Скульптура и архитектура 20 века в россии – Скульптура СССР (Всеобщая история искусств) | Архитектура СССР и социалистических стран

Русская скульптура — Википедия

Русская скульптура — один из жанров русского изобразительного искусства.

Будучи, в отличие от живописи, искусством дорогостоящим и затратным по материалам и времени, искусство скульптуры тесно связано в своих подъёмах и спадах с развитием и благосостоянием государства, его идеологии и уровня жизни населения. Это наглядно наблюдается в истории развития русской скульптуры. Хотя она ведёт свою историю со времён язычества (и деревянной скульптуры), но после христианизации Руси оказывается слабо развитой в связи с запретом на идолопоклонство, влиявшим на развитие скульптуры в православном искусстве (в отличие от католических стран). Однако провинциальные скульптурные школы демонстрируют чрезвычайно любопытное развитие народной религиозной скульптуры до самой революции.

После реформ Петра I русская скульптура начинает догонять европейскую, заимствуя из неё жанры и иконографии. В Золотой век Екатерины II, с началом классицизма, скульптура достигает чрезвычайно высокого уровня, который продолжается в образцах стиля ампир, знаменующих победу над Наполеоном. Ко 2-й пол. XIX века относится максимальный расцвет количества дореволюционной скульптуры, связанный с созданием большого числа как официальных памятников, так и камерных композиций, зачастую в стиле историзм или эклектика — то есть потерявшие лаконичность и простоту стиля, помпезные, усложнённые и избыточные. В начале XX века в русскую скульптуру проникли как веяния западного модерна, так и творческий поиск в неорусском стиле, приведшие к созданию работ высокого художественного уровня.

После революции, наряду с кратковременными экспериментами русского авангарда, был введен ленинский план монументальной пропаганды. Для скульптур этого периода характерны не только политическая ангажированность но и новаторство художественной техники в сочетании с дешевизной и недолговечностью материалов. Немногие памятники этого периода сохранились до наших дней. В сталинские и брежневские годы на смену творческим поискам в скульптуре, пришёл канон социалистического реализма, приведший к созданию, наряду с рядом признанных шедевров, большого количества типовых, эстетически неинтересных работ. После падения советской власти в скульптуре не осуждается многообразие подходов и стилей, однако жанр, как и везде в мире, идёт на спад.

Символ Легенда
No-image-available-rectangle.svg эта скульптура не охраняется авторским правом, однако в Википедии нет её фотографии со свободными авторскими правами. Вы можете помочь проекту, сделав фотографию этого памятника и загрузив её на Викисклад
Copyrightedgrey.svg эта скульптура охраняется авторским правом (её автор умер менее 70 лет назад). Загружать её фото в Википедию нельзя.

До крещения Руси, вероятно, искусство скульптуры (резьбы, рельефа) у славян было достаточно развито, однако практически никаких образцов её не сохранилось. Язычники-славяне поклонялись идолам. Из летописей известно, например, что идол Перуна, поставленный в Киеве князем Владимиром, был деревянным, с серебряной головой и золотыми усами[1]. Одним из самых знаменитых подобных уцелевших артефактов является каменный Збручский идол (откопан в 1848 году). Столб разделён на три яруса, на каждом из которых высечены различные изображения. Нижний ярус изображает подземное божество, средний — мир людей, верхний — богов. Идол венчает круглая шапка. Дата создания идола — приблизительно X век. Более загадочен Шкловский идол.

Примеры пластики христианской Древней Руси говорят о развитости этого стиля искусства. Однако круглую скульптуру Древняя Русь не оставила. Большинство сохранившихся произведений — рельефы с аллегорическими композициями, растительным или геометрическим орнаментом. Они украшали фасады и интерьеры зданий, часто в качестве вставок. «Эта скульптура свидетельствует о преемственности, которая существовала между каменными и деревянными рельефами, о языческой предыстории этого искусства, о связях с орнаментикой древних идолов». Примеры ранних произведений — рельефы XI века из Михайловско-Златоверхого монастыря (Киев) с изображением всадников; шиферные плиты Софийского собора с геометрическими и растительными узорами

[2].

Тематические сцены и орнаменты того времени выражают своеобразное восприятие мира древним художником. В орнаментальных мотивах проявляется богатство фантазии, интерес к «узорочью», чувство декоративных возможностей пластики[2].

Рельеф также получил большое распространение в произведениях прикладного искусства Киевской Руси. Богатство и содержание орнаментов свидетельствует о давних традициях. Особенно это заметно в ювелирном искусстве.

Для развития русской скульптуры важно, что православная церковь по идеологическим соображениям сопротивлялась проникновению скульптуры в церковное искусство. Однако жанр вторгался туда — в виде рельефов, орнаментальных узоров, обрамлений иконостасов, окладов икон[2].

О «богатстве народной фантазии и тонком понимании красоты пластики в её синтезе с архитектурой свидетельствуют монументально-декоративные рельефы Владимиро-Суздальской земли, которые по богатству тематики и разнообразию композиционных мотивов не имели себе равных». Это проявляется в убранстве следующих храмов — Успенский собор (Владимир), Дмитриевский собор (Владимир), церковь Покрова на Нерли. Религиозные темы в их украшении перемежаются со светскими, современные мотивы с языческими, а профессиональная декоративная скульптура с народной резьбой. Также заслужено знамениты рельефы следующих церквей — Суздальский собор, Георгиевский собор (Юрьев-Польский). Стены храма в Юрьеве-Польском вообще покрывает целиком тончайший «ковер» резьбы, создавая ощущение праздничности и пышности

[2].

Древнерусская скульптура практически всегда анонимна. Из редких сохранившихся имён — Аврам из Новгорода.

  • «Два всадника (Нестор и Дмитрий)», шифер. Рельеф с фасада собора Михайловского монастыря в Киеве. XI век, ГТГ[3]

  • Copyrightedgrey.svg

    Дмитриевский собор[3]

  • Copyrightedgrey.svg

    Дмитриевский собор

  • Георгиевский собор[3]

  • Полихромное распятие из Георгиевского собора (находилось на фасаде)[3]

  • Церковь Покрова на Нерли[3]

Московское княжество и Русское царство[править | править код]

Дерево было излюбленным материалом древнерусской пластики. Оно с годами приобретает серебристый оттенок, хорошо сочетается с воздушной средой, однако оно недолговечно, сглаживается со временем, смягчая контуры и стирая краску. Сохранившиеся образцы позволяют представить былое великолепие жанра. Большая часть сохранившихся артефактов носила культовый характер и была связана с церковным убранством, тем не менее не полностью подчиняется догматике. Часто художник передаёт своё представление о реальности. Среди таких образцов — Людогощенский крест[2].

Одна из древнейших сохранившихся круглых русских скульптур — каменная раскрашенная статуя Святого Георгия Победоносца, украшавшая ворота Московского Кремля. Она была создана бригадой Василия Ермолина в 1464 году, и её установка стала одним из знаков изменения политики русского государства при Иване III. По её образцу создавались аналогичные деревянные изображения, которые Иван III рассылал в церкви городов, присоединяемых к московскому княжеству; на настоящий момент сохранилось три такие скульптуры Георгия (ГТГ, ГРМ и Ростовский кремль).

