во многих зданиях, возможно, самым прекрасным из них был Амалиенбург. Этот небольшой павильон, построенный между 1734 и 1739 годами и названный в честь курфюрста жена, обладает, по словам Хью Гонора, «легким изяществом и тонкой деликатностью». Его плавно покачивающийся фасад, неглубокий руст и необычные фронтоны предвещают один из красивейших залов Европы — знаменитый Зеркальный зал с его серебристая рокайль на пудрово-голубом фоне и сверкающем стекле. На противоположном конце шкалы находится Cuvillies Residenz-театр в Мюнхене. (1751-53) использует богато позолоченные фигуры и музыкальные инструменты для обрамления весь зрительный зал, ярко контрастируя с красным штофом и бархатом стен и сидений. В Потсдаме и Дрездене никогда не было такого утонченного стиля рококо, как в Мюнхен, но такие здания, как Цвингер (1709-19) по Поппельманн в Дрездене поражают своим масштабом и обилием декоративных деталей. Эффект этого типа архитектуры чувствуется и в маленьком дворце. Сан-Суси в Потсдаме (1745-51), построенный для Фридриха I. Большой. Благодаря своему масштабу, роскоши и непреодолимому величию деталей, рококо Германия занимает первое место в Европе. Подробнее об интерьерах в стиле рококо в России см. работу Бартоломео Растрелли (1700-71). Поздние варианты рококо Стиль рококо никогда не вымирал в провинциальной Франции. ← Чем мыть электрический духовой шкаф: Seite nicht gefunden | Candy Навесной потолок в прихожей фото: дизайн с фотопечатью двухуровневого парящего потолочного покрытия с глянцевой поверхностью для длинной прихожей → Добавить комментарий Отменить ответ Ваш адрес email не будет опубликован. Обязательные поля помечены * Комментарий * Имя * Email * Сайт