Эпохи стили: Эпохи и стили — все самое интересное на ПостНауке
Стили и направления в изобразительном искусстве
Число стилей и направлений огромно, если не бесконечно. Ключевым признаком, по которому произведения можно группировать по стилям, являются единые принципы художественного мышления. Смена одних способов художественного мышления другими (чередование типов композиций, приемов пространственных построений, особенностей колорита) не случайна. Исторически изменчиво и наше восприятие искусства.
Выстраивая систему стилей в иерархическом порядке, будем придерживаться европоцентристской традиции. Наиболее крупным в истории искусства является понятие эпохи. Для каждой эпохи характерна определенная «картина мира», которая складывается из философских, религиозных, политических идей, научных представлений, психологических особенностей мировосприятия, этических и моральных норм, эстетических критериев жизни, по которой и отличают одну эпоху от другой. Таковы Первобытная эпоха, эпоха Древнего мира, Античность, Средние века, Возрождение, Новое время.
Стили в искусстве не имеют четких границ, они плавно переходят один в другой и находятся в непрерывном развитии, смешении и противодействии. В рамках одного исторического художественного стиля всегда зарождается новый, а тот, в свою очередь, переходит в следующий. Многие стили сосуществуют одновременно и поэтому «чистых стилей» вообще не бывает.
Следует различать: художественные стили, направления, течения, школы и особенности индивидуальных стилей отдельных мастеров. В рамках одного стиля может существовать несколько художественных направлений. Художественное направление складывается как из типичных для данной эпохи признаков, так и из своеобразных способов художественного мышления.
Стиль модерн, например, включает ряд направлений рубежа веков: и постимпрессионизм, и символизм, и фовизм и т.д. С другой стороны, понятие символизма, как художественного направления, хорошо разработано в литературе, в то время как в живописи оно очень размыто и объединяет художников, настолько разных стилистически, что часто трактуется лишь как объединяющее их мировоззрение.Ниже будут приведены определения эпох, стилей и направлений, которые так или иначе отразились в современном изобразительном и декоративно-прикладном искусстве.
Готика – художественный стиль, сформировавшийся в странах Западной и Центральной Европы в XII-XV вв. Он явился результатом многовековой эволюции средневекового искусства, его высшей стадией и одновременно первым в истории общеевропейским, интернациональным художественным стилем. Он охватил все виды искусства – архитектуру, скульптуру, живопись, витраж, книжное оформление, декоративно-прикладное искусство. Элементы готического искусства часто можно встретить в современном оформлении интерьеров, в частности, в настенной росписи, реже в станковой живописи. С конца прошлого века существует готическая субкультура, ярко проявившаяся в музыке, поэзии, дизайне одежды. | |
Возрождение ( Ренессанс) — (франц. Renaissance, итал. Rinascimento) Эпоха в культурном и идейном развитии ряда стран Западной и Центральной Европы, а также некоторых стран Восточной Европы. Основные отличительные черты культуры Возрождения: светский характер, гуманистическое мировоззрение, обращение к античному культурному наследию, своего рода «возрождение» его (отсюда и название). Культура Возрождения обладает специфическими особенностями переходной эпохи от средневековья к новому времени, в которой старое и новое, переплетаясь, образуют своеобразный, качественно новый сплав. Сложным является вопрос о хронологических границах Возрождения (в Италии — 14-16 вв., в других странах — 15-16 вв.), его территориальном распространении и национальных особенностях. Элементы этого стиля в современном искусстве довольно часто используются в настенных росписях, реже в станковой живописи. | |