Сохранившаяся круглая скульптура и рельеф иконостасов поражают нарядностью и красочностью, сплетением узоров. Золочёный или расписной декор служил торжественным обрамлением живописи. В XVI и XVII веках создавались отличные образцы резной скульптуры. Отдельного упоминания стоят произведения северных мастеров, в чьих краях этот жанр был исконным и весьма распространённым. Таковы распространённые образы Параскевы Пятницы, Николы Можайского и проч.[2]

  • «Георгий Победоносец». XV век (Ростовский кремль)[4]

  • Деталь первоначального белокаменного декора Архангельского собора Кремля, 1505-9 гг.

  • Рельефная фигура с крышки раки. Святой Иоанн, архиепископ Новгородский. 1559. ГРМ[3]

  • «Параскева Пятница», XVII век, Архангельский музей[4]

  • Рельефная фигура с крышки раки. Святой Антоний Римлянин. Конец XVI – начало XVII века. ГРМ[3]

  • Рельеф Мономахового трона, резьба по камню[3]

  • Святитель Николай. Конец 17 века. Музей Андрея Рублева[4]

  • Богоматерь Одигитрия. Конец 15 - 1-я пол. 16 века. Из Никольского Клобуковского монастыря г. Кашина Тверской области. Музей Андрея Рублева[4]

  • Copyrightedgrey.svg

    Крышка раки царевича Дмитрия. Мастера Павел Алексеев, Дмитрий Алексеев, Василий Коровников, Тимофей Иванов, Василий Малосолец под руководством Гаврилы Овдокимова. 1628–1630 годы. Музеи Московского Кремля

    [3]

  • «Георгий Победоносец», XVII век, Архангельский музей[3]

  • Copyrightedgrey.svg

    Херувим, XVIII век, деревня Конецдворье Архангельской губернии. ГРМ[3]

  • Copyrightedgrey.svg

    Мужичок, к. XVII-нач. XVIII в. Переяславль-Залесский музей[3]

1-я пол. XVIII века[править | править код]

Copyrightedgrey.svg

В Петровское время интерес к скульптуре становится невероятно острым. Строительство новой столицы, новый образ жизни, формирование ландшафтов, жилых интерьеров, пробуждают потребность в пластике (с оглядкой на западные образцы). «Становится вполне осознанной глубокая содержательная функция скульптуры, были оценены её многообразные возможности. Её рассматривали как могучее средство пропаганды идей большого общественного значения, как средство выражения духовного и физического совершенства человека. В образах скульптуры нашли отражение многие важные события современности

[2]».

В начале века происходит всплеск интереса к классической скульптуре. Формируется понимание профессиональных требований к жанру. В Россию ввозят превосходные образцы — например, античный мрамор Венера Таврическая, который выставили в Летнем саду в специальном павильоне. При создании Петергофа программно широко использовали пластику, водрузив в центре знаменитого «Самсона, раздирающего пасть льву» — свейскому льву, что обозначало торжество русских над шведами в Северной войне. Скульптура же стала и основным украшением Летнего сада[2].

Скульптура умело использовалась и в убранстве городских построек. «Архитектура начала XVIII столетия с её рациональной простотой тонко обогащалась пластическими элементами преимущественно в виде скромных рельефов и лепнины, которые хорошо связывались с четким рисунком фасадов, с изогнутыми волютами карнизов и капителями пилястр»

[2].

Скульпторы были отечественными и иностранными. Из русских отметим Ивана Зарудного, выполнившего иконостас Петропавловского собора. Иностранные мастера приезжали разного уровня, из них примечательны — Николя Пино, Андреас Шлютер, Конрад Оснер (начало века). Однако все они, за исключением Растрелли, оставили незначительный след в русской пластике[2].

Растрелли нашёл в России вторую родину и возможность проявить все свои дарования. Скульптор работал в самых различных жанрах, причём весьма активно. Особенно ему удавался скульптурный портрет. Его бюст Петра I — динамичный образ, парадный и при этом правдивый, оказавшийся новым словом в портретной скульптуре. Значительны и другие сохранившиеся его работы — портрет Меншикова, статуя Анны Иоанновны, автопортрет, декоративная пластика[2].

В начале века были задуманы два крупных монумента. Первый — «Триумфальный столп», создавался Растрелли с группой мастеров, включая Андрея Нартова и Николя Пино. Проект памятника в виде высокой колонны, сплошь покрытой рельефами о событиях Северной войны, основания Петербурга и проч. Колонну должна была венчать статуя Петра. Памятник остался неосуществлённым, дошёл до нас только в виде модели. Вторая большая работа — конный памятник Петру I, над которым Растрелли трудился много лет и большую модель которого он закончил незадолго до смерти. Памятник был переведён в бронзу — фигура императора, закованного в латы, торжественно восседающего на коне. Но его не установили и забыли, а в 1760-х, когда возникла потребность в монументе Петру, он казался уже слишком архаичным, и новый памятник заказали Фальконе. Работу Растрелли, о которой вспомнили по случайности, по указанию Павла I поставят в 1800 году перед Михайловским замком[2].

2-я пол. XVIII века[править | править код]

Фигура атланта. Большой Царскосельский дворец, 1752-56[3]

В середине XVIII века декоративная скульптура переживала подъём. Она нашла широкое применение в архитектуре барокко. Тогда в России строилось огромное число роскошных дворцовых и общественных сооружений. Скульптура в изобилии применялась на фасадах (круглая скульптура, горельефы, рельефные ленты). Это самый активный период использования пластики в русской архитектуре. Показательны многочисленные сооружения работы следующего из династии — архитектора Варфоломея Растрелли: в Екатерининском дворце в Царском Селе скульптура подчас заменяет архитектурную деталь, создавая акценты в самых значительных частях здания — но при этом не уничтожая архитектонике здания, не снимая ритмичности элементов и конструктивности. Также обильно пластика применялась и в интерьерах — рельефы служили рамами для панно и вставками. Скульптура остаётся средством раскрытия образной выразительности здания, не теряя самостоятельности[2].

Большой Царскосельский дворец (фасад), 1752-56

В этот период определяющим стилем являлось барокко, который характеризуется динамичностью, каскадом объёмов и живописным светотеневым трепетом, беспокойностью. «Только конструктивность архитектурного объема сдерживает поток скульптурной формы, придает ей необходимую логическую строгость. В образах скульптурных украшений барокко получило дальнейшее развитие декоративное начало, столь же свойственное и предшествующему времени»[2]. (В царствовение Елизаветы Петровны в Россию придет и рококо (см. Рококо в России), однако проявляться оно будет с гораздо меньшей интенсивностью, чем барокко).

