Русская архитектура или живопись в конце 18 начале 19 века – Художественная культура России в первой половине XIX века. Живопись. Музыка. Архитектура

Изобразительные искусства и архитектура в XIX веке

Памятник Минину и Пожарскому. И. П. Мартос. 1804-1818 годы.

В начале XIX в. глубокие сдвиги в общественной жизни России способствовали вызреванию новых течений в живописи, скульптуре и архитектуре. Под влиянием общественного и патриотического подъема новое содержание и плодотворное развитие в ряде областей искусства получает классицизм. В стиле зрелого классицизма с его мощными, сильными и монументально-простыми формами строятся лучшие общественные, административные, а также жилые здания Петербурга, Москвы и ряда провинциальных городов; обширными ансамблями украшаются главные города России: в Петербурге — Адмиралтейство А. Д. Захарова, Казанский собор и Горный институт — А. Н. Воронихина, Биржа — Тома де Томона и ряд сооружений К. И. Росси; в Москве — комплексы построек О. И. Бове, Д. И. Жилярди и других мастеров (новый фасад Университета, Манеж и др.).

В процессе интенсивного строительства в первые десятилетия XIX в. окончательно складывается классический облик Петербурга, тот поражавший своей прозрачностью, стройностью и величественностью образ «Северной Пальмиры», который воспели А. С. Пушкин, К. Н. Батюшков и другие поэты. Неувядаемой красоте зданий содействовала и монументально-декоративная скульптура, переживавшая в творениях И. П. Мартоса, Ф. Ф. Щедрина, В. И. Демута-Малиновского и С. С. Пименова свой большой расцвет. В памятнике Минину и Пожарскому Мартоса воплотилось высокое патриотическое воодушевление передовых людей тогдашнего русского общества.

Большим совершенством отличаются изделия декоративно-прикладного искусства этого времени, отмеченные классической ясностью и простотой форм. Мебель, произведения из чугуна и бронзы, керамика, резьба по дереву способствуют богатству и привлекательности внутреннего и внешнего убранства зданий, участвуя в общем создании стиля зрелого классицизма.

Здание Главного штаба в Петербурге. Архитектор К. И. Росси. Литография К. Беггрова 1820 года.

Развитие живописи и графики в начале ХIХв. определялось реалистическими исканиями, стремлением художников к непосредственным жизненным наблюдениям, что отражало общий процесс приближения искусства к действительности. Сломав старые, условные и ограниченные рамки художественного творчества, установленные классицистической эстетикой, живописцы и графики этого времени подходят к более свободному и широкому, порой окрашенному душевной взволнованностью восприятию и постижению окружающей природы и человека.

Большую роль в этом завоевании реального мира искусством, в усилении эмоционального, лирического начала играл романтизм, особенно заметно проявивший себя в портретной и пейзажной живописи. Плодотворное развитие в этот период получает бытовой жанр. Отмеченные чертами романтизма портреты работы О. А. Кипренского (1782—1836) выделяются среди современных ему произведений портретного искусства одухотворенностью и пленительной простотой образов. Тонкую поэзию умел почувствовать в природе Италии С. Ф. Щедрин (1751—1830). В своих пейзажах, овеянных мягким, мечтательным настроением, он стремился уловить живую жизнь природы, различные ее состояния. Глубокое внимание к народу, пробужденное передовым общественным движением, отразилось в творчестве В. А. Тропинина (1776— 1857) и особенно А. Г. Венецианова (1780—1847), в чьих жанровых картинах и портретах раскрывались нравственные качества крепостных крестьян, рисовался задушевный образ русской природы.

В 30—50-е годы обострение общественных противоречий после разгрома восстания декабристов, гнет реакции и в то же время непрекращавшиеся искания передовыми людьми путей дальнейшего развития России, вызревание революционно-демократической идеологии обусловили сложный характер искусства.

Последний день Помпеи. К. Брюллов. 1830-1831 годы.

Классицизм в этот период окончательно утрачивает свои прогрессивные стороны, вырождаясь в реакционный академизм. На почве отрицания самодержавного строя и вместе с тем разочарования в возможности близких социальных перемен, охватившего многие круги русского общества, а также с появлением новых философских воззрений значительное распространение получает романтизм, приобретающий по сравнению с началом XIX в. более противоречивый характер. Наряду с этим новое, сурово-объективное восприятие действительности порождало углубленные реалистические стремления, осуществлявшиеся подчас в рамках того же романтизма (в его передовых проявлениях). Но уже к 40-м годам происходит отчетливое изживание романтических тенденций, утверждение последовательно реалистических принципов в искусстве.

В архитектуре 30—50-х годов господствует стиль позднего классицизма, но в нем нарастают черты казенного холода и абстракции. Сооружения этого времени отличаются нарушением прежнего гармонического соотношения форм и в ряде случаев перегружены декоративным убранством. В скульптуре заметно усиливаются бытовые черты. В наиболее значительных монументах — памятниках Кутузову и Барклаю де Толли Б. И. Орловского и в изваяниях П. К. Клодта (фигуры коней на Аничковом мосту) — сказывается желание сочетать классическую строгость и монументальность с новыми приемами реалистической характеристики образа.

Пристальный интерес к вопросам исторического развития и судьбам народов, который был связан со всем характером передовых идей и миросозерцания людей той эпохи, побуждал художников искать больших обобщающих тем, в которых отразились бы значительные моменты в жизни человечества. На первое место в искусстве 30-х годов выдвигается историческая живопись. К. П. Брюллов (1799—1852) в картине «Последний день Помпеи» изобразил гибель людей, на которых обрушилась слепая, всеразрушающая стихия. Однако в истолковании этого события и в его художественном воплощении Брюллов шел несколько внешним путем. Несмотря на романтический пафос, Брюллов в композиции, изображении фигур людей не порывал полностью с приемами классицистической идеализации, желая увлечь зрителя пластической красотой человеческих тел. Большой убежденностью и жизненной силой характеристик отличались многие (в особенности небольшие по размерам) портреты Брюллова. Выразительность и смелость цветового решения делают эти портреты выдающимися созданиями искусства.

Парень, играющий в бабки. Н.С. Пименов. 1836 год.

Глубоко отразил в своем творчестве волнующие идеи современности Александр Андреевич Иванов (1806—1858). Остро ощущая социальную несправедливость, полный предчувствия грядущих перемен, он стремился найти тему, которая позволила бы показать, по его понятиям, поворотный момент в жизни человечества. Он остановился на евангельском рассказе о пришествии Мессии, казавшемся ему исполненным высокого исторического смысла. Более 20 лет художник трудился над своим монументальным полотном «Явление Христа народу», основной темой которого явилось духовное перерождение погрязших в страданиях и пороках людей. Сложная религиозно-нравственная идея о необходимости освобождения человечества от угнетения и рабства отражала противоречия в мировоззрении художника, свойственные в эти годы многим представителям дворянской интеллигенции, решавшим социальные вопросы в моральном плане. По мере работы над картиной особенно большое значение приобретал в ней образ раба, в котором, по словам самого художника, «сквозь привычное страдание впервые появилась отрада», сознание себя человеком. Огромное значение в развитии реалистического искусства имели многочисленные этюды Иванова к картине, в особенности его пейзажи. В поздний период Иванов свои замыслы и художественные искания пытался воплотить в серии эскизов на библейские сюжеты, по-новому осмыслив религиозные мифы. В высоко поэтической и совершенной художественной форме он передал красоту древних сказаний, рожденных народной фантазией, далеко уйдя от церковного понимания библии.

Задачам изображения окружающей будничной русской жизни, не получавшим настоящего отклика у мастеров исторической живописи, отвечало развитие бытового жанра, а также сатирической графики. Проникнутые живым сочувствием, а иногда и большой горечью сцены народной жизни встречаются в акварелях и рисунках Т. Г. Шевченко, картинах ряда учеников А. Г. Венецианова. К концу 30-х годов выступает группа рисовальщиков, иллюстрирующих произведения писателей так называемой натуральной школы.

В середине 40-х годов складывается глубоко демократическое по своему содержанию искусство Павла Андреевича Федотова (1815—1852), знаменующее новый этап в развитии бытового жанра. Рисуя быт чиновников, купцов, обедневших, хотя и не потерявших своих претензий дворян, Федотов делал достоянием искусства образы и темы, ранее не затрагивавшиеся жанровой живописью. Он показывал чванство и тупость чиновников, наивное самодовольство и хитрость толстосумов-купцов, безнадежную пустоту существования офицерства в провинции в эпоху николаевской реакции, горькую участь своего собрата-художника. Он сумел с меткой наблюдательностью при помощи красноречивых деталей охарактеризовать обстановку, типичное жизненное окружение фигур, развернуть сложное, подчас драматическое действие, с сатирической остротой изобразить характеры, поведение людей. Тонким психологизмом отличались и написанные им небольшие интимные портреты. Показывая уродство и темные стороны социальной жизни, творчество Федотова, созвучное современному ему направлению русской литературы, закладывало основы критического реализма в живописи.