Маньеризм — (от итальянского maniera — приём, манера) течение в европейском искусстве XVI века. Представители маньеризма отошли от ренессансного гармонического восприятия мира, гуманистической концепции человека как совершенного творения природы. Острое восприятие жизни сочеталось с программным стремлением не следовать природе, а выражать субъективную «внутреннюю идею» художественного образа, рождающегося в душе художника. Ярче всего проявился в Италии. Для итальянского маньеризма 1520-х гг. (Понтормо, Пармиджанино, Джулио Романо) характерны драматическая острота образов, трагизм мировосприятия, усложненность и преувеличенная экспрессия поз и мотивов движения, удлиненность пропорций фигур, колористические и светотеневые диссонансы. | |
| Барокко — исторический художественный стиль, получивший распространение первоначально в Италии в сер. XVI-XVII столетия, а затем во Франции, Испании, Фландрии и Германии XVII-XVIII вв. Шире этот термин используется для определения вечно обновляющихся тенденций беспокойного, романтического мироощущения, мышления в экспрессивных, динамичных формах. Наконец, в каждом времени, почти в каждом историческом художественном стиле можно обнаружить свой «период барокко» как этап наивысшего творческого подъема, напряжения эмоций, взрывоопасности форм. | |
Классицизм – художественный стиль в западноевропейском искусстве XVII — нач. XIX века и в русском XVIII — нач. XIX, обращавшийся к античному наследию как к идеалу для подражания. Он проявился в архитектуре, скульптуре, живописи, декоративно-прикладном искусстве. | |
| Романтизм – направление в европейском и русском искусстве 1820-1830-х гг., сменившее классицизм. Романтики выдвигали на первый план индивидуальность, противопоставляя идеальной красоте классицистов «несовершенную» действительность. Художников привлекали яркие, редкие, необычайные явления, а также образы фантастического характера. В искусстве романтизма большую роль играет острое индивидуальное восприятие и переживание. Романтизм освободил искусство от отвлеченных классицистических догм и повернул его к национальной истории и образам народного фольклора. | |
Сентиментализм — (от лат. sentiment — чувство) – направление западного искусства второй половины XVIII., выражающее разочарование в “цивилизации”, основанной на идеалах “разума” (идеологии Просвещения). С. провозглашает чувство, уединенное размышление, простоту сельской жизни “маленького человека”. Идеологом С. считается Ж.Ж.Руссо. | |
| Реализм – направление в искусстве, стремящееся с наибольшей правдой и достоверностью отобразить как внешнюю форму, так и сущность явлений и вещей. Как творческий метод соединяет в себе индивидуальные и типические черты при создании образа. Самое длительное по времени существования направление, развивающееся от первобытной эпохи до наших дней. | |
Символизм – направление в европейской художественной культуре конца XIX-начала XX вв. Возникший как реакция на господство в гуманитарной сфере норм буржуазного «здравомыслия» (в философии, эстетике — позитивизма, в искусстве — натурализма), символизм прежде всего оформился во французской литературе конца 1860-70-е гг., позднее получил распространение в Бельгии, Германии, Австрии, Норвегии, России. Эстетические принципы символизма во многом восходили к идеям романтизма, а также к некоторым доктринам идеалистической философии А. | |
Импрессионизм – (от фр. impression – впечатление) направление в искусстве последней трети XIX – начала XX в., возникшее во Франции. Название было введено художественным критиком Л. Леруа, пренебрежительно отозвавшемся о выставке художников 1874 года, где среди прочих была представлена картина К. Моне «Восход солнца. Впечатление». Импрессионизм утверждал красоту реального мира, акцентируя свежесть первого впечатления, изменчивость окружающего. Преимущественное внимание к решению чисто живописных задач уменьшало традиционное представление о рисунке как о главной составной части произведения искусства. Импрессионизм оказал мощное воздействие на искусство европейских стран и США, пробудил интерес к сюжетам из реальной жизни. (Э. Мане, Э. Дега, О. Ренуар, К. Моне, А. Сислей и др.) | |