Важную роль в формировании русской скульптуры, совершенствовании мастеров сыграла основанная тогда же Императорская Академия художеств. Она быстро стала крупнейшей профессиональной школой, воспитав плеяду замечательных художников (Федот Шубин, Фёдор Гордеев, Михаил Козловский, Иван Мартос, Феодосий Щедрин и проч.). «Если в 1-й половине столетия обучение резному делу было рассредоточено и подготовка мастеров осуществлялась преимущественно в процессе практической деятельности, то в Академии скульптурное образование сразу же приобрело вполне профессиональный характер. В основу обучения была положена строгая и продуманная программа, которая давала всестороннюю подготовку молодому скульптору»[2]. Академия оказалась крайне полезной в совершенствовании пластики, формировании высокого профессионализма нескольких поколений скульпторов. Благодаря ей развивались различные жанры скульптуры, с особенным вниманием к рельефу.

Важным был вклад иностранных профессоров. Так, Николя-Франсуа Жилле, пользуясь некоторой известностью во Франции и будучи членом Парижской академии изящных искусств, в 1758 году прибыл в Санкт-Петербург по приглашению основателя русской Академии И. И. Шувалова и поступил на службу во вновь учреждённую Императорскую Академию художеств профессором скульптуры, сроком на три года, (но исполнял эту должность в течение двадцати лет). Под его руководством обучались Шубин, Гордеев, Феодосий Щедрин, Иванов и практически все остальные русские ваятели, обучавшиеся в академии с 1758 по 1778 гг.

  • Н. Ф. Жилле. «Портрет И. И. Шувалова». 1760. ГРМ

  • Н. Ф. Жилле. «Портрет вел. кн. Павла Петровича (Павла I)». 1765. ГРМ

  • Н. Ф. Жилле. «Портрет Петра Великого» (тип Б. К. Растрелли). ГТГ

Рельеф[править | править код]

Рельеф стал так популярен из-за своей востребованности в убранстве архитектурных сооружений, монументальной и надгробной пластике. «Дошедшие до нас надгробия свидетельствуют о высокой профессиональной культуре их исполнителей. Превосходное владение анатомией человека, умение группировать фигуры в композициях, придавать им необходимую степень психологической выразительности отличают их. Высокая культура рельефа объясняется еще и тем, что этот жанр имел богатую традицию, восходящую к древнерусскому искусству»[2].

Портрет[править | править код]

Скульптурный портрет 2-й пол. XVIII века стал величайшим завоеванием русского искусства этого периода. В этом жанре работало множество талантливых мастеров. Качество русского скульптурного портрета стало симптомом зрелости русского искусства. «Стремление познать человеческий характер, богатство его психологии, столь свойственное искусству столетия в целом, в полной мере сказалось и в области скульптурного портрета, где были созданы и подлинные ценности, сохранившие своё художественное и историческое значение до наших дней»[2]. В этом жанре работали почти все крупные мастера эпохи: Фёдор Гордеев, Михаил Козловский, Иван Прокофьев, Иван Мартос, Феодосий Щедрин. Однако наибольший взлёт жанра отразился в произведениях Федота Шубина.

Шубин отличался глубиной характеристики, подчёркнутым психологическим строем образа, композиционным своеобразием, высоким техническим совершенством. «Несмотря на то, что портрет официальной эстетикой признавался второстепенным жанром, Шубину, как никому другому, удалось достичь высокого мастерства и утвердить его эстетическую значительность»[2].

  • Copyrightedgrey.svg
  • Copyrightedgrey.svg
  • Ф. Шубин. «Портрет М.В. Ломоносова», до 1793, ГРМ[3]

ЕГЭ. История .Культура. Скульптура 20 в.

ЕГЭ. История .Культура.

Скульптура 20 в

 

Особенности скульптуры 20 века

  • Возведение памятников ярким историческим личностям прошлого - правителям, деятелям культуры, военачальникам.

  • Возведение памятников и монументов, прославляющих новое государство, его мощь и величие, союз рабочего класса и крестьянства, выход человека в космос и др.

  • Много монументов, памятников было воздвигнуто по всей стране в память о погибших в годы Великой Отечественной войны.

  • Монументальность памятников - одна из ярких особенностей скульптуры 20 века. Мощь, величие, сила - всё это символизировало могущество СССР , прославляло великих её сынов.

  • Наиболее яркие скульпторы данного периода:

 

 

Андреев Н.

Бондаренко П.

Волнухин С.М.

Вучетич Е.

Голубкина А.С.

Мухина В.И.

Трубецкой П.П.

Шадр И.Д.и др.

 

 

 

 

 

Памятник Ивану Фёдорову. Москва.

 

Скульптор С. М. Волнухин. 1909

 

 

 

Памятник Александру 3, Санкт-Петербург, 1909, П.П.Трубецкой.

 

Памятник Н.В.Гоголю, Москва, скульптор Н.Андреев. 1909

 

Берёзка. Скульптор Голубкина  А.С., 1927, Москва,Третьяковская галерея.

 

Памятник « Рабочий и колхозница». Скульптор Мухина В.И.,Москва,1937.

 

 

 

Памятник Максиму Горькому,Москва, 1939, Скульпторы  И.Д.Шадр (проект), В.И. Мухина ( завершила проект памятника в 1951).

 

Памятник И.Кулибину, г.Нижний Новгород, скульптор Кикин А.В., начало 1940-х годов.

 

  

 

Памятник «Воин-освободитель» в Трептов-парке ,Берлин,  скульптор Евгений Вучетич, архитектор Белопольский, 1949

 

 

 

 

 

Памятник М.В.Ломоносову перед МГУ, 1953, скульптор Н.В.Томский, архитектор Л.В.Руднев.

 

Памятник Юрию Долгорукому. Москва, Тверская площадь.1954. Скульпторы С.М.Орлов, А.П. Антропов, Н.Л. Штамм

Памятник Черепановым Ефиму Алексеевичу и Мирону Ефимовичу, конструкторам первого в России паровоза. Открыт 4 ноября 1956 г. Скульптор А. С. Кондратьев; арх. А. В. Сотников. Нижний Тагил

 

 

 

Памятник М. В. Ломоносову перед зданием факультета журналистики МГУ. Скульптор  и.И. Козловский,  архитектор Г. Г. Лебедев. 1957

 

Памятник В.В.Маяковскому, Москва, 1958, скульптор А.Кибальников.

 

Могила Неизвестного солдата, Москва, Кремль, 1966-1967,мемориал  создан по проекту архитекторов Д. И. Бурдина, В. А. Климова,Ю. Р. Рабаева и скульптора Н. В. Томского. Зажжён Вечный огонь Л. И. Брежневым ,принявшим факел от Героя Советского Союза А. П. Маресьев

 

 

 

Памятник –ансамбль «Героям Сталинградской битвы», Мамаев курган, Волгоград, вид со стороны площади « Стоявшие насмерть», 1959-1967. Под руководством скульптора В.Вучетича. Скульптура « Стоять насмерть».

 

Монумент « Родина-мать!» на Мамаевом кургане.

 

Вечный огонь. Мамаев курган.

 

Скорбящая мать. Мамаев курган

 

Памятник Александру Матросову, г.Коряжма, архангельская область, 1967, Автор памятника – Евгений Рожковский, архитектор из г. Коряжма. 