В 50-е годы бытовой жанр приобретает все большее значение. Однако лишь в 60-е годы, в пору демократического подъема, бытовая живопись достигает уровня боевого искусства. Необходимость правдивого искусства, обращенного прежде всего к современной жизни, глубоко вскрывающего и бичующего социальные пороки, борющегося за интересы народа — эти требования, выдвигавшиеся Н. Г. Чернышевским и другими революционерами-демократами, находят свое отражение в творчестве Василия Григорьевича Перова (1834—1882), И. М. Прянишникова (1840—1894), Н. В. Неврева (1830—1904) и ряда других живописцев и рисовальщиков того времени. Обличение невежественного духовенства как опоры самодержавия, произвола чиновников, жестоких и грубых нравов купцов, изображение тяжелой доли крестьянства и забитости маленьких «униженных и оскорбленных» людей составляют основное содержание картин этих художников, пробуждающих в зрителе протест против тогдашнего общественного строя. Немалый вклад художники-шестидесятники внесли и в область портрета. Портреты Ф. М. Достоевского, А. Н. Островского, В. И. Даля и др., созданные Перовым, по глубине психологического и социального анализа представляют выдающиеся произведения портретной живописи.

Демократическое искусство утверждало себя в борьбе с салонным, безыдейным направлением в живописи и скульптуре, развивавшимся под эгидой Академии художеств. В 1863 г. 14 окончивших Академию учеников во главе с И. Н. Крамским (1837—1887), отказавшись выполнять программы на заданную тему, объединились в артель художников, чтобы иметь возможность служить своим искусством интересам общества. В 1870 г. возникло Товарищество передвижных художественных выставок, сгруппировавшее вокруг себя лучшие творческие силы. В противовес официальной Академии художеств «передвижники» поддерживали все передовые художественные начинания, сыграв огромную роль в развитии реалистического русского искусства.

Художественное движение 60-х годов подготовило почву для расцвета искусства в 70—80-е годы. Такую же почву подготавливала архитектура и искусство в 30-е годы XX века.

§ 5. Живопись и архитектура. История России с начала XVIII до конца XIX века

§ 5. Живопись и архитектура

Наиболее близким к повседневности был жанр гравюры, имевший довольно большой круг ценителей. Ведь очень многие книги имели гравированные изображения. Гравюры-картины проникали в интерьеры домов и т. д. Тематика гравюр была довольно разнообразной, большое распространение получили гравюры с изображением во множестве вариантов Полтавского боя. По гравюрам того времени можно создать довольно полное представление не только о битвах, но и о триумфах побед с торжественными колоннами войск, толпами пленных. Популярностью пользовались изображения известных крепостей и особенно строительства и видов новой столицы. Среди наиболее искусных граверов можно назвать Л. Бунина, А. Зубова, Ф. Зубова, А. Ростовцева, И. Адоль-ского, В. Киприанова и др.

С конца XVII в. интенсивно трансформируется русское живописное искусство. Традиции иконописи имеют тенденцию перехода в реалистическое отображение мира и людей. Развивается так называемый жанр парсуны — реалистического портрета, создаваемого в традиционной плоскостной манере. Художники этого жанра (Иван Безнин, Лука Смольянинов, Ерофей Елин, Михаил Челнаков и др.) находились под явным влиянием западноевропейской живописи. Создаются интересные «парсуны» и в начале века (например, портрет Нарышкиной с детьми, портрет Якова Тургенева).

В первые годы XVIII в. издаются специальные указы, касающиеся подготовки и воспитания художников. Традиционным российским способом (царским волеизъявлением) большую группу «мастеровых людей разных художеств» переселили («депортировали») в новую столицу, где был обширный фронт работ (росписи церквей, плафонов новых дворцов, станковая живопись, мелкая пластика). За счет казны наиболее талантливых посылали в длительные командировки за границу (А. Матвеев, И. Никитин, Р. Никитин, гравер С. Коровин и др.).

Еще до поездки в Италию Иван Никитин создает ряд интересных портретов (цесаревны Анны Петровны, царевен Прасковьи Ивановны и Натальи Алексеевны). Из работ более поздних заметно выделяется портрет канцлера Г.И. Головкина. Широко известна его работа «Портрет напольного гетмана» и, наконец, знаменитая работа «Петр I на смертном одре» (1725). Вторым виднейшим живописцем был Андрей Матвеев, становление которого происходило в Голландии. Им был создан ряд остро индивидуальных портретов (И.А. Голицына, А.П. Голицына), но особенно известен его «Автопортрет с женой». Последняя работа удивляет социальной смелостью, ибо, занимая как художник довольно низкое положение в обществе, в автопортрете он использовал композицию, типичную для изображения знатных персон.

В Россию приглашается и ряд иностранных художников, оставивших заметный след в истории искусства России. Это Луи Каравак, И.-Г. Таннауэр и др.

Архитектура переживала в петровское время переходный период, так или иначе отражавший западноевропейское влияние. Наиболее заметно оно в становлении в конце XVII — начале XVIII в. так называемого нарышкинского стиля, или стиля «московского барокко» церковной архитектуры. Прежде всего здесь меняется конструкция храма. Появляются храмы центрической композиции, устремленные ввысь, светлые и торжественные. Правда, нередко «запад» тонул в традиционном московском узорочье. Башнеобразные храмы дошли до нас в основном в подмосковных барских усадьбах. Это церкви в Троице-Лыкове, в Уборах (обе постройки архитектора Я. Бухвостова), это изящнейшая церковь Покрова в Филях, усадебный храм Л.К. Нарышкина. Шедевром храма башнеобразного типа является церковь в Дубровицах. Блестящим образцом сочетания элементов ордерной системы и новомосковского барокко являлась церковь архангела Гавриила или так называемая Меншикова башня (архитектор И.П. Зарудный). Не менее интересны образцы «нарышкинского стиля» в виде традиционных пятиглавых храмов Москвы. Это, в частности, изумительная по изяществу церковь Воскресения в Кадашах.

Появилась и принципиально новая архитектура, основанная на ордерной системе (колонны, портики, фронтоны и т. п.). Скромные элементы этой системы свойственны церкви Ивана Воина в Москве (1708–1714). Новшеством были и компактные храмы в виде ротонды, свойственные усадебным постройкам таких «западников», как Б.А. Голицын, князь Г.Ф. Долгоруков (храм в Подмоклове, 1714 г., церковь в Перово, 1715 г. и др.).

Интерьеры церковных храмов стали украшаться многоярусными деревянными иконостасами со сложнейшей декоративной резьбой, лучшими исполнителями которой были белорусские резчики по дереву. Одним из блестящих мастеров резьбы был и архитектор И.П. Зарудный.

Гражданская архитектура, наиболее ярко передающая новые тенденции в архитектуре, может быть представлена Палатами дьяка Аверкия Кириллова, что на Берсеневской набережной в Москве. Новшества имели и здания административно-хозяйственного назначения (например, здание Арсенала начала XVIII в. в Кремле).

Принципиально новая архитектура создала основу новой столицы России — Петербурга. Здесь с самого начала получил развитие северо-немецкий (голландский) вариант барокко со сдержанным суховатым декором, со стремлением к максимальной рациональности. Носителем этой тенденции был Д. Трезини. В первую очередь, это знаменитый собор Петра и Павла (1712–1732). Трезини принял активное участие и в планировке Петербурга, в частности, его Васильевской части. Временный деревянный Петербург быстро сменился «мазанковым», а этот последний уступил место каменному городу регулярной планировки (для этого во всем государстве было запрещено каменное строительство: Россия была бедна строительным камнем). Облик города создавали общественные здания (Адмиралтейство, Кунсткамера, Гостиные дворы, Петровские коллегии 1723–1734 гг.). В облик Петербурга вложили труд такие архитекторы, как Жан-Батист Леблон, Варфоломей Растрелли, А.Д. Захаров, И. Коробов и др.

Данный текст является ознакомительным фрагментом.

Читать книгу целиком

Поделитесь на страничке

Следующая глава >

новые стили и жанры, Академия художеств и первые картинные галереи.

После реформ Петра I и открытия «окна в Европу» кардинальным образом изменилась и русская культура. Перемены затронули и изобразительное искусство: русские художники познакомились с зарубежными «коллегами», иностранцы стали работать при дворе. Новые стили и жанры, Академия художеств и первые картинные галереи — вспоминаем, как развивалась русская живопись в XVIII веке.

Европейские пенсионеры и иностранные учителя

Иван Никитин. Портрет Петра I. 1720-ые гг. Русский музей, Санкт-Петербург

Андрей Матвеев. Автопортрет с женой. 1729 г. Русский музей, Санкт-Петербург

Иван Вишняков. Портрет Сарры Элеоноры Фермор. 1750 г. Русский музей, Санкт-Петербург

При Петре I людей разных профессий отправляли учиться за границу, в том числе и художников. Тех, кто получал знания за государственный счет, называли пенсионерами (от слова «пенсион» — содержание на время обучения). Среди первых живописцев, уехавших за границу в 1715 году, были Иван Никитин и Андрей Матвеев. Никитин прошел обучение в Италии и, вернувшись в Россию, работал при царском дворе. Его считают одним из основателей русской портретной школы. Андрей Матвеев учился в Голландии, позже он создал первый в истории русской живописи автопортрет.

За границей русские художники погружались в европейскую культурную среду. Они знакомились с направлениями, которые уже долгое время развивались в искусстве законодательницы мод Франции, национальной живописи Англии, наследнице Ренессанса Италии и Голландии. На манере их письма отражались популярные в Европе стили: маньеризм, барокко, рококо, классицизм. Однако художникам удавалось сохранять черты, присущие русскому искусству. Так, до середины XVIII века даже на полотнах в стиле вычурных барокко и рококо были заметны элементы аскетичной парсуны.

В творчестве одного художника часто проявлялись черты разных стилей. Происходило это оттого, что в Европе русские мастера знакомились сразу и с барочными мотивами, и с зарождающимся сентиментализмом.