| Пуантилизм – течение в живописи (синоним – дивизионизм), развивавшееся в рамках неоимпрессионизма. Неоимпрессионизм возник во Франции в 1885 году и получил распространение также в Бельгии и Италии. Неоимпрессионисты пытались применить в искусстве новейшие достижения в области оптики, согласно которым выполненная раздельными точками основных цветов живопись в зрительном восприятии дает слияние цветов и всю гамму живописи. (Ж. Сера, П. Синьяк, К. Писсарро). | |
Постимпрессионизм – условное собирательное название основных направлений французской живописи к. XIX – 1-ой четв. XX в. Искусство постимпрессионизма возникло как реакция на импрессионизм, который фиксировал внимание на передаче мгновения, на ощущении живописности и утратил интерес к форме предметов. Среди постимпрессионистов – П. Сезанн, П. Гоген, В. Гог и др. | |
| Модерн – cтиль в eвpoпeйcкoм и aмepикaнcкoм иcкyccтвe нa pyбeжe XIX-XX вeкoв. Мoдepн пepeocмыcливaл и cтилизoвaл чepты иcкyccтвa paзныx эпox, и выpaбoтaл coбcтвeнныe xyдoжecтвeнныe пpиeмы, ocнoвaнныe нa пpинципax acиммeтpии, opнaмeнтaльнocти и дeкopaтивнocти. Объeктoм cтилизaции мoдepнa также cтaнoвятcя и пpиpoдныe фopмы. Этим oбъяcняeтcя нe тoлькo интepec к pacтитeльным opнaмeнтaм в пpoизвeдeнияx мoдepнa, нo и caмa иx кoмпoзициoннaя и плacтичecкaя cтpyктypa — oбилиe кpивoлинeйныx oчepтaний, oплывaющиx, нepoвныx кoнтypoв, нaпoминaющиx pacтитeльныe фopмы. Тecнo cвязaн c мoдepнoм — cимвoлизм, пocлyживший эcтeтикo-филocoфcкoй основой для мoдepнa, опиpaясь нa мoдepн кaк нa плacтичecкyю peaлизaцию cвoиx идeй.  Модерн имел в разных странах разные названия, которые в сущности являются синонимами: Ар Нуво – во Франции, Сецессион – в Австрии, Югендстиль – в Германии, Либерти – в Италии. | |
| Модернизм – (от фр. modern – современный) общее название ряда направлений искусства первой половины XX в., для которых характерны отрицание традиционных форм и эстетики прошлого. Модернизм близок авангардизму и противоположен академизму. | |
| Авангардизм – название, объединяющее круг художественных направлений, распространенных в 1905-1930-х гг. (фовизм, кубизм, футуризм, экспрессионизм, дадаизм, сюрреализм). Все эти направления объединяет стремление обновить язык искусства, переосмыслить его задачи, обрести свободу художественного выражения. | |
Сезаннизм – направление в искусстве к. XIX – н. XX в., основанное на творческих уроках французского художника Поля Сезанна, который сводил все формы в изображении к простейшим геометрическим фигурам, а колорит – к контрастным построениям теплых и холодных тонов. Сезаннизм послужил одной из отправных точек для кубизма. В большой мере сезаннизм повлиял также на отечественную реалистическую школу живописи. | |
| Фовизм – (от fauve – дикий) авангардистское течение во французском искусстве н. XX в. Название «дикие» было дано современными критиками группе художников, выступивших в 1905 г. В парижском Салоне независимых, и носило иронический характер. В группу входили А. Матисс, А. Марке, Ж. Руо, М. де Вламинк, А. Дерен, Р. Дюфи, Ж. Брак, К. ван Донген и др. Фовистов сближали тяготение к лаконичной выразительности форм и интенсивным колористическим решениям, поиск импульсов в примитивном творчестве, искусстве средних веков и Востока. | |