 

«Булыжник – оружие пролетариата», Москва, парк Декабрьского восстания.1967. скульпторы М.Н.Казарновский, Л.Н.Матышин. копия знаменитой скульптуры И.Д.Шадра 1927 года и хранящейся в Третьяковской галерее)

 

Памятник Чапаеву. Санкт-Петербург. 1968,скульптор: Н.Бровкин

 

Памятник Ю.Гагарину. Москва.1980. Скульптор: П.Бондаренко. 

 

Памятник Ползунову перед Алтайским университетом, г.Барнаул, 1980, Скульптор И.Д.Бродский, архитекторы А.Г. Сыромятников, А.Д.Шимин.

 

Памятник Г.К. Жукову в Москве.1995.

 Скульптор: В.Клыков.

 

Памятник Г.К.Жукову в Санкт-Петербурге.1995.

Скульптор: Я.Нейман

 

Памятник иконописцу Андрею Рублёву, г.Волггорад. 1995г. ( к 1000-летию города). Скульптор: О.К.Комов.

 

Памятник Петру 1(официальное название — Памятник «В ознаменование 300-летия российского флота»). Автор: Зураб Церетели, Москва, 1997.

 

Памятник Владимиру Святому в Белгороде,1998г, Вячеслав Клыков.

 

 

 

 

 

Материал подготовила: Мельникова Вера Александровна

 

3. Изобразительное искусство и монументальная скульптура

Скульптура, главными атрибутами которой в течение многих веков являлись трехмерность и объем, относится к самым старейшим и самым традиционным жанрам изобразительного искусства. В XX веке консервативность скульптуры сыграла с ней злую шутку, оставив ее на время за границей тех глобальных изменений, которые произошли в искусстве в новейшее время. Эксперименты в области живописи, расцвет фотографии, появление медиа искусства и прочие изменения менее всего коснулись скульптуры, адепты которой наиболее стойко сопротивлялись нарушению многовековых канонов. Сложность и дороговизна процесса производства не привлекала наиболее радикально мыслящих независимых художников к поискам в этой области: им проще было вообще отказаться от этого жанра, используя трехмерный язык для создания совершенно новых высказываний – объектов, инсталляций и паблик арта. В результате к началу XXI тысячелетия внешние и внутренние границы скульптуры оказались столь размыты, что скульптура в старом понимании этого слова осталась лишь одним из широкого диапазона форматов того, что сейчас подразумевается под понятием современной скульптуры. Только в последнее время известного российского художника Бориса Орлова в каталоге его персональной ретроспективной выставки "Воинство земное и воинство небесное" называют "одним из немногих профессиональных скульпторов на московской художественной сцене", а группа АЕС позиционирует свои последние работы как скульптуру. Более того, многие известные и молодые художники, достигнув определенного успеха, переходят к работе в трехмерном жанре. О скульптуре говорят, о ней пишут, скульптура стала модным, возвращающимся в современный дискурс трендом.

4. Архитектура в России конца 20 начала 21 века

Начало XXI века позволило более объективно взглянуть на западную архитектуру XX века, подвести итог противоречивой стилистике прошлого столетия. Предыстория современной архитектуры ХХ века, истоки которой зарождались во второй половине XIX века под влиянием бурного развития промышленности, прогресса науки и техники. В этот период складываются социальные, экономические, технические и художественные предпосылки возникновения новой архитектуры ХХ века.

Каждое время рождает свою архитектуру – конструктив самосознания, более или менее честный скелет эпохи. Наше с вами беспородное "сегодня" – не исключение. Не смотря на почти полное отсутствие в постсоветском пространстве денег на эстетические капризы, в архитектуре появились определенные группы явлений, которые, хотя и с некоторой натяжкой, можно определить, как стилистические.6

Можно выделить три основных группы.

Первая группа – объединенный идеал всех советских Государственных институтов проектирования городов (ГИПроГрадов). В основном это – "элитарные" многоквартирные дома. То, что раньше проектировалось, но не воплощалось ввиду своей высокой стоимости и путем бесконечных упрощений и удешевлений превращалось в то, в чем мы жили. Но, поскольку заказчик на приличное жилье появился, мечта стала явью, хотя и очевидно устаревшей. Отличительные признаки стиля: пара-тройка полукруглых или многогранных ризалитов либо эркеров, часто фальшь-мансардная крыша, с фальшь-мансардными же окнами, вертикальные ряды лоджий, двухцветная, с обязательным присутствием охры, окраска фасадов. Объем здания ощутимо цельный, стабильный. Планировка квартир, увы, не слишком оригинальная и часто диктуется внешней формой здания и структурой фасадов, а не заботой о тех, для кого, собственно, все это строится.

Фасады этих зданий пока узнаваемы, но лишь по причине абсолютной убогости традиционного фона жилых районов. В рекламных проспектах по продаже будущих квартир часто встречается фраза "с возможностью свободой планировки" (этим замечанием проектировщик заранее расписывается в невозможности предложить жильцам продуманную и оригинальную планировку квартир), но все же эти здания – безусловный прорыв по сравнению с советскими типовыми домами второй половины двадцатого века.

Вторая группа – архитектура демонстрации западных отделочных материалов и технических достижений. Это, в основном, общественные здания, будто специально созданные для доказательства совершенства алюминиевых листов и полос, структурного стекла, раздвижных дверей, искусственных мраморов и гранитов, натяжных потолков и, даже, обзорных лифтов. Объем здания – преувеличенный. И все же, создается впечатление, что такая архитектура – огромный прорыв в нашем самосознании. Каким-то непостижимым образом не наши высокотехнологичные материалы воспитывают нашу архитектуру, заставляют ее "подтянуть живот", быть внятной, лаконичной и точной. В некоторых случаях такая тесная связь с материалом рождает даже что-то сродни свободному архитектурному замыслу, который давно царствует в цивилизованных странах.

Третий – эксклюзивные здания, учитывающие "личность" заказчика. Это одноквартирные частные дома в которых явно преобладает либо романский стиль либо колониальная классика.

Именно романский стиль мы узнаем в крутых крышах, вертикально дробленном объеме здания, массе башен и башенок, завершенных теми же крутыми крышами, разнокалиберных балконах и террасах. Колониальная классика, в принципе чуждая нашему географическому пространству, по-видимому, знак родства со столпами "дикого" капитализма Соединенных Штатов.

Оформление фасадов – традиционное, с широким применением заменителей черепицы (металлочерепица), заменителей традиционных окон (металлический стеклопакет "под дерево") и т.д. Эта архаика возникает не от убожества сознания архитекторов, а, скорее, от банальности заказа. Стремление заказчиков подчеркнуть свою значимость и, в то же время, построить что-нибудь оригинальное при отсутствии вкуса и неумении прислушиваться к мнению проектировщика, приводит к примитивному результату. Если к этому прибавить еще генетическую боязнь проникновения в свое жилье (несмотря на все современные средства охраны пространства), то становится понятно приверженность именно к этим стилям.