Пока русские живописцы учились за рубежом, ко двору приглашали иностранных художников. Они писали полотна на заказ и набирали учеников «на местах». Одними из первых прибыли в Россию в начале XVIII века француз Луи Каравак и немец Иоганн Готфрид Таннауэр. Во времена Елизаветы важную роль в искусстве сыграли братья Гроот и итальянец Пьетро Ротари. Для обозначения работ иностранных художников в России XVIII века даже появился специальный термин — россика.

Новые жанры. От портрета — к городскому пейзажу

Неизвестный художник. Парсуна с изображением Евдокии Лопухиной, XVIII в. Чухломской краеведческий музей имени А.Ф. Писемского, Костромская обл.

Теплов Григорий. Натюрморт. 1737 г. Государственный Эрмитаж, Санкт -Петербург

Федор Алексеев. Вид Дворцовой набережной от Петропавловской крепости. 1794 г. Третьяковская галерея, Москва

Поток свежих идей хлынул в русскую живопись: художественные техники и приемы колористики, работа с композицией и новые жанры. В книге «История русского искусства» Игорь Грабарь писал: «С уверенностью можно сказать лишь то, что одним из главных факторов, решивших судьбу русской живописи, было появление портрета». Новый жанр был связан с парсунной живописью, которая получила распространение в XVII столетии. Парсуной (от искаженного «персона») условно называли портрет, в котором наряду с традиционными иконописными чертами стали появляться и более реалистичные мотивы. Художники, до этого писавшие иконы, стали обращаться к человеку и его внутреннему миру. Краски становились более яркими, а сюжеты — более светскими. В XVIII столетии — его называли «веком портретов» — появилось множество вариантов этого жанра: роскошный парадный, автопортрет и изображение на одном полотне сразу двоих людей.

С 1740-х годов стал более популярным скромный камерный портрет. Известными портретистами были Алексей Антропов и Иван Аргунов. Аргунов стал одним из первых крепостных художников, добившихся славы живописца и сумевших основать художественную династию. Его двоюродный брат и оба сына стали архитекторами и художниками.

В XVIII веке развивался не только портретный жанр. Григорий Теплов написал первый натюрморт. Антон Лосенко создал первую картину в историческом жанре. Его начинания продолжили ученики — Петр Соколов, Григорий Угрюмов и Иван Пучинов. Бытовая живопись стала заметным явлением благодаря творчеству бывшего крепостного Михаила Шибанова. Полотна о жизни русских крестьян писал Иван Ерменёв. Он был сыном конюха, окончил Академию художеств, учился в Париже. Кисти Ерменева принадлежала целая серия «Нищие».

Еще одним новшеством для XVIII века стало изображение природы и романтики города. Основоположником пейзажного жанра считается Семен Щедрин, а городского пейзажа — живописец Федор Алексеев.

Академия художеств и первые картинные галереи

Федор Рокотов. Коронационный портрет Екатерины II. 1763 г. Третьяковская галерея, Москва

Владимир Боровиковский. Портрет Елены Александровны Нарышкиной 1799 г. Третьяковская галерея, Москва

Михаил Шибанов. Празднество свадебного договора. 1777 г. Третьяковская галерея, Москва

В XVIII веке в корне изменилось само отношение к живописи. Работа художника становилась профессией. В эти годы появилась Академия художеств, высшее учебное заведение, где обучали изобразительным искусствам. Она была создана по примеру школ, уже существовавших в Болонье, Милане, Париже, Берлине и Вене. Изначально в Академии преподавали лишь иностранцы, поэтому воспитанникам приходилось учить языки своих наставников. Первыми выпускниками учебного заведения стали Федор Рокотов, Антон Лосенко, Василий Баженов, Иван Старов.

При Петре I появились и первые частные коллекции живописи. Полотна собирали Александр Меншиков, Борис Шереметев, князья Голицыны. Императрица Елизавета Петровна создала первые картинные галереи при дворе. И совершенно все изменилось при Екатерине II: «музеи» живописи теперь контролировали на государственном уровне. Иностранных мастеров приглашали ко двору, картины скупали через российских дипломатов за рубежом. Екатерина II собрала достойную коллекцию западноевропейского искусства. Именно на ее основе к концу века был сформирован один из богатейших фондов живописи в мире — будущий Эрмитаж.

§ 20. АРХИТЕКТУРА, ЖИВОПИСЬ, ТЕАТР. История России. XIX век. 8 класс

§ 20. АРХИТЕКТУРА, ЖИВОПИСЬ, ТЕАТР

АРХИТЕКТУРА. Первая половина XIX в. – время расцвета русского градостроительства. Главным архитектурным стилем был классицизм. Его высокий гражданственный пафос на многие годы определил внешний облик городов России: по числу и масштабам городские ансамбли, созданные в начале XIX в., превосходят те, что были построены в предшествующее столетие. С наибольшей полнотой достижения русского классицизма воплотились в творчестве А. Н. Воронихина, А. Д. Захарова, Ж. Тома де Томона и К. И. Росси.

Андрей Никифорович Воронихин, крепостной графа Строганова, получил «вольную» в 1786 г. и учился зодчеству у знаменитых архитекторов В. И. Баженова и М. Ф. Казакова. Главное событие в жизни А. Н. Воронихина – возведение в 1801 – 1811 гг. Казанского собора в Петербурге. При строительстве купола собора впервые в России были применены металлические конструкции. Облик здания определялся не только прекрасной колоннадой со стороны северного фасада, но и монументальностью скульптурного решения. В создании скульптур Казанского собора участвовали крупнейшие мастера своего времени: И. П. Мартос, Ф. Ф. Щедрин и др. В эти же годы А. Н. Воронихин возвел здание Горного института в Петербурге и парковые сооружения в Павловске.

Андреян Дмитриевич Захаров получил известность за разработку проекта планировки стрелки Васильевского острова в столице (1803 – 1804). Однако самым крупным из сохранившихся сооружений, созданных А. Д. Захаровым, является Адмиралтейство (1806 – 1823). Задача, стоявшая перед зодчим, была очень сложной. Здание пришлось не строить заново, а реконструировать. Адмиралтейство – не только ключевой элемент архитектурной композиции центра Петербурга. Оно должно было языком декоративной скульптуры рассказать о славе и истории русского флота. А. Д. Захаров сохранил замечательный золоченый шпиль центральной башни, созданный ранее И. К. Коробовым, но обогатил ее архитектурное решение скульптурами Ветров, Кораблестроения и др.

Казанский собор в Петербурге (арх. А. Н. Воронихин)

Вид на Дворцовую площадь и Зимний дворец от Арки Главного штаба (арх. К. И. Росси). В центре – Александровская колонна (арх. О. Монферран)

В начале XIX в. несколько крупных построек создал швейцарец Ж. Тома де Томон. Значительным его успехом стало здание Биржи на стрелке Васильевского острова в Петербурге (1804 – 1811). Корпус Биржи был поднят на высокий цоколь, предназначавшийся для расположившихся в нем торговых складов. Главная часть здания – парадный зал – возвысилась над монументальным и торжественным сооружением.

Крупнейшим зодчим Петербурга был Карл Иванович Росси. Ему принадлежат важнейшие сооружения столицы: здание Главного штаба и министерств на Дворцовой площади, ансамбль Михайловского дворца (ныне Русский музей), ансамбль Александрийского театра и, наконец, здание Сената и Синода. Каждый раз зодчий расширял свою задачу, не просто вписывая сооружения в улицы и площади Петербурга, но и придавая районам столицы новый облик.

В 30 – 50-е гг. в русской архитектуре появились черты, связанные с зарождением нового направления, именуемого «историзмом», или «эклектикой». Это направление отличал глубокий интерес к древнеегипетскому, арабскому, индийскому, греческому, готическому и византийскому стилям, их сочетаниям.

Переходным можно считать творчество московских зодчих О. И. Бове, Д. И. Жилярди и А. Л. Витберга. С именем Осипа Ивановича Бове связано строительство Торговых рядов, создание Театральной площади и Большого театра, Первой градской больницы, Триумфальной арки (ныне расположенной на Кутузовском проспекте).

Демьян (Доменико) Иванович Жилярди прославился реконструкцией здания Московского университета, полностью изменившей его фасад, строительством Опекунского совета на Солянке.

А. Л. Витберг создал проект храма на Воробьевых горах в память о победе России в Отечественной войне 1812 г. Главное здание планировалось соорудить на верхней террасе и связать подземными переходами и залами с берегом Москвы-реки, где должна была разместиться мемориальная галерея-колоннада. В результате придворных интриг работы по строительству храма оказались сорваны, а архитектор обвинен в растрате казенных сумм и сослан в Вятку.

Здание Опекунского совета в Москве (арх. Д. И. Жилярди)

Исаакиевский собор в Петербурге (арх. О. Монферран)

Последним из плеяды великих зодчих первой половины XIX в. следует назвать О. Монферрана, с именем которого связаны постройка Исаакиевского собора в Петербурге и возведение Александровской колонны на Дворцовой площади столицы.

Исаакиевский собор – крупнейшее сооружение своего времени, возводившееся 40 лет, с 1818 по 1858 г., – до сих пор вызывает споры. Здание тяжелое, перенасыщенное украшениями, мрачное и темное внутри, ему не хватает, пожалуй, высокой торжественности храма.

Александровская же колонна прекрасно вписалась в ансамбль Дворцовой площади и придала ему большую выразительность и законченность.