Примитивизм – намеренное упрощение изобразительных средств, подражание примитивным стадиям развития искусства. Этим термином обозначают т.н. наивное искусство художников, не получивших специального образования, однако вовлеченных в общий художественный процесс к. XIX – нач. XX века. Произведениям этих художников – Н. Пиросмани, А. Руссо, В. Селиванова и др. присуща своеобразная детскость в интерпретации натуры, сочетание обобщенной формы и мелкой буквальности в деталях. Примитивизм формы отнюдь не предопределяет примитивность содержания. Он часто служит источником для профессионалов, заимствовавшим из народного, по сути примитивного искусства формы, образы, методы. Из примитивизма черпали вдохновение Н. Гончарова, М. Ларионов, П. Пикассо, А. Матисс. | |
Академизм – направление в искусстве, сложившееся на основе следования канонам античности и эпохи Возрождения. Бытовало во многих европейских школах искусства с XVI по XIX век. Академизм превращал классические традиции в систему «вечных» правил и предписаний, сковывавших творческие поиски, пытался противопоставить несовершенной живой природе «высокие» улучшенные, доведенные до совершенства вненациональные и вневременные формы красоты. Для Академизма характерно предпочтение сюжетов из античной мифологии, библейских или исторических тем сюжетам из современной художнику жизни. | |
| Кубизм – (фpaнц. cubisme, oт cube — кyб) нaпpaвлeниe в иcкyccтвe пepвoй чeтвepти XX вeкa. Плacтичecкий язык кyбизмa ocнoвывaлcя нa дeфopмaции и paзлoжeнии пpeдмeтoв нa гeoмeтpичecкиe плocкocти, плacтичecкoм cдвигe фopмы. Рождение кубизма приходится на 1907-1908 года – канун первой мировой войны. Бесспорным лидером этого направления стал поэт и публицист Г.Аполлинер. Это течение одним из первых воплотило ведущие тенденции дальнейшего развития искусства ХХ века. Одной из этих тенденций стало доминирование концепции над художественной самоценностью картины. Отцами кубизма считают Ж.Брака и П.Пикассо. К возникшему течению примкнули Фернан Леже, Робер Делоне, Хуан Грис и др. | |
Сюрреализм — течение в литературе, живописи и кинематографе, возникшее в 1924 году во Франции. Оно в значительной мере способствовало формированию сознания современного человека. Главные деятели движения – Андре Бретон, Луи Арагон, Сальвадор Дали, Луис Бунюэль, Хуан Миро и многие другие художники всего мира. Сюрреализм выражал идею существования за пределами реального, особенно важную роль здесь приобретают абсурд, бессознательное, сны, грезы. Одним из характерных методов художника-сюрреалиста является отстранение от осознанного творчества, что делает его инструментом, различными способами извлекающим причудливые образы подсознания, родственные галлюцинациям. Сюрреализм пережил несколько кризисов, пережил вторую мировую войну и постепенно, сливаясь с массовой культурой, пересекаясь с трансавангардом, вошел в качестве составной части в постмодернизм. | |
Футуризм — (oт лaт. futurum — бyдyщee) литepaтypнo-xyдoжecтвeннoe тeчeниe в иcкyccтвe 1910-x гoдoв. Oтвoдя ceбe poль пpooбpaзa иcкyccтвa бyдyщeгo, фyтypизм в кaчecтвe ocнoвнoй пpoгpaммы выдвигaл идeю paзpyшeния кyльтypныx cтepeoтипoв и пpeдлaгaл взaмeн aпoлoгию тexники и ypбaнизмa кaк глaвныx пpизнaкoв нacтoящeгo и гpядyщeгo. Baжнoй xyдoжecтвeннoй идeeй фyтypизмa cтaл пoиcк плacтичecкoгo выpaжeния cтpeмитeльнocти движeния кaк ocнoвнoгo пpизнaкa тeмпa coвpeмeннoй жизни. Pyccкaя вepcия фyтypизмa нocилa нaзвaниe кyбoфyтypизм и былa ocнoвaнa нa coeдинeнии плacтичecкиx пpинципoв фpaнцyзcкoгo кyбизмa и eвpoпeйcкиx oбщeэcтeтичecкиx ycтaнoвoк фyтypизмa. |
Стили в живописи: от ренессанса до абстракционизма
Барокко, рококо, классицизм… Это все стили в живописи. Некоторые существовали в конкретную эпоху. Тогда достаточно посмотреть на дату создания картины и понять, какой это стиль.
Но многие пересекались во времени: один стиль ещё в моде, а другой уже наступает ему на пятки. В таком случае даты не всегда помогут.
Хорошо бы знать основные черты каждого стиля. Ещё лучше – понимать, почему тот или иной стиль возник.
С чего вдруг художники переключились с прекрасного ренессанса на вычурное барокко.
Почему строгий классицизм был вытеснен зыбким импрессионизмом.