Может быть, до чистого понятия "стиль" выделенным группам еще далеко, однако, ощущение, что зодчество сдвинулось с мертвой точки, все-таки есть. Архитектору дали вздохнуть чуть свободнее, проектировать чуть дороже, возможно, как уже не раз случалось в истории архитектуры, это приведет к настоящей свободе и элегантности.

49. Живопись, архитектура и скульптура 20-30-х гг. XX в

49. Живопись, архитектура и скульптура 20-30-х гг. XX в

Развитие искусства также характеризовалось существованием борьбы различных направлений. Ассоциация художников революции (АХР, 1922 г.) была самой массовой художественной организацией, ставившей своей целью развитие передвижнических традиций в духе «художественного документализма» (И. Бродский, Е. Чепцов, К. Юон). Другое значительное объединение – «Общество художников станковистов» (ОСТ, 1925 г.), организованное выпускниками ВХУТЕМАСа, стремилось к созданию картин, современных не только по своему содержанию, но и по изобразительным средствам (работы А. Дейнеки, Ю. Пименова и др.).

Плодотворно работали также основатель супрематизма К. Малевич и В. Кандинский.

Своеобразной является творческая манера К. С. Пет-рова-Водкина (1878–1939). Итогом исканий Петрова-Водкина стал настоящий шедевр – «Купание красного коня» (1912 г.).

Творчество Марка Шагала (1887–1985), охватывающее почти все XX столетие, стало одной из интереснейших страниц как русской, так и европейской живописи.

В. Е. Татлин (1885–1953) – художник русского авангарда, родоначальник конструктивизма.

В результате национализации земли и крупной недвижимости в городах единственным заказчиком строительных работ в советской России стало государство.

В первой половине 1920-х гг., когда строительство было ограничено, широко разрабатывались проекты различных зданий (жилые дома, дворцы труда, рабочие клубы, дома-коммуны). Развитие получил архитектурный стиль, основывающийся на так называемом конструктивизме. Стал возрождаться неоклассицизм.

Ярким примером технического новаторства служит московская радиобашня, возведенная в 1922 г. по проекту В. Г. Шухова (1853–1939).

Одновременно в стране велось массовое строительство. Разрабатывались типовые проекты жилых домов, школ, общественных учреждений. Развитие строительной индустрии было направлено прежде всего на удешевление и ускорение работ.

Особое общественно-политическое значение в России после 1917 г. приобрело искусство скульптуры.

Некоторое время советская скульптура еще сохраняла отголоски импрессионизма, модерна и авангарда начала XX в., но к концу 1920-х гг. главным ориентиром для большинства ваятелей стала классика. Здесь впервые были показаны напряженно-драматичная композиция И. Д. Шадра (1887–1941) «Булыжник – оружие пролетариата»; величественная, навеянная образом русского ампира, группа А. Т. Матвеева «Октябрь. Рабочий, крестьянин и красноармеец» и статуи В. И. Мухиной (1889–1953) «Крестьянка» и «Рабочий и колхозница» (обе 1927 г.).

Поделитесь на страничке

Следующая глава >

Скульптура начала XX века.

Для русской литературы и искусства начала XX в. было характерно повышенное внимание к внутреннему миру человека. Писатели и художники учились смотреть на окружающий мир глазами своих героев. Пожалуй, никто лучше А. П. Чехова не умел это делать. Чеховское отношение к человеку становилось общепризнанным в литературе, живописи, театре. Не избежала этих веяний и скульптура. В начале XX в. она в значительной мере утратила монументальность и героичность, свойственные ей в XIX в. она стала более камерной, интимной. Ведущим жанром стал портрет.

Между тем правительство продолжало увековечивать в бронзе царей и полководцев. В 1899 г. был объявлен конкурс на памятник Александру III. Совершенно неожиданно победителем оказался Павел Петрович Трубецкой (1866-1938). Сын русского князя и американки, он родился и вырос в Италии. Его чаще называли по-итальянски Паоло. По своему творческому направлению он был импрессионистом. Никогда не стремился к фотографической точности. Ему важнее было передать впечатление от натуры. Ухватив образ, поняв своего героя, он лепил быстро, легко, артистично, почти не глядя на натуру.

Любимыми персонажами Трубецкого были балерины, подростки, породистые собаки – утончённые и хрупкие, наивные и незащищённые. Даже Л. Н. Толстой в его изображении – щуплый, большеголовый, вовсе не «матёрый человечище». И только острый взгляд из-под клочковатых бровей выдаёт в нём гения.

Со стороны Трубецкого было большой смелостью взяться за скульптурный портрет Александра III. Этот человек никак не мог встать в один ряд с прежними его героями. Первоначально скульптор хотел его изобразить сидящим в кресле (именно в такой позе умер император). Но затем замысел круто изменился. В окончательном варианте Александр III, грузный, массивный, восседает на коне-тяжеловесе. Конь стоит неподвижно, упёршись ногами в землю, а царь властной рукой натягивает поводья, как бы желая сдвинуть его назад. Вокруг творения Трубецкого развернулись нешуточные споры. Многие считали, что налицо злостная пародия с политическим подтекстом. Но это было несправедливо, ибо князь отличался крайней аполитичностью. Между тем художественные достоинства его работы были вне сомнения. В 1909 г. в Петербурге на Знаменской площади (перед Московским вокзалом) состоялось торжественное открытие памятника.

Памятник Трубецкого завершил галерею бронзовых самодержцев на площадях северной столицы. Неудержим в своём стремлении вперёд Пётр I, изваянный Фальконе. Гарцует на лошади Николай I. И неподвижно застыл на своём битюге Александр III – символ позднего самодержавия.

Младшим современником Трубецкого был Сергей Тимофеевич Коненков (1874 – 1971). Выходец из крестьян, в первых своих произведениях он стремился запечатлеть образ человека труда. Таков его бронзовый «Каменобоец». В один ряд с ними стали «Крестьянин» и «Славянин», выполненные в мраморе.

Позднее в творчестве Коненкова возникли новые образы и темы. Под впечатлением от работ художников, группировавшихся в Абрамцеве и Талашкине, он увлекался сказочной, народной тематикой. Появились такие оригинальные произведения, как «Лесовик», «Великосил», «Стрибог». Все они были выполнены в дереве.

Коненкову удалось ввести в скульптуру народные мотивы, которые прежде всего находили воплощение в резьбе на избах, кустарных игрушках и других произведениях прикладного искусства. В этом смысле его работы шли в общем русле художественных поисков эпохи «модерна». Созданные Коненковым образы несли на себе печать подлинно народного оптимизма.

Степан Фёдорович Нефёдов-Эрьзя (1876 - 1959) происходил из мордовских крестьян народности эрзя. Творческие наклонности проявились у него очень рано. Ещё мальчиком мастерил он фигурки из чурок или глины. Но путь к вершинам мастерства был у него долгим и тяжёлым. Около десяти лет провёл молодой Нефёдов в артелях иконописцев, расписывая сельские храмы. Лишь в 1902 г. удалось ему поступить в Московское училище живописи, ваяния и зодчества. Проучившись год, он оставил живопись и перешёл на скульптурное отделение.