ЖИВОПИСЬ И СКУЛЬПТУРА. Для русской живописи и скульптуры 1801 – 1855 гг. – время исканий и расцвета, прорыва к мировой славе. Одним из крупнейших портретистов был Орест Адамович Кипренский, в творчестве которого наиболее ярко отразились романтические искания художников начала века. Его автопортрет, портреты Д. В. Давыдова, Е. Л. Ростопчиной, В. А. Жуковского, А. С. Пушкина выразили новое представление о ценности личности, ее неповторимости, о содержании внутреннего мира человека. О. А. Кипренский предстает перед нами художником, внимательно вглядывающимся в мир, пытающимся разгадать тайну человека и человечества. Недаром он был первым художником, который, по словам А. А. Иванова, «вынес имя русского в известность в Европе».

О.А.Кипренский. Автопортрет

Василий Андреевич Тропинин, как и О. А. Кипренский, был сыном крепостных, по милости владельца окончил Академию художеств и начинал с портретной живописи. Известен его портрет А. С. Пушкина. В историю русской живописи В. А. Тропинин вошел не только как портретист, но и как создатель особого вида жанровой картины – поясного изображения человека, занятого несложным, привычным делом. Множество копий и вариантов его «Пряхи», «Кружевницы», «Украинца с палкой» свидетельствуют о популярности этих картин у современников.

Алексей Гаврилович Венецианов стал первым русским художником, сознательно избравшим бытовой жанр основной областью своего творчества. В отличие от В. А. Тропинина, он разрабатывал форму многофигурной композиции, в которой большую роль играл пейзаж или интерьер. Красота и поэтичность венециановских крестьянок не означали идеализации крепостного подневольного труда. Они говорили об уважении, симпатии художника к крестьянскому труду, желании подчеркнуть их нравственную привлекательность. Картины А. Г. Венецианова «На пашне. Весна», «Гумно», «На жатве. Лето» и др. вызвали такой широкий резонанс, что заставили художника подумать о создании собственной школы.

Даже в этом ряду блестящих живописцев выделяется Карл Павлович Брюллов, оказавший огромное влияние на русское искусство. Он был неповторимым мастером цвета, вспомним хотя бы его картины «Девушка, собирающая виноград в окрестностях Неаполя» и «Итальянский полдень». К. П. Брюллов многого добился и в портретном жанре, принесшем ему европейскую известность. Его портреты поражали необыкновенной динамикой («Всадница»), мастерством композиции и необычным колоритом («Портрет графини Ю. П. Самойловой с воспитанницей Амалицией», «Портрет княгини Е. П. Салтыковой»). Особую славу художнику принесло полотно «Последний день Помпеи», в котором проявились все лучшие стороны его дарования. Каждая группа, представленная на нем, необыкновенно значительна, каждая фигура настолько пластична, цельна и объемна, что создает ощущение, будто ее можно обойти кругом и осмотреть со всех сторон. Картина «Последний день Помпеи», законченная в 1833 г., получила золотую медаль на выставке в Париже. Ее шумный успех, горячее одобрение В. А. Жуковского, А. С. Пушкина, Н. В. Гоголя произвели переворот в российской живописи. Пожалуй, впервые в выставочные залы пошел купец и мещанин: всем хотелось увидеть новое чудо.

В. А. Тропинин. Автопортрет

Интерес публики к живописи поддержал один из величайших русских художников Александр Андреевич Иванов. Работа над замечательной философско-исторической картиной «Явление Христа народу» заняла большую часть его жизни (1837 – 1857). Художник мастерски выстроил композицию, создав ансамбли, связанные схожестью людей или контрастом между ними. Искреннее религиозное чувство, воплощенное с необыкновенной глубиной, идеи спасения человечества и сегодня волнуют зрителя.

От А. А. Иванова через Павла Андреевича Федотова, плодотворно разрабатывавшего жанр бытовой живописи («Свежий кавалер», «Сватовство майора», «Завтрак аристократа»), легла прямая дорога к творчеству передвижников, к новому этапу русской живописи.

В первой половине XIX в. активно развивалось искусство скульптуры, особенно скульптуры монументальной. И. П. Мартос (памятник Минину и Пожарскому на Красной площади в Москве), В. И. Демут-Малиновский и С. С. Пименов (скульптуры Арки Главного штаба), замечательный медальер Ф. П. Толстой, И. П. Витали (многофигурные композиции на зданиях технического училища, Сиротского института, Триумфальных ворот), П. К. Клодт («Укрощение коня» на Аничковом мосту в Петербурге, памятник И. А. Крылову в Летнем саду, памятник Николаю I у Исаакиевского собора) составляют славу и гордость русской культуры. Их работам свойственно многогранное и непосредственное отражение действительности и высочайшее мастерство. Искания скульпторов первой половины XIX в. подготовили появление М. М. Антокольского, Ф. Ф. Каменского, А. М. Опекушина и др.

МУЗЫКА. В начале XIX столетия музыка впервые широко обратилась к народной мелодии и национальной тематике. Крылатые слова М. И. Глинки: «Создает музыку народ, а мы, художники, только ее аранжируем», – стали программой для композиторов и исполнителей. Музицирование, посещение музыкальных спектаклей были в эти годы и обязательной частью образования, и любимой формой проведения досуга. Музыка помогала сосланным декабристам и утешала их. На поселении в Сибири они организовали хор, а Ф. Ф. Вадковский, А. П. Юшневский, Н. А. Крюков и П. Н. Свистунов оказались неплохими музыкантами. По свидетельству современника, «лакеи говорили цитатами из «Русалки», а горничные распевали арии из этой же пьесы».

Михаил Иванович Глинка (1804 – 1857)

Александр Сергеевич Даргомыжский (1813 – 1869)

Правда, «Русалка» – это уже 30-е гг. В начале же XIX в. ярче всего расцвел жанр песни-романса, доступный широким слоям слушателей и любимый ими. Именно романс ввел в классическую музыку специфически русскую интонацию и мелодику. Песни и романсы А. Е. Варламова, А. Л. Гурилева, А. А. Алябьева мелодичностью и безыскусной простотой приобщили к музыкальной культуре многих.

Начало новой эры в развитии русской музыки связано с именем Михаила Ивановича Глинки. Не получив систематического музыкального образования, он поднялся к вершинам мировой культуры. Огромное значение для него имело общение с замечательными поэтами А. С. Пушкиным, А. А. Дельвигом, В. А. Жуковским. М. И. Глинка создал первые классические образцы национальной оперы, симфонической и инструментальной музыки. Его оперы «Жизнь за царя» («Иван Сусанин») и «Руслан и Людмила» дали начало двум основным линиям в русском оперном искусстве XIX в. – народно-героической и легендарно-сказочной. Оркестровые сочинения М. И. Глинки «Арагонская хота», «Камаринская» оказали огромное влияние на русскую симфоническую классику.

Работу М. И. Глинки продолжили его преемники, первым среди которых надо назвать Александра Сергеевича Даргомыжского. Особое внимание уделял композитор декламационной песне и опере. Свидетельством этому романсы и песни А. С. Даргомыжского «Титулярный советник», «Старый капрал». Однако по драматической глубине и силе важнейшее место среди его работ занимает опера «Русалка» по поэме А. С. Пушкина. Это подлинный шедевр оперной классики, долгие годы не сходящий со сцен театров.

Творчество композиторов и исполнителей первой половины XIX в. подготовило почву для возникновения в конце 50-х гг. Русского музыкального общества, а затем и «Могучей кучки», для нового этапа в развитии русской национальной музыкальной культуры.

ТЕАТР. Настоящий переворот произошел в эти годы и в русском театре. Он связан с деятельностью плеяды замечательных актеров московского Малого и петербургского Александрийского театров.

В театральном искусстве России первой половины XIX в. главными были фигуры антрепренеров и актеров. Режиссеру в этом ряду места пока еще не было. Театральные постановки поэтому страдали небрежностью, в них не было той глубины, которую придает спектаклю режиссер. Нет худа без добра: театр являлся в полном смысле этого слова театром актера. Мастерство, индивидуальность артистов определяли лицо спектакля, славу и популярность театра.

Плеяду великолепных мастеров сцены возглавил Михаил Семенович Щепкин. Сын крепостного, М. С. Щепкин с 17 лет выступал на профессиональной сцене, но только в 33 года освободился от крепостной зависимости. Он первым стал играть без суфлеров, внес в игру неисчерпаемый запас жизненных наблюдений. Он повидал и узнал за свою жизнь разное, бывал и в царском дворце, и в крестьянской избе. М. С. Щепкина считают актером-универсалом. Были пьесы, в которых он переиграл все роли, включая молодых девушек. Он испытал все актерские амплуа – от трагика до комических старух. М. С. Щепкин во многом предвосхитил актерскую систему К. С. Станиславского, утверждая, что надо сделаться тем человеком, в образе которого выходишь на сцену. Быть не подражателем, а художником, умеющим переживать внутреннюю достоверность, опирающуюся на знание человеческих типов.

На сцене он умел делать удивительные вещи. В «Скупом рыцаре», например, актер умудрился показать зрителю скупца, феодала-рыцаря, придворного, воина и отца – и все это в одном знаменитом монологе. Однажды, исполняя роль Фамусова в «Горе от ума», М. С. Щепкин перевел все внимание публики с говорящего Чацкого на молчавшего Фамусова. Позже он корил себя за это «преступление» перед искусством. Когда в 1831 г. артист подал заявление о возобновлении контракта с Малым театром, директор наложил замечательную резолюцию: «На сто лет, только бы прожил».