И зачем художники повально отказались от эстетики и ударились в экспрессионизм.
А потом и вовсе отошли от узнаваемых образов, увлёкшись абстракционизмом.
Разберём каждый стиль. Начнём с ренессанса.
Позади средневековье и торжество духа над телом. Плоские лица и бесформенные одежды во множестве населяли готические соборы.
Ренессанс же сместил фокус с духовного на телесное. Вернее на человека красивого и благородного.
Почему стиль ренессанс возник
В Италии в конце 15 века картины стали заказывать не церковники, а банкиры.
Они были людьми не только богатыми, но и образованными. Читали древнегреческих поэтов. А заодно ещё и видели найденные скульптуры Древнего Рима. Их в то время много раскапывали.
Сандро Боттичелли. Рождение Венеры. 1484 г. Галерея Уфицци, ФлоренцияЖелание любоваться телесной красотой и восприятие человека, как мыслящего и достойного существа – таков был настрой заказчиков. Художники эти пожелания услышали.
Время расцвета стиля
Стиль ренессанс (или эпохи возрождения, что одно и то же) расцвел в конце 15 века, начиная с работ Боттичелли. И завершился в конце 16 века, работами Тициана.
Характерные черты стиля ренессанс
На картинах эпохи возрождения весь фокус – на человеке. Поэтому в это время почти не встречаются пейзажи и совсем нет натюрмортов. Это одна или несколько фигур. Чаще в спокойной и неподвижной позе. Красивые и благородные черты лица. Уверенный взгляд на зрителя.
Рафаэль. Портрет Бальдассаре Кастильоне. 1514-1515 гг. Лувр, ПарижЕсли это святой, то он почти не отличается от человека. Часто под образом Мадонны или древнегреческой богини скрывались возлюбленные, супруги или дочери.
Боттичелли, например, в образе Венеры изобразил восхищавшую его реальную девушку, Симонетту Веспуччи.
Сандро Боттичелли. Рождение Венеры. 1484 г. Галерея Уффици, ФлоренцияЛицо или руки выполнялись в технике сфумато, то есть как будто покрытые дымкой. Эту технику придумал Леонардо да Винчи. Она позволяет сделать изображение человека более живым. Его Мона Лиза выполнена как раз с эффектом сфумато.
Картины Возрождения часто яркие. Эпоха полутонов и нежных оттенков ещё впереди. О колорите ещё мало заботились. По сути просто раскрашивали красивые формы.
Микеланджело. Ливийская сивилла. 1508-1512 гг. Фрагмент росписи Сикстинской Капеллы, ВатиканЯркий пример стиля ренессанс
Самых красивых и благородных в Эпоху Возрождения писал Рафаэль. Пожалуй, он самый классический художник стиля ренессанс. Вот его “Мадонна в зелени”.
Рафаэль Санти. Мадонна в зелени. 1505-1506 гг. Музей истории искусств, Вена, АвстрияВ ней есть почти все, чем славится Возрождение. И красота, и благородство, и сфумато.
Художники стиля ренессанс
Боттичелли, Леонардо да Винчи, Микеланджело, Тинторетто, Тициан.
Стиль ренессанс не исчез бесследно со смертью Тициана. Его черты вобрал каждый последующий стиль.
Художники всех мастей боготворили Рафаэля. Жесты и улыбки его героев повторены сотни раз в картинах на протяжении 300 лет.
Точку в этой всеобщей любви к ренессансу поставили импрессионисты. Но о них позже.
О художниках Ренессанса читайте в моей статье “6 великих мастеров эпохи возрождения”.
Ренессанс, безусловно, прекрасен. Но статичен и аскетичен. С цветом художники Возрождения тоже не особо возились. Поэтому часто их работы похожи на раскраски (не считая Тициана, конечно).
А вот стиль Барокко все эти моменты учел. Барокко – это движение, роскошь и виртуозный колорит.
Рубенс. Вознесение Марии. 1618 г. Музей Кунстпаласт, ДюссельдорфПочему стиль барокко возник
Вера в человека и республика, как форма правления, в Италии долго не продержались. Вернулась монархия. А монархам нужна была другая живопись.