В 1906 г., окончив училище в возрасте 28 лет, Эрьзя уехал в Италию. В незнакомой стране, не зная языка, он первое время сильно бедствовал. Днём перебивался случайными заработками, вечером и ночью упорно работал. Так он создал скульптуру «Тоска» - автопортрет художника, измученного голодом, истосковавшегося по родине. Это произведение приобрёл художественный музей Ниццы.

Известный итальянский меценат, явившийся в мастерскую Эрьзи, увидел там целую серию готовых работ: «Сеятель», «Косец», «Усталость» и др. Две первые работы были портретами отца и дяди Эрьзи, выполненные по памяти. Произведения Эрьзи стали появляться на выставках, приобретаться музеями и меценатами. На Всемирной выставке в Венеции была показана его работа «Последняя ночь приговорённого к казни». В парижском «Салоне» была выставлена его скульптура «Расстрел».

В 1914 г., после восьмилетнего пребывания в Италии и Франции, Эрьзя вернулся в Россию. Одна из петербургских газет в те дни писала, что на его долю выпал странный жребий: головокружительный успех за границей и неизвестность в России. Слова насчёт странного жребия сразу же подтвердились: Эрьзя был арестован за связь с революционной эмиграцией. Едва ему удалось вырваться на свободу, как началась война и его мобилизовали.

Эрьзя умел в своих скульптурах передать и состояние духа, и красоту человеческого тела. Ему были послушны и мрамор, и дерево, и такие новые материалы, как цемент и железобетон. Цикл трагических по замыслу произведений («Тоска», «Последняя ночь», «Христос на кресте») был выполнен в цементе.

Кроме Трубецкого, Коненкова и Эрьзи, в России в то время работали и другие известные скульптуры. Но именно этим трём мастерам с особой силой удалось выразить основные тенденции развития отечественного веяния в начале XX в. – повышенное внимание к внутреннему миру человека и стремление к народности.

Русская скульптура 18-го - 20-го века

Э.Фальконе. Петр I

В отличие от других видов искусства скульптура не имела в России столь длительных и сильных традиций. Скульптура с первых шагов объединяет портрет, монументальную статую, декоративный барельеф и медальерное дело. В основном в те времена использовалось восковое и бронзовое литье, реже - белый камень и мрамор. Широкое распространение получила лепнина из алебастра, резьба по дереву. Большую роль в развитии искусства русской скульптуры сыграли поездки людей за границу. Они знакомились с античной скульптурой и даже привозили с собой в Россию. Использование скульптуры в декоративных целях началось уже с петровских времен, в частности, барельефами украшались триумфальные сооружения, фасады Летнего дворца и т.п.

Во 2-й половине 18-го века произошел замечательный подъем русской скульптуры. Блестящие мастера этого периода — Ф.Шубин, Ф.Гордеев, И.Прокофьев, Ф.Щедрин, И.Мартос — ничем не уступают зарубежным скульпторам своего времени, а кое в чем и превосходят их. Хотя русские мастера по-своему каждый индивидуален, однако все они основываются на общих творческих принципах. Объясняется это тем, что все скульпторы окончили Петербургскую Академию художеств и учились у выдающегося педагога — француза Никола Жилле. Огромную роль сыграл и классицизм, который предполагал глубокое изучение памятников античности. Широко распространились сюжеты, связанные с античной мифологией, библейскими преданиями, историческими событиями. Становится важным следовать высоким идеям гражданственности и патриотизма. Под влиянием античности, скульпторы воспевают героическую, мужественную красоту обнаженного человеческого тела, чаще мужского, реже - женского.

БАРТОЛОМЕО - КАРЛО РАСТРЕЛЛИ (1675 - 1744)

Он был наиболее крупным скульптором этого периода. Растрелли приехал в Россию в 1716 году и трудился здесь до конца жизни. Растрелли создал великолепную скульптуру Петра I.

Портрет Петра I (1723 -1729)


В сложном повороте головы, в смелом взлете мантии скульптор передал порывистость, эмоциональность характера Петра, значительность, внушительность его личности. Это наложили отпечаток одновременно стили барокко и классицизм, которые не могли не влиять на творчество Растрелли. Здесь воедино слиты великолепие облика царя и непреклонность характера государственного деятеля.

Б.-К. Растрелли. Портрет Анны Иоанновны с арапчонком

Императрица Анна Иоанновна предстоит в великолепном коронационном уборе, в сопровождении арапчонка, подносящего ей державу. Перед нами не статуя, а целая группа, где каждая фигура имеет отдельный постамент. Скульптура рассчитана на круговое обозрение. Растрелли выполнил скульптуру в стиле барокко, поэтому здесь присутствует принцип противопоставления: очень большая Анна Иоанновна и маленький арапчонок, очень статичная, величественная императрица и живой, подвижный мальчик, контраст сияющей глади лица, плеч, рук и матово мерцающей, испещренной драгоценными камнями и шитьем поверхности платья императрицы. Рослая и тучная, с лицом, как говорили современники, «более мужским, чем женским», Анна Иоанновна производит сильное, почти пугающее впечатление. Но это не эффект обличения, а заостренное возведение в ранг великолепия,величественности.

ФЕДОТ ИВАНОВИЧ ШУБИН (1740 - 1805)

Выходец с того же рыбацкого поселка, что и Ломоносов. Учился в Академии художеств, его главным учителем был скульптор Никола Жилле. Совершенствовал свое учение за рубежом, во Франции и Италии, изучал памятники античности. Шубин создал много замечательных скульптурных образов в стиле классицизма, стараясь раскрыть в человеке разные грани его личности, стараясь быть предельно объективным, деликатным и снисходительным. Однако иногда он мог смягчить и облагородить своеобразные черты модели.

Портрет И. С. Барышникова


Это чиновник высокого ранга — тайный советник. Скульптор подчеркнул на холеном лице Барышникова высокомерный, но умный взгляд, барственную осанистость. Чувствуется, что этот человек знает себе цену, умеет и стремится подчеркнуть аристократизм своей внешности.

Екатерина II — законодательница. Мрамор. 1789г.

Портрет М.В.Ломоносова. Мрамор. до 1793г.

Портрет императрицы Екатерины II

Э.Фальконе. Петр I ("Медный всадник")

ЭТЬЕН ФАЛЬКОНЕ (1716 - 1791)

К расцвету русской монументальной скульптуры имеет непосредственное отношение Э. М. Фальконе. Во Франции он был известен как мастер станковой и камерной скульптуры. Уже немолодым Фальконе пригласили в 1765 году в Россию, специально для выполнения императорского заказа — памятника Петру I. Здесь, в атмосфере складывающегося русского классицизма, он и выполнил эту монументальную работу. Прославленный памятник Петру I на Сенатской площади в Петербурге по праву считается детищем русской культуры.