С кем же из современных актеров сравнивали М. С. Щепкина? Одновременно с ним на сценах Москвы и Петербурга блистали П. С. Мочалов, В. А. Каратыгин, чуть позже – П. М. Садовский, любимцы публики, по уровню мастерства не уступавшие М. С. Щепкину. Но М. С. Щепкин был все-таки уникальным театральным явлением. Как бился он за свой репертуар! В 1830 г. он впервые поставил в свой бенефис «Горе от ума», в 1852 г. добился снятия цензурного запрета со «Скупого рыцаря», в 1862 г. отвоевал «Нахлебника» И. С. Тургенева и «Свои люди – сочтемся!» А. Н. Островского.

М. С. Щепкин был тем актером и человеком, которые сделали русский театр явлением не только культуры, но и общественной жизни.

Архитектура, живопись, музыка, театр – каждая из этих сфер культуры переживала в первой половине XIX в. период зрелости и расцвета. Их объединяли новаторский подход к задачам искусства, интерес к национальной тематике. Появилась целая плеяда талантливых зодчих, художников, композиторов, актеров, принесших славу русской культуре, сделавших ее достоянием человечества.

Михаил Семенович Щепкин (1788 – 1869)

ВОПРОСЫ И ЗАДАНИЯ

1) Расскажите о любимой вами картине русского художника первой половины XIX в.

2) Объясните слова М. И. Глинки: «Музыку создает народ, а мы ее только аранжируем».

3) На основе материала параграфа дайте оценку игры на сцене М. С. Щепкина. Что изменилось в восприятии актеров публикой?

4) Составьте краткие тезисы к ответу на вопрос о значении русской живописи и музыки первой половины XIX в.

СОБЫТИЕ – СОВРЕМЕННИК

ОБ АЛЕКСАНДРОВСКОЙ КОЛОННЕ

…Сие гигантское предприятие, превышающее все доселе совершенное в сем роде народами древними и новыми… было сделано 30 августа в день Святого благоверного князя Александра Невского …и было приведено в действие посредством 60 машин при помощи 2000 гвардейских солдат, избранных из числа тех… кои служили под знаменем монарха, в честь коего сооружался памятник. Медленно и величаво поднималась гранитная громада, движимая руками воинов. Боязливое опасение и надежда волновали сердца присутствующих. <…> Но вдруг радостные, тысячекратно повторявшиеся восклицания возвестили завершение многотрудного подвига.

Из статьи в газете «Северная пчела» (1832)

1) В честь кого была воздвигнута Александровская колонна на Дворцовой площади Петербурга?

2) Почему честь открытия колонны была доверена «избранным» гвардейским солдатам?

О РУССКОЙ МУЗЫКЕ

Да, русская школа существует, со времени Глинки, с такими своеобразными чертами физиономии, которые отличают ее от других европейских школ.

Какие же силы создали особенности нашей школы, какие элементы дали ей исключительное направление и своеобразную физиономию?

Такою силою и элементом было, раньше всего, отсутствие предрассудков и слепой веры. Начиная с Глинки, русская музыкальная школа отличается полною самостоятельностью мысли и взгляда на то, что создано до сих пор в музыке. Общепризнанные авторитеты для нее не существуют. Она желает сама все проверить, сама во всем убедиться и только тогда согласна признать великость композитора и значительность созданного.

Еще одна крупная черта характеризует новую нашу школу – это стремление ее к национальности. Оно началось еще с Глинки и продолжается непрерывно до сих пор. Такого стремления нельзя найти ни у одной другой европейской школы…

Из статьи В. В. Стасова «Двадцать пять лет русского искусства»

1) О каких чертах русской музыкальной школы пишет В. В. Стасов?

2) Какую роль в ее формировании играло отмеченное критиком «отсутствие предрассудков и слепой веры»?

ИСТОРИЧЕСКАЯ РАЗНОГОЛОСИЦА, ИЛИ КТО ПРАВ?

Судьба русского искусства вообще и в частности живописи престранная. Литература уже с половины прошлого века начинает отражать в себе общественные настроения, быстро затем крепнет и растет. <…> Однако другие искусства, искусство образа, пластической формы тем временем как-то маются, перебиваются, всегда оставаясь далеко позади литературы и музыки, каким-то слабым их отголоском.

Из книги художника А. Н. Бенуа «История русской живописи в XIX веке»

В развитии русского искусства прошлого века 1800 – 1820-е годы – самостоятельный этап. Искусство этих лет пронизано идеалами, рожденными широким общественным подъемом эпохи Отечественной войны 1812 года и нарастанием революционного движения в России в его первый дворянский период… Интерес к изобразительному искусству охватывает все более широкие общественные слои: это сказалось и в формировании новых центров художественного образования…

Из «Истории русского искусства»

ЗАГАДКА ОТ ХУДОЖНИКА

А. Г. Венецианов в одном из своих писем вспоминал: «Я решился победить, уехал в деревню и принялся работать. Для успеха в этом мне надобно было оставить все правила и манеры, двенадцатилетним копированием в Эрмитаже приобретенные».

Почему живописец должен был забыть годы своего ученичества? И о каком успехе он говорит?

?

ПОСПОРИМ?

(Темы для дискуссий)

1) Один из исследователей писал, что роль Н. М. Карамзина в развитии русской культуры заключается в том, что «Карамзин создавал сам себя». Почему это было важно для развития культуры?

2) Первые тридцать лет XIX в. называют «золотым веком» русской культуры: почему он наступил?

ЧТО ЕЩЕ ПОЧИТАТЬ ПО ГЛАВЕ ШЕСТОЙ?

Алпатов М. В. Немеркнущее наследие. М., 1990.

Бенуа А. Н. История русской живописи в XIX веке. М., 1995.

Вайль П., Генис А. Родная речь. М., 1995.

История русского искусства. Т. 1. Искусство X – первой половины XIX в. М., 1991.

Данный текст является ознакомительным фрагментом.

Читать книгу целиком

Поделитесь на страничке

Следующая глава >

5. Русская культура 19 века Архитектура и скульптура.

Конец 18 и начало 19 века – это эпоха классицизма в русском зодчестве, наложившая яркий отпечаток на архитектурный облик обеих столиц и других городов.

Классицизм – европейское культурно-эстетическое движение, которое ориентировалось на античное (древнегреческое и древнеримское) искусство, на античную литературу и мифологию.

Постройки в стиле классицизма отличаются ясностью, уравновешенностью, чётким и спокойным ритмом, выветренностью пропорций. Главными законами архитектурной композиции были симметрия, подчёркивание центра, общая гармония частей и целого.

Парадный вход в здание располагался в центре и оформлялся в виде портика (выступающей в перёд части здания с колоннами и фронтоном). Колонны должны были по цвету отличаться от стен. Обычно колонны были белыми, стены – жёлтыми.

Ещё в середине 18 века Петербург был городом одиночных архитектурных ансамблей, утопал в зелени усадеб и был во многом похож на старую Москву. Затем началась регулярная застройка города вдоль прорезавших его проспектов, лучами расходившихся от Адмиралтейства. Петербургский классицизм – это архитектура не отдельных зданий, а целых проспектов и ансамблей, поражающих своей уравновешенностью, единством и гармоничностью.

Работа по упорядочению центра Петербурга началась с возведения Адмиралтейства по проекту Андреяна Дмитриевича Захарова (1761-1811). В громадном здании архитектор выделил центральную башню. Её динамичный вертикальный ритм как бы отталкивается от массивного кубического основания, переходит в меньший куб с лёгкой колоннадой, и затем стремительно взлетает золоченая игла с корабликом. Торжественно-мажорный ритм Адмиралтейства задал тон всей архитектуре города на Ниве, а кораблик стал его символом.

Принципиальное значение имело возведение в начале 19 века здания Биржи на стрелке васильевского острова. Именно это здание должно было объединить ансамбли, сложившиеся вокруг самого широкого участка русла Невы. Проектирование Биржи и оформление стрелки было поручено французскому архитектору Тома де Томону. В доработке проекта участвовал А. Д. Захаров. Творческое сооружение архитекторов привело к блестящему решению задачи. Зеркало Невы объединило систему Петропавловская крепость – стрелка васильевского острова – Дворцовая набережная. Объём здания Биржи сравнительно не велик, но мощь его архитектурных форм в сочетании с ростральными колоннами позволила ему уверенно противостоять обширному пространству водной глади. Тема господства над водной стихией была развита и в дополняющей ансамбль монументальной скульптуре. Могучие фигуры, олицетворяющие главные реки России, были созданы скульпторами С.С. Пименовым, И.И. Теребеневым, В.И. Демут-Малиновским.

Невский проспект, главная магистраль Петербурга, приобрёл вид цельного архитектурного ансамбля с постройкой в 1801-1811 гг. Казанского собора. Автор проекта Андрей Никифорович Воронихин, сын крепостного крестьянина, взял за образец собор св. Петра в Риме, творение великого Микеланджело. Использовав его мотивы, Воронихин создал оригинальное архитектурное произведение. площадь перед Казанским собором, с двух сторон охваченная его колоннадой, стала одним из средоточий общественной жизни города. Во второй половине 19 века здесь проводились митинги и демонстрации. В собор перенесли прах М.И. Кутузова. Перед собором были поставлены памятники Кутузову и Барклаю-де-Толли, выполненные Б.И. Орловским.

В 40-50-е годы 19 века проспект украсили бронзовые скульптуры Петра Карловича Клодта «Укротители коней», установленные на устоях Аничкова моста через Фонтанку. Скульптуры Клодта в аллегорической форме раскрывали тему борьбы человека со стихийными силами природы и победы над ними. Ещё одна работа Клодта – памятник Николаю 1 на Исаакиевской площади в Петербурге. Лошадь пританцовывает, император неподвижен – явный контраст с расположенным невдалеке памятником Петру 1.