Заказчики хотели показать себя во всей красе и с размахом украшать свои дворцы. Нужны были пышность и блеск. Художники быстро уловили, куда ветер дует. Так появился барокко.
Питер-Пауль Рубенс. Пребытие Марии Медичи в Марсель. Из цикла картин «Галерея Медичи». 394×295 см.
1622-1625 гг. Лувр, ПарижВремя существования барокко
Расцвет барокко – это 17 век. Но в этом стиле создавались полотна вплоть до начала 19 века. Это стиль, который дольше всех продержался в истории искусства. Роскошь и ослепляющий блеск были в моде аж 200 лет.
Орацио Джентилески. Даная. 1621 г. Музей Гетти, г. Лос-Анджелес, СШАХарактерные черты барокко
Куча-мала из обнаженных тел, копьев и экзотических животных – самое что ни на есть барокко. Если смотрите и на ум приходят слова «как эмоционально и динамично», значит это барокко.
Питер-Пауль Рубенс. Охота на крокодила и гиппопотама. 1616 г. Старая Пинакотека, МюнхенЕщё барокко – этакая смесь живописи и театра. Неяркий свет выхватывает из тьмы драматическое действо. Сюжеты выбирались под стать: сцены пыток христианских мучеников, убийства и переломные моменты в жизни святых.
Караваджо. Обращение савла. 1600 г. Церковь Санта-Мария-дель-Пополо, РимЯркий пример стиля барокко
Кучу-малу из людей и животных любил Рубенс.
Его «Охота на львов» – тому подтверждение.
А вот мастером театральной барочной живописи был Караваджо. Движения у него не такие зашкаливающие, как у Рубенса. Но эмоций и драмы у него хоть отбавляй. Как в картине «Положение во гроб».
Караваджо. Положение во гроб. 1602 г. Пинакотека ВатиканаГлавные художники стиля барокко
Динамичное барокко (рубеновское) ищите у Симона Вуэ и Тьеполо.
Театральное барокко (так называемый караваджизм) ищите у Рембрандта, Джентилески (и у отца, и у дочери), а также Мурильо.
Еще учтите один момент. Барокко “страдает” излишествами. Но не только нарисованными. Огромное полотно 5 метров в длину и массивная позолоченная рама – идут, как правило, в придачу.
Барокко и Рококо часто путают. Но у них есть принципиальное отличие. Барокко – про помпезность. Рококо – про изящество. Барокко про сильные эмоции, даже эмоциональный надрыв. Рококо – про поверхностные чувства.
Почему возник стиль рококо
Однажды заказчики устали от драмы и накала страстей. Захотелось легкой болтовни, флирта и поцелуев. Так возник стиль рококо.
Жан-Оноре Фрагонар. Украденный поцелуй. 1780-е года. Эрмитаж, Санкт-ПетербургА если серьёзно, появлению стиля способствовала мадам Помпадур, любовница французского короля Людовика XV. Она любила ангелочков, цветочный орнамент и нежные цвета.
Период расцвета рококо
Век рококо был коротким. Как говорится, отдохнули и хватит. Так что стиль просуществовал всего лет 50 (с середины 18 века до начала гражданской войны во Франции). Кровожадной гильотине были не к лицу легкомысленные образы.
Франсуа Буше. Мадам Помпадур. 1756 г. Старая пинакотека, МюнхенХарактерные черты стиля рококо
Большинство героев – розовощёкие (но не пышные, как в барокко) девушки среди цветов и кавалеров. Все довольны и счастливы. Барочной драмы как и не бывало.
Художники стиля рококо пользовались тонкой кисточкой – мелкие листочки, тонкий слой краски, крохотные детали.
Антуан Ватто. Паломничество на остров Киферу. 1717 г. 129 × 194 см. Лувр, ПарижЯркий пример стиля рококо
Классическая картина в стиле рококо – это «Качели» Фрагонара. Тут и флирт, и тонконогая девица. О ней можно почитать в моей статье “Качели Фрагонара: главный шедевр эпохи рококо”.