Это героический образ, в котором главное — неукротимая, всесокрушающая энергия и целеустремленность воли. На огромный камень- скалу стремительно взлетает могучий конь и застывает с высоко поднятыми передними ногами. Петр повелительно простирает вперед руку, как бы утверждая свою волю, утверждая новую, преобразованную им Россию. В чертах лица Петра подчеркнута несокрушимая энергия, внутренний огонь. Красиво обрамленная кольцами волос голова увенчана лаврами. Фигура императора очень величава. На нем свободная одежда, поверх которой наброшен плащ, падающий крупными красивыми складками на круп коня.

Важным символом здесь является змея, которую топчет ногами конь. Змея издавна считалась европейскими народами воплощением зла, коварства. Фальконе выразил мысль о завистниках, коварных предателях, врагах всего нового, мешавших Петру в его преобразовательской деятельности.

Надпись к статуе Петра Великого.

Се образ изваян премудрого героя, что, ради подданных лишив себя покоя,
Последний принял чин и царствуя служил, свои законы сам примером утвердил,
Рожденны к скипетру, простер в работу руки, монаршу власть скрывал, чтоб нам открыть науки.
Когда он строил град, сносил труды в войнах, в землях далеких был и странствовал в морях,
Художников сбирал и обучал солдатов, домашних побеждал и внешних супостатов;
И словом, се есть Петр, отечества Отец; земное божество, Россия почитает,
И столько олтарей пред зраком сим пылает, коль много есть ему обязанных сердец.

Михаил Ломоносов.1743 - 1747

М. Козловский. Памятник А. В. Суворову в Петербурге. (1799 - 1801)

МИХАИЛ ИВАНОВИЧ КОЗЛОВСКИЙ (1753 — 1802)

Очень одаренный скульптор, закончил Академию художеств, как и Шубин, посетил Италию и Францию. Создал много произведений скульптуры разного жанра. Работал в жанре классицизма. Любил изображать античных героев, почти не ваяет женских моделей.

Больше всего ценит мужскую и юношескую натуру. Удлиненные пропорции нежного тела, рельеф мускулатуры, матовая поверхность мрамора; изящная поступь фигуры, изысканно склоненные головы; густые кудри, осеняющие открытые и смелые лица.

Но есть и другие произведения: герои-воины, воплощение зрелой мужской красоты; еще не остывший от боя Аякс с с безжизненным телом Патрокла; Геркулес, легко взлетающий на коне; Самсон, разрывающий пасть льва.

Памятник Суворову был создан в конце жизни Козловского. В этом памятнике скульптор передает обобщенный образ всех античных героев, внеся некоторое портретное сходство с полководцем. Памятник отражает не столько личность прославленного полководца, сколько идею военного триумфа России.
Мужественная грация Суворова ярко воплощает понимание прекрасного 18-го столетия. Фигура вознесена на невысокую площадку стройного цилиндрического постамента в изящной, почти танцевальной позиции.

Суворов показан как защитник справедливости. Он стоит с обнаженным мечом в правой руке, а левая прикрывает щитом священный алтарь с эмблемами государств, на выручку которым спешила в Европу российская армия в 1799 году. На герое доспехи с элементами древнеримского и рыцарского вооружения, лицо сохраняет лишь отдаленное сходство с оригиналом, но это не мешает воспринимать в образе полководца черты национального военного гения.

Главное, что бросается в глаза в статуе, — это четкий, сильный шаг вперед и неотразимый взмах меча. Стремительный натиск, оживший в облике героя, напоминает о славном прозвище Суворова — «генерал Вперед!».

А. М. Опекушин. Памятник А.С.Пушкину в Москве

Александр Михайлович Опекушин

(1838 - 1923)

Скульптор, образование получил под руководством профессора Иенсена, после чего занимался в Академии художеств, которая в 1874 году присвоила ему звание академика.

Из его работ наиболее известны несколько работ, самая известная - памятник А.С. Пушкину в Москве.

Расположен на Пушкинской площади столицы. Уже издали хорошо видна фигура поэта на высоком постаменте, по четырем сторонам которого помещены фонари, своей формой напоминающие пушкинские времена. При близком рассмотрении поэт предстает совсем как живой. Он спокойно стоит в глубокой задумчивости. Слегка наклонив голову вниз, он будто смотрит на людей, проходивших мимо, отчего образ Пушкина приобретает теплоту, задушевность. 

Перед нами - поэт-мыслитель, поэт-лирик. Естественная простота, лирическая мягкость, даже нотки интимности, присущие образу поэта, не снижают его значительности, необходимой в памятнике-монумнте.

Черты лица поэта проработаны довольно подробно и вместе с тем обобщенно, чтобы хорошо просматривались с расстояния. Одежда умело создает выразительный объем - плащ спадает с плеч и покрывает спину мягкими тяжелыми складками неровной длины, обобщая форму и придавая силуэту живописность и красоту.

А. С. Пушкин

Тысячелетие России (фрагмент)

Петр I

Русский авангард в скульптуре - направления, скульпторы 20 века

Начало 20 века ознаменовало наступление эпохи поиска и экспериментов. Новое время требовало новых подходов и идей. Отечественная художественная мысль, формировавшаяся под воздействием:

  • многообразных внешних (развитие модернистских течений в Европе)
  • и внутренних (изменение социально-политической атмосферы) факторов,

также искала новые формы выхода.

Творческая трансформация затронула все сферы человеческой жизни, в частности и скульптуру.

Направления, идеи, авторы стиля авангард в скульптуре

Пересмотр категорий, методов и инструментов, которыми оперировала традиционная скульптура, тесно связан с европейскими тенденциями. Многие российские мастера, обучавшиеся в парижской Школе изящных искусств, по возвращении домой становились проводниками новых идеологических течений. Некоторые из них преподавали в Московском училище живописи, ваяния и зодчества – творческой альма-матер, где происходило дальнейшее вызревание новаторских приемов и концепций.

Не исключением стал и именитый ученик Огюста Родена Павел (Паоло) Трубецкой – протагонист импрессионизма в скульптуре России.
Идеологические постулаты импрессионистического направления сводились к следующим:

  • Динамичность образа. Скульпторы противопоставляли действие статике, стремились «оживить» творение, улавливая и фиксируя мимолетность жестов, движений, поз;
  • Художественная многогранность. Разнообразие фактуры, светотеневые акценты, игра бликов фактически подчинили себе видимую сторону скульптуры

П.Трубецкой. Памятник Александру III

Своеобразный и неповторимый стиль Трубецкого, основанный на пластичности и строгости форм, психологической выразительности, отсутствии инертных поверхностей наиболее ярко проявился в одном из самых колоритных монументов 20 века — памятнике Александру III.
Но постепенно импрессионистские мотивы, которыми была насыщена скульптура начала 20 века, уступают место неоархаике и кубизму, идейно и композиционно связанных друг с другом с 1910 года.

Популярность фольклорной тематики (сюжеты, символы) – своего рода фундамента неоархаического стиля – была обусловлена уникальным открытием художниками Парижа новых источников вдохновения в технике и приемах неклассической скульптуры (древнеассирийской, африканской). Среди материалов, помимо глины и мрамора, активно осваиваются дерево и камень. Параллельно, в первую очередь, в живописи, в трехмерных стереометрических полотнах Пикассо, формируется идеология кубизма.
Неоархаика и кубизм характеризовались концептуальной схожестью, в частности, в отношении восприятия объема и массы как смыслообразующих скульптурных единиц.