Сорок лет, с 1818 по 1858 год, строился Исаакиевский собор в Петербурге – самое большое здание, возведённое в России в первой половине 19 века. Внутри собора одновременно могут находится 13 тысяч человек. Проект был разработан французским архитектором Огюстом Монферраном. В оформлении внешнего вида и внутреннего убранства принимали участие скульптор П.К. Клодт и художник К.П. Брюллов. Собор должен был олицетворять мощь и незыблемость самодержавия, его тесный союз с православной церковью. Величественное здание собора производит сильное впечатление. И все же авторов проекта и заказчиков нельзя не упрекнуть в определённой гигантомании, которая свидетельствовала о вступлении классицизма в период кризиса.

По проекту Монферрана была возведена и 47-метровая колонна из гранитного монолита на Дворцовой площади (1829-1834) – памятник Александру ! и одновременно – монумент в честь победы русского оружия в Отечественной войне 1812 года. Фигура ангела, держащего крест, была выполнена Б.И. Орловским.

Старый Петербург, оставленный нам в наследство Растрелли, Захаровым, Воронихиным, Монферраном, Росси, другими русскими и иностранными архитекторами, — это шедевр мирового зодчества.

Московский классицизм был характерен отдельными зданиями, а не ансамблями. Трудно было создать архитектурные ансамбли на изогнутых улицах с населениями разных эпох. Даже пожар 1812 года не переломил традиционное разностилье московских улиц, живописную хаотичность застройки. В палитру этого разностилья классицизм внёс свои яркие краски.

После пожара в Москве были возведены такие выдающиеся по красоте здания, как Большой театр (архитектор О.И. Бове), Манеж (тот же архитектор), Опекунский совет на Солянке (архитектор Д.И. Жилярди). На красной площади был воздвигнут памятник Манину и Пожарскому – произведение Ивана Петровича Мартоса. Следуя традициям классицизма, скульптор облачил своих героев в античные одежды.

В целом московский классицизм не отличался такой величавой монументальностью, как петербургский. Для Москвы были характерны небольшие особняки усадебного типа. Московский классицизм более свободен, порою трогательно наивен и более приближен к человеку. Один из лучших московских особняков классического стиля – дом Лопухиных на Пречистенке (ныне музей Л.Н. Толстого). Строил его архитектор А.Г. Григорьев, выходец из крепостных крестьян.

Провинциальный классицизм в целом был ближе к московскому. В провинции выдвинулся ряд крупных архитекторов. Так, например, ученик Воронихина М.П. Коринфский, уроженец Арзамаса строил в Нижнем Новгороде, Казани, Симбирске и в своём родном городе.

В Сибири в начале 19 века всё ещё возводились здания в стиле барокко. Черты его видны в Московских воротах Иркутска, в Воскресенском соборе в Томске. Но затем классицизм пришёл и в Сибирь. Один из первых и лучших его памятников – «Белый дом» в Иркутске, построенный купцами Сибиряковыми и в последствии ставший генерал-губернаторской резиденцией. В Омске по проекту известного архитектора Василия Петровича Стасова был возведён Никольский казачий собор. В нём хранилось знамя Ермака.

В 30-е года 19 века классицизм вступил в пору кризиса. Современников стало угнетать однообразие зданий с колоннами.

В то время в Петербурге развернулось строительство доходных (многоквартирных) домов. В них требовалось несколько подъездов, но по канонам классицизма можно было сделать только один главный вход – в центре здания. В нижних этажах доходных домов стали размещаться магазины, но их широкие витрины никак не сочетались с нормами классицизма. И он ушёл, сметённый критикой современников и настоятельными требованиями жизни.

Творческая мысль архитекторов остановилась на принципе «умного выбора». Считалось, что здание должно быть построено в том стиле, который более отвечает его назначению. В конечном итоге всё определялось желанием заказчика и вкусом архитектора. Помещики начали строить свои усадьбы в стиле средневековой готики. В городах появились аристократические особняки в стиле необарокко (нового барокко). Наступил новый период эклектики (смешения стилей).

В 1839-1852 годах по проекту немецкого архитектора Лео Кленце в Петербурге было построено здание Нового Эрмитаж. Спокойное равновесие его частей, декоративное оформление в новогреческом стиле, мощные гранитные атланты у входа – всё это создавало впечатляющий образ музея – хранилища шедевром мирового искусства.

Для одного из сыновей Николая 1 в 1853-1861 году в Петербурге был возведён дворец, названный Николаевским (ныне Дворец труда). архитектор А.И. Штакеншнейдер использовал мотивы итальянского Ренессанса. Особенно сильное впечатление производит внутренний вид этого дворца. Стремительный разбег маршей парадной лестницы подчёркнут тёмной решёткой перил па светлом фоне. Изящные колонны легко несут опирающиеся на них своды. Из более ранних произведений Штакеншнейдера наиболее известны Мариинский дворец и дворец князей Белосельских-Белозерских. Многочисленны его сооружения под Петербургом, особенно вокруг Петергофа. А ещё раньше он был помощником Манферрана при возведении Исаакиевского собора.

Константин Андреевич Тон в своём творчестве попытался возродить традиции древнерусской архитектуры. Он строил пятиглавые церкви с узкими арочными окнами, использовал декор русского и византийского происхождения. Всё это подчинялось строгим пропорциям и симметрии классицизма, с которыми тон не мог расстаться. Работы Тона понравились Николаю 1. архитектор получил два крупных заказа для Москвы. В 1838-1849 гг. под его руководством был построен Большой Кремлёвский дворец. В 1839 году на берегу Москвы-реки был заложен храм Христа Спасителя. Строительство храма, задуманного в память избавления России от наполеоновского нашествия, растянулось на долгие годы. Его торжественное освящение состоялось1883 году. В храме были установлены мраморные доски с именами убитых и раненых офицеров, сообщалось о числе погибших солдат в каждом сражении, были увековечены имена людей, пожертвовавших свои сбережения на дело победы. Величественная стометровая громада органично вписалась в силуэт Москвы.

Русская живопись первой половины XIX века

Презентация по предмету «История», 10 класс

Первая половина 19 века — яркая страница в культуре России. Все направления — литература, архитектура, живопись этой эпохи отмечены целым созвездием имен, которые принесли русскому искусству мировую известность.
Культура развивалась на фоне все возрастающего национального самосознания русского народа и в связи с этим имела ярко выраженный национальный характер. Существенное влияние на литературу, театр, музыку, изобразительное искусство оказала Отечественная война 1812 года, которая в небывалой степени ускорила рост национального самосознания русского народа, его консолидацию.

Классицизм

В самом начале XIX века классицизм играл в русской живописи значительную роль.
Одно из известных произведений начала века на историческую тему — картина Дмитрия Ивановича Иванова (1782 — после 1810) «Марфа Посадница», написанная в 1808 году. Художник обращается к истории древней Руси, периода борьбы Новгородского княжества с усиливающимся Московским княжеством.
На картине изображен Мирослав, который готовится повести новгородцев на борьбу с Москвой, и принимает от отшельника Феодосия Борецкого меч Ратмира. Мирослава привела к отшельнику дочь Феодосия, Марфа, возглавляющая новгородскую оппозицию. Классицистическому стилю отвечают как характер сюжета, так и художественный язык картины.

Романтизм

Новизну воззрений привнес в русское искусство романтизм — европейское течение, сложившееся на рубеже XVIII — XIX веков. С модой на руины, франкмасонские таинства, рыцарские романы и романсы связано развитие романтизма в русской живописи.
В России романтизм приобрел свою особенность: в начале века он имел героическую окраску, а в годы николаевской реакции — трагическую. В то же время романтизм в России всегда был формой художественного мышления, близкой по духу революционным и вольнолюбивым настроениям.

Портреты Ореста Кипренского

Ярче всего романтизм проявил себя в портретном искусстве. Романтический портрет утверждает неповторимую индивидуальность духовного мира человека, его отличают непосредственность выражения, точность и острота физиономической характеристики, живая эмоциональность.
Самым значительным портретистом первой трети XIX в. был Орест Адамович Кипренский (1782-1836). Уже в 1804 г. он создал одно из самых интересных своих произведений — портрет отчима — Адама Швальбе.
В творчестве Кипренского сформировался своеобразный тип камерного портрета, с проникновенной глубиной раскрывающего духовную жизнь человека. Большинство героев Кипренского являются носителями высшей доброты, высоконравственного, гуманистического начала.

Алексей Гаврилович Венецианов

Замечательным живописцем, создателем своеобразного национально-романтического течения в русской живописи был Алексей Гаврилович Венецианов (1780-1847), любимый ученик Боровиковского. Венецианов создал уникальный стиль, соединив в своих произведениях традиции столичного академизма, русский романтизм начала XIX в. и идеализацию крестьянской жизни. Он стал родоначальником русского бытового жанра.

Александр Осипович Орловский

Еще один известный представитель русской живописи начала века — Александр Осипович Орловский (1777-1832). В творчестве Орловского, также как и Кипренского, были ярко выражены романтические тенденции. Художнику были интересны свободные, сильные люди, национальные особенности различных народностей. В своих картинах Орловский порой изображал характерные, острые сцены. Излюбленный романтический образ художника — человек на коне. Всадники и конные сцены в окружении эмоционального пейзажа присутствуют во многих его художественных произведениях.

Василий Андреевич Тропинин

Знаменитый русский художник-портретист Василий Андреевич Тропинин (1776-1857) продолжал свою творческую деятельность более полувека, большую часть жизни при этом, оставаясь крепостным. Лучшие годы творчества художника совпали по времени с периодом расцвета таланта Кипренского. Оба художника были близки своим стремлением к простоте и непринужденности образа человека. Однако персонажи Тропинина будничнее и проще, что свидетельствует о следовании художником характерных для того времени новых тенденций к демократизации искусства.
До 47-летнего возраста находился он в крепостной неволе. Поэтому, наверное, так свежи, так одухотворены на его полотнах лица простых людей. И бесконечны молодость и очарование его «Кружевницы».

Одним из самых известных и реалистичных портретов А.С.Пушкина, является портрет, написанный В. Тропининым в 1827 г.
Одежда поэта весьма символична: художник изобразил его в свободном домашнем халате, наброшенным на белую сорочку с поднятым воротничком. Довершает образ небрежно повязанный поверх воротничка шелковый шарф и слегка растрепанные волосы. Истинный русский Байрон в халате! Не зря Тропининым для изображения Пушкина был выбран именно этот наряд: как никакой другой, он в точности передает основные черты характера поэта, его любовь к свободе и вольнодумство.
Портрет показывает не Пушкина-поэта, а Пушкина-человека. Вся его поза говорит о его неуемной энергии, может показаться, что через миг, он встанет и уйдет.
Художник мастерски смог передать через портрет одухотворенность и богатый внутренний мир Александра Сергеевича, благодаря чему получившийся образ вызывает восторги и любовь зрителей.

Карл Павлович Брюллов

Карл Павлович Брюллов (1799-1852) был одним из самых ярких, и в то же время противоречивым художником в русской живописи XIX века. Брюллов обладал ярким талантом и независимым образом мыслей. Несмотря на веяния времени (влияние романтизма), художник не смог полностью избавиться от классицистических канонов. Возможно поэтому его творчество высоко ценилось далеко не передовой Петербургской Академией художеств: в молодости он был ее учеником, а в последствии стал заслуженным профессором.

Художественные и идейные искания русской общественной мысли, ожидание перемен отразились в картине К.П. Брюллова «Последний день Помпеи».
В 1830 г. Брюллов побывал на раскопках античного города Помпеи. Он гулял по древним мостовым, любовался фресками, и в его воображении вставала та трагическая ночь августа 79 г. н. э., когда город был засыпан раскаленным пеплом и пемзой проснувшегося Везувия. Через три года картина «Последний день Помпеи» совершила триумфальное путешествие из Италии в Россию.

Александр Андреевич Иванов

В первой половине XIX в. жил и творил художник Александр Андреевич Иванов (1806—1858). Всю свою творческую жизнь он посвятил идее духовного пробуждения народа, воплотив ее в картине «Явление Христа народу». Более 20 лет работал он над этой картиной, в которую вложил всю мощь и яркость своего таланта. На переднем плане его грандиозного полотна в глаза бросается мужественная фигура Иоанна Крестителя, указывающего народу на приближающегося Христа. Его фигура дана в отдалении. Он еще не пришел, он идет, он обязательно придет, говорит художник. И светлеют, очищаются лица и души тех, кто ожидает Спасителя. В этой картине он  показал, как  говорил  позднее  И.  Е.  Репин,  «угнетенный народ, жаждущий слова свободы».

Павел Андреевич Федотов

С именем Павла Андреевича Федотова (1815—1852) связан важный этап становления русской реалистической живописи XIX века. Федотов обладал острой наблюдательностью, чутко воспринимал недостатки общественного строя. Обладая талантом сатирика, художник впервые в русской живописи придал бытовому жанру социальное, критическое выражение. В своих картинах живописец показывал жизнь горожан: среди персонажей его произведений были купцы, офицеры, чиновники, бедняки. Федотов большое значение придавал наблюдениям окружающей его жизни, много делал набросков с натуры. Часто действия его картин построены на конфликте, где дается социальная характеристика людей.
В основе сценария картины «Сватовство майора» заурядный брак по расчету между дочерью зажиточного купца и разорившегося майора-дворянина. В то времечко подобные сделки были обычным делом: одни стремились заполучить деньги, а другие – звания в обществе, да и просто семье необходимо было выжить, банкротство было неминуемым крахом.

В 1848 г. на академической выставке была представлена его картина «Свежий кавалер». На картине изображен чиновник, которому накануне была вручена первая для него награда – орден – и вот он в своих мечтах уже возносится по служебной лестнице на самый верх, представляя себя, то городничим, то губернатором.
Это была дерзкая насмешка не только над тупым, самодовольным чиновничеством, но и над академическими традициями. Грязный халат, в который облачился главный герой картины, очень уж напоминал античную тогу. Брюллов долго стоял перед полотном, а потом сказал автору полушутя полусерьезно: «Поздравляю вас, вы победили меня».

Несмотря на разнообразие творческих индивидуальностей и при различии конкретных художественных задач, общая тенденция в русской живописи первой половины XIX века сводилась к приближении всех жанров искусства к жизни. Эта тенденция нашла свое отражение в обращении большинства художников к современным сюжетам и проблемам, во внимании к внутреннему миру человека, к переживаниям самого художника. Именно поэтому знакомство с творчеством мастеров первой половины XIX века вызывает у зрителя живое ощущение эпохи, дает представление о мыслях и чувствах русского общества.

Похожие записи

Основные направления в живописи (кратко). Направления в русской живописи :: SYL.ru

Стили и направления в живописи, как и в остальных видах изобразительного искусства, весьма разнообразны и многогранны. Единый принцип художественного мышления и есть тот самый ключевой признак, в соответствии с которым работы мастеров могут быть отнесены к тому или иному течению. Исторически сложилось так, что основные направления в живописи сменяли друг друга в зависимости от смены восприятия искусства. Сыграли свою роль в этом вопросе и определенные события.

Направления в живописи 19 века

В девятнадцатом веке Франция оставалась ведущей страной, сделавшей значительный вклад в развитие европейской культуры. На первом месте в художественной жизни оказалась живопись. Направления в живописи 19 века – это классицизм, романтизм, реализм, академизм и декаданс. Основной фигурой романтизма считался Эжен Делакруа. Его самая известная картина «Свобода на баррикадах» была написана по реальным событиям. В середине девятнадцатого века основные направления в живописи – классицизм и реализм. Позиции реализма в Европе были укреплены Густавом Курбе. А во второй половине столетия те же течения переместились из Франции в Россию. Направления в искусстве, живописи, архитектуре и других сферах культурной жизни Европы этого столетия достаточно разнообразны. Последняя треть девятнадцатого века балансировала на грани реализма и декаданса. В результате такой балансировки возникло совершенно новое направление – импрессионизм. Но основным течением в русской живописи этого периода все же оставался реализм.

Классицизм

Это направление развивалось во Франции с семнадцатого по девятнадцатый век. Оно характеризовалось гармонией и стремлением к идеалу. Классицизм определял собственную иерархию, согласно которой к высокому положению причислялись религиозный исторический и мифологический жанры. А вот портрет, натюрморт, а также пейзаж считались незначительными и даже бытовыми. Совмещать жанры было запрещено. Многие традиции художников обязаны своим появлением именно классицизму. В частности, речь идет о законченности композиции и согласованных формах. Произведения классицизма призывают к гармонии и созвучию.

Академизм

Направления в живописи не просто менялись со временем в порядке очереди. Они проникали друг в друга, тесно переплетались и следовали какое-то время вместе. И бывало зачастую так, что одно направление возникало из другого. Так случилось с академизмом. Возник он как следствие классического искусства. Это все тот же классицизм, но уже более проработанный и систематизированный. Ключевыми моментами, которые в полной мере характеризуют это течение, были идеализирование натуры, а также высокое мастерство в техническом исполнении. Самыми известными художниками этого направления были К. Брюллов, А. Иванов, П. Деларош и другие. Конечно, современный академизм больше не занимает ту (ведущую) роль, которая была отведена ему во времена зарождения этого стиля.

Романтизм

Нельзя рассматривать основные направления живописи 19 века, не упомянув о романтизме. Эпоха Романтизма зародилась в Германии. Постепенно она проникала в Англию, Францию, Россию и другие страны. Благодаря такому внедрению мир живописи и искусства обогатился яркими красками, новыми сюжетными линиями и смелым изображением обнаженной натуры. Художники этого направления в ярких красках изображали все человеческие эмоции и чувства. Они выворачивали наизнанку все внутренние страхи, любовь и ненависть, обогащая полотна огромным количеством спецэффектов.

Реализм

Рассматривая основные направления живописи второй половины 19 века, в первую очередь следует упомянуть реализм. И хотя возникновение этого стиля датируется восемнадцатым столетием, все же наибольший его расцвет приходится на середину и вторую половину девятнадцатого века. Основным правилом реализма этого периода являлось изображение современной действительности во всем разнообразии ее проявлений. Большое влияние на формирование этого течения в живописи оказала революция, которая произошла во Франции в тысяча восемьсот сорок восьмом году. А вот в России развитие этого направления в искусстве было тесно связано с веянием демократических идей.

Декаданс

Период декаданса характеризуется изображением безнадежности и разочарования. Этот стиль искусства пропитан упадком жизненных сил. Он появился в конце девятнадцатого века как форма сопротивления общественной морали. И хотя в живописи декаданс так и не сформировался в отдельное направление, все же художественная история выделяет отдельных творцов в этой области искусства. Например, Обри Бердслей или Михаил Врубель. Но надо отметить, что художники-декаденты, не боясь экспериментировать с разумом, часто балансировали на грани. Но именно это и позволяло им шокировать публику своим видением мира.