Стал активно развиваться и применяться метод прямой рубки, предполагающий высекание художественного объекта непосредственно в материале (мрамор, дерево), в обход предварительной лепки из глины.

Идейная сущность кубизма, обнажающая тяготение к упрощенным формам и геометризации фигур, нашла отражение в работах Александра Архипенко и Осипа Цадкина, чье творческое становление проходило в Европе и США.

Художественное освоение «негативного пространства» у Архипенко («Гондольер», «Идущая женщина») и выразительное использование пустот и разрывов у Цадкина («Орфей») дополняли и совершенствовали стилевой и идейный рисунок данного направления.

Динамичное освоение метода кубистической деформации, особенно явно реализованного как в работах скульпторов, так и в живописи Пикассо в период 1909-1914 гг., формировало понимание скульптуры как материальной осязаемости.

А.Архипенко. «Идущая женщина»

Влияние кубизма прослеживается в трудах, особенно ранних, и многих других именитых мастеров искусства. Так, в творчестве Веры Мухиной — ученицы Антуана Бурделя – оно выразилось в экспрессии и остроте форм и гармоничности зрительных объемов, а в интерпретации Бориса Королева (1914-1921 гг.) – в предельной геометризации тела человека, обобщенных примитивах и социально-психологической напряженности. Надо отметить, что известный кубистический проект Королева – памятник Бакунину – был сурово раскритикован, что заставило скульптора пересмотреть взгляды и перенести свое художественное видение в область реализма.

О.Цадкин «Орфей»

Таким образом, творческая среда 1920-х гг. находилась в постоянном колебании. Концептуальное и практическое совершенствование и переплетение различных течений авангарда, особенно воздействие кубизма и экспериментов в живописи, создавали новаторское художественное полотно, на котором скульпторы 20 века активно переплавляли идейную дискретность в целостные образы, дополняя и обогащая их персонализированными штрихами.

Сформировались новые принципы:

  • лаконизм форм, граничащий со схематичностью;
  • значимость фактуры (характера поверхности изделия, способа обработки) как инструмента психо — эмоциональной выразительности;
  • важность цвета (контрастности, насыщенности, колорита) как способа самовыражения

Ярким примером данных тенденций были работы Исидора Фрих-Хара («Шашлычник», «Поэт пустыни»), функционально комбинирующие утилитарную и эстетическую сущности материала с эмоциональной окантовкой художественного примитива, и Дмитрия Цаплина («Грузчик»), обнажающие тяготение к стихийной неоархаике.

В это же время формируется новое понимание пространства: оно становится не фоном, а композиционным элементом, отображающим идейную составляющую скульптуры; инструментом аккумулирования и гармонизации центробежных сил.

Такая динамическая, структурозадающая сущность пространства была наглядно отражена в трудах Иосифа Чайкова конца 1910- начала 1920 гг. Надо отметить, что почвой для авторского вдохновения служили концепции супрематизма, конструктивизма и элементы скульптживописи Архипенко.
Особое прочтение в скульптурной традиции русского авангарда, помимо кубизма и неоархаики, получил символизм. Значимую роль в развитии данного направления сыграл Александр Матвеев.

Работы мастера и труды его учеников отражали основные идеологические принципы символизма:

  • композиционную завершенность и сбалансированность;
  • ясное понимание объемов и их конструктивное взаимопроникновение

План «монументальной пропаганды», принятый Лениным в 1918 году, корректирует и видоизменяет стилевые особенности авангардистских течений, в том числе и символизма. Набирает обороты так называемый монументализированный стиль, наложивший отпечаток на работу с неопримитивами.

Новые веяния, в частности, проявились в скульптуре «Мудрость» Иннокентия Суворова, входившего в коллектив «мастеров аналитического искусства» под руководством художника Павла Филонова. Это произведение было выполнено в технике так называемого «сделанного примитива» и отличалось асимметричностью линий и философской выразительностью, взывающей к пониманию единства новой социальной реальности с вечностью. В таком же идейном ключе создавали свои работы Беатриса Сандомирская и Сергей Меркуров («Мысль», «Смерть вождя»).

Скульптура авангарда и другие искусства

Творческие пробы и искания расщепляли художественные границы, создавая условия для идейного заимствования. Показательным примером перманентного взаимопроникновения жанров и областей являлись опыты Татлина, работавшего на стыке живописи и скульптуры. Он создавал «искусство» из любых, порой совершенно неэстетичных бытовых материалов. Его контррельефы и коллажи ознаменовали творческую экспансию трехмерного пространства, формирование нового культурного смысла через сопоставление различных вещественных сущностей.

Татлин. «Контрельеф»

Его произведения – симбиоз структурной эргономичности и глубины; скульптура, в его понимании, – процесс не только мысленного созидания, но и практического конструирования. Идеи художники нашли яркое отражение в создании знаменитой Башни III Интернационала (1919-1920 гг.) и футуристического проекта летательного аппарата «Леталин».
Также в 1919 году в трудах другого деятеля искусства – скульптора и графика Давида Якерсона — стали прослеживаться принципы супрематизма. Якерсон активно использовал технику прямой рубки и создавал художественно-осмысленные постаменты – номинальные предвозвестники будущих архитектонов Малевича.
Скульптурно – архитектурное взаимодействие просматривалось в воплощенных работах и аналитических изысканиях конструктивистов и рационалистов. Например, Николай Ладовский и Борис Королев активно сотрудничали в сфере поиска гармоничных сочетаний пластики и пространства.

Историческое значение русского авангарда в скульптуре 20 века

Идейно-художественная активность 20-х гг. трансформировалась в ряд новаторских скульптурных проектов, начиная с вращающейся башни Татлина и заканчивая памятником 26 бакинским комиссарам Якулова (1923 г.) и эпическими ленинградскими проектами памятников Ленину (1932 г.).
Модернизм в архитектуре воплотился также в пространственно-повествовательных и отличающихся особой пластикой декоративных композициях Меера Айзенштадта и Иосифа Чайкова.
Но наработки 20-х гг. фактически не нашли конструктивного отклика в будущем. В монументальном искусстве 60-х гг., наглядно реализованном в творчестве Владимира Кудряшова и художественного объединения «Изорам», в качестве питательного идейно-сюжетного сырья использовались мотивы и комбинации, отраженные в формализованных, каркасных фигурах, создаваемых для массовых праздников 1920-1930-х гг. и отличающихся эффектными очертаниями силуэта, композиционным лаконизмом и острой социальной подоплекой.

Но, несмотря на это, скульптура 20 века во всей своей эклектичной выразительности оказала заметное влияние на формирование отечественного художественного мировоззрения.

Вам понравилось? Не скрывайте от мира свою радость - поделитесь

Добавить комментарий

Ваш адрес email не будет опубликован. Обязательные поля помечены *