Импрессионизм

Хотя импрессионизм и считается начальным этапом современного искусства, предпосылки этого направления зародились еще в девятнадцатом столетии. Источником возникновения импрессионизма стал романтизм. Поскольку именно он поставил в центр искусства индивидуальную личность. В 1872 году Моне написал свою картину «Впечатление. Восход солнца». Именно это произведение и дало название всему направлению. Весь импрессионизм был построен на восприятии. Художники, творившие в этом стиле, не собирались освещать философские проблемы человечества. Самым важным было не то,что нужно изобразить, а то, как это сделать. Каждая картина должна была раскрыть внутренний мир художника. Но импрессионисты тоже хотели признания. А потому они старались находить компромиссные темы, интересные для всех слоев населения. На своих полотнах художники изображали праздники или вечеринки. А если бытовые ситуации и находили свое место на их картинах, то подавались они только с положительной стороны. Таким образом, импрессионизм можно назвать «внутренним» романтизмом.

Основные направления русской живописи 19 века (первая половина)

Особенно яркой страницей в культуре России считается первая половина девятнадцатого века. В самом начале столетия основным направлением в русской живописи оставался классицизм. Но уже к тридцатым годам его значение было утрачено. Вся культура России вздохнула по-новому с появлением романтизма. Его основным постулатом было утверждение индивидуальной личности, а также человеческих мыслей как основной ценности во всем искусстве. Появился особенный интерес к внутреннему миру человека. Направления русской живописи первой половины девятнадцатого века возглавляются романтизмом. Причем вначале он имел героический характер, а позже трансформировался в романтизм трагический.

Говоря о первой половине девятнадцатого века в истории культуры России, исследователи делят ее на две четверти. Но какие бы разделения не существовали, все равно определить временную грань между тремя стилями в изобразительном искусстве практически невозможно. Направления русской живописи 19 века (классицизм, романтизм и реализм) в первой его половине так сильно переплетались, что разграничить их можно лишь условным образом.

С уверенностью можно сказать, что в первой половине девятнадцатого столетия живопись в жизни общества заняла гораздо больше места, чем в восемнадцатом веке. Благодаря победе в войне 1812 года русское самосознание получило сильный толчок к развитию, в результате чего интерес народа к собственной культуре сильно возрос. Впервые возникли организации в обществе, которые считали своей первейшей задачей развивать отечественное искусство. Появились первые журналы, в которых рассказывалось о живописи современников, а также первые попытки устроить выставки работ художников.

Выдающихся достижений в этот период добилась портретная живопись. Этот жанр наибольшим образом объединял художника и общество. Это связано с тем, что наибольшее количество заказов в тот период было именно портретного жанра. Одним из выдающихся портретистов первой половины 19 века был Владимир Боровиковский. Также следует отметить таких известных художников, как А. Орловский, В. Тропинин и О. Кипренский.

Именно в начале века развивается также русская пейзажная живопись. Среди художников, творивших в этом жанре, следует выделить прежде всего Федора Алексеева. Он был мастером городского пейзажа, а также одним из родоначальником данного жанра в русской живописи. Другими известными пейзажистами упомянутого периода были Щедрин и Айвазовский.

Лучшими художниками России во второй четверти девятнадцатого века считались Брюллов, Федотов и А. Иванов. Каждый из них внес свой особый вклад в развитие живописи.

Карл Брюллов был не только достаточно ярким, но еще и сильно противоречивым живописцем. И хотя основным направлением в русской живописи второй четверти девятнадцатого века был романтизм, все же художник оставался верен некоторым канонам классицизма. Возможно, именно поэтому его творчество ценилось столь высоко.

Александр Иванов сумел обогатить глубиной философской мысли не только русскую, но и европейскую живопись девятнадцатого века. Он обладал очень широким творческим потенциалом и был не только новатором исторического жанра и пейзажной живописи, но и прекрасным портретистом. Ни один из художников его поколения не умел воспринимать окружающий мир так же, как Иванов, и не владел таким разнообразием приемов.

Важный этап в развитии реалистической живописи в России связан с именем Павла Федотова. Этот художник первым сумел придать бытовому жанру критическое выражение, поскольку обладал талантом сатирика. Персонажами его картин обычно выступали горожане: купцы, офицеры, бедняки и другие.

Вторая половина 19 века

В конце пятидесятых годов девятнадцатого столетия началась совершенно новая глава в истории реалистической живописи в России. Глобальное влияние на эти события оказало поражение царской России в Крымской войне. Оно послужило причиной демократического подъема и крестьянской реформы. В 1863 году четырнадцать художников восстали против требований писать картины на заданные темы и, желая творить исключительно на свое усмотрение, создали художественную артель, возглавляемую Крамским. Если реализм в России первой половины девятнадцатого столетия стремился к раскрытию в человеке исключительно прекрасного и назывался поэтическим, то тот, что пришел ему на смену во второй половине века, был назван критическим. Но поэтическое начало не покинуло этого течения. Теперь оно проявлялось в негодующих чувствах творца, вкладываемых им в свое произведение. Основным направлением в русской живописи второй половины девятнадцатого века стал реализм, шествующий по пути критики и обличения. По сути это была борьба за признание бытового жанра, который бы отражал естественное положение вещей в России.

В семидесятых годах направление живописи несколько меняется. Художники-шестидесятники в своих произведениях отображали веру в наступление всеобщего блага после исчезновения крепостного права. А пришедшие им на смену семидесятники были разочарованы бедствиями крестьян, последовавшими за проведенной реформой, и их кисти направились уже против наступающего нового будущего. Одним из ярких представителей этой жанровой живописи был Мясоедов, а его наилучшая картина, отражающая всю действительность того времени, называлась «Земство обедает».

Восьмидесятые годы перенесли внимание искусства с человека, который переживал о народе, на сам народ. Это время расцвета творчества И. Репина. Вся сила этого художника заключалась в объективности его произведений. Все образы его картин были жизненно убедительными. Целый ряд его полотен был посвящен революционной тематике. Своим искусством Репин пытался ответить на все волнующие его и весь остальной народ вопросы, возникающие в повседневной жизни той эпохи. В то же время другие художники искали те же ответы в прошлом. В этом и была особенность и сила искусства великого живописца. Еще одним известным художником этого периода был Васнецов. Его творчество опиралось на народное искусство. Через свои полотна Васнецов пытался донести мысль о великой мощи русского народа и его богатырском величии. Основой его работ служили легенды и предания. В своих творениях художник не только использовал элементы стилизации, но и сумел достичь целостности образа. В качестве фона на своих полотнах Васнецов, как правило, изображал пейзаж средней полосы России.

В девяностых годах концепция творческой жизни снова меняется. Теперь мосты, возведенные между живописью и обществом, призывают нещадно разрушить. Образуется объединение художников под названием «Мир искусства», которое пропагандирует чистоту художественных произведений, то есть отделение их от обыденной жизни. Особенностью творческого характера художников, входивших в это объединение, была ограниченность масштабами камерности. Активно начинает развиваться музейная деятельность, основной задачей которой является разжигание интереса к памятникам культуры. Таким образом, к началу двадцатого века все больше художников стремятся передать на своих полотнах историческое прошлое России. Особую роль деятели объединения «Мир искусства» сыграли в развитии искусства книжной иллюстрации, а также театрально-декорационного творчества. Одним из лучших художников этого направления считался Сомов. Он никогда не изображал на своих работах современную жизнь. В крайнем случае, он мог ее передать посредством исторического маскарада. Вслед за «Миром искусства» начали формироваться и другие объединения. Их создавали художники, имеющие в отношении живописи другую точку зрения.

Мастера, критиковавшие работу творцов из вышеописанного союза, создали (ему в противовес) объединение «Голубая роза». Они требовали вернуть живописи яркие цвета и говорили о том, что искусство должно лишь односторонне передавать внутренние ощущения художника. Самым талантливым среди этих деятелей был Сапунов.

Наперекор «Голубой розе» скоро появился еще один союз, который получил название «Бубновый валет». Он отличался откровенным антипоэтическим смыслом. Но его сторонники вовсе не хотели возвращаться к реальным вещам. Они подвергали их всяческому искажению и разложению (на свой манер). Таким образом, благодаря всем этим враждующим союзам возникает русский модернизм.

Современные веяния

Время течет, и все, что считалось современным ранее, становится достоянием истории, и искусство здесь не исключение. Сегодня термин «современное искусство» применим ко всему, что создавалось творческими личностями, начиная с тысяча девятьсот семидесятого года. Новые направления в живописи развивались в рамках двух этапов. Первый – это модернизм, второй – постмодернизм. Семидесятый год двадцатого века считается переломным во всем искусстве. С этого года художественные течения практически не поддаются классификации. Единственное, что можно сказать с абсолютной уверенностью, – социальная ориентированность искусства за последние тридцать лет выражена гораздо интенсивнее, чем за все минувшие эпохи. В то же время живопись в современном искусстве перестала занимать ведущее место. Все больше художников обращаются сейчас к фотографии, а также компьютерным технологиям для реализации своих замыслов и идей.

Несмотря на разносторонние направления в живописи, можно сказать, что главная задача художественного бытия девятнадцатого века сводилась к тому, чтобы максимально приблизить все жанры искусства к повседневной жизни. И она успешно реализовывалась посредством обращения мастеров кисти – и не только – к современным проблемам человечества и внутреннему миру самого художника. Все направления в живописи этого времени позволяют ощутить дух эпохи и получить представление о том, чем жили и что чувствовали люди того времени.