Жан Оноре Фрагонар. Качели. 1767. Собрание Уоллеса, ЛондонГлавные художники стиля рококо
Упомянутый Жан-Оноре Фрагонар, Антуан Ватто, Франсуа Буше, Томас Гейнсборо.
Все-таки оговорюсь, что рококо – это не всегда пустозвонная праздность. Те же “Качели” Фрагонара не так поверхностны, как может показаться поначалу. Предстоящую драму в отношениях можно почувствовать, взглянув на мрачные ветви деревьев. Гениальный художник может написать глубокое произведение даже в стиле рококо.
Параллельно с барокко возник классицизм. Полная ему противоположность. Вместо накала страстей – бесстрастность. Вместо переплетенных тел – выверенные пропорции и порядок. Как будто картины рисовали математики.
Никола Пуссен. Аркадские пастухи. 1650 г. Лувр, ПарижПочему стиль классицизм возник
Причину стоит искать в разнице вкусов заказчиков. Часть из них жаждали гармоничных пропорций античности. По сути классицизм – это возврат к ренессансу, но в более строгом варианте, под стать чопорным и высокомерным аристократам.
Жак-Луи Давид. Клятва Горациев. 330 × 425 см. 1784 г. Лувр, ПарижБолее же экстравертные и истероидные по психотипу герцоги и князья предпочитали пышное барокко.
Так появилось два лагеря: любители классицизма и любители барокко.
Характерные черты
Классицисты выбирали сюжеты, далекие от жизни: о богах и богинях, о правителях Древнего Рима, гладиаторах и спартанцах.
Муссини. Спартанский мальчик наблюдает последствия пьянства. 1850 г.
Лувр, ПарижКлассицизм не только удовлетворял вкусы отдельных заказчиков, но и стал официальным искусством. У классицистов были свои академии, поэтому их называли академистами.
Они обучали учеников четким правилам живописи. Правильные пропорции, перспектива, моделировка объема светотенью, колорит в виде трехцветки.
Вильям Бугро. Данте и Вергилий в аду. 1850 г. Музей д’Орсе, ПарижПоэтому классицизм – самый распространённый стиль живописи. Пожалуй, в этом стиле создано больше всего полотен за всю историю искусства.
Период расцвета классицизма
Он был в моде в 17 веке. А затем вновь расцвел в конце 18 века. В основном за счет любви со стороны Наполеона.
Жак-Луи Давид. Наполеон на коне (фрагмент). 1798 г. Галерея Бельведер в ВенеЯркий пример классицизма
За классицизмом стоит обращаться к французскому художнику Пуссену. В его работах Вы встретите все черты этого стиля.
Никола Пуссен. Великодушие Сципиона. 1640 г. ГМИИ им. А.С. Пушкина, г. МоскваНа картине “Великодушие Сципиона” все упорядочено и логично.
Герои стоят в ряд. Никто ни на кого не наваливается, как у Рубенса.
Художник использует классическую трехцветку “синий-красный-желтый”. Эмоции приглушены: они здесь не так важны, как жесты и позы героев.
Главные художники
Никола Пуссен, Жак-Луи Давид, Анибале Карраччи, Вильям Бугро.
Классицизму не повезло. Если другие стили эволюционировали, то с этим рьяно боролись вольнодумные художники. Те, кто хотел творить по велению сердца, а не так, как учат в академиях.
В результате классицизм сломили импрессионисты. А окончательно затоптали экспрессионисты.
Есть кое-что, что объединяет все стили, существующие до импрессионизма. Это гладкая живопись. Скрытие мазков, натуралистичность и внимательность к деталям были важны почти всегда, начиная с 14 века.
Но импрессионизм смело пошатнул все эти традиции.
Клод Моне. Впечатление. Восход солнца. 13 ноября 1872 г. 7 часов 35 мин утра. Музей Морматтен-Моне, Париж.Почему стиль импрессионизм возник
В 19 веке изобрели фотографию.
Изображать реальность с помощью кисти и красок стало ни к чему. Аристократ мог пойти в фотоателье и сделать свой реалистичный портрет. Причём очень быстро.
Художники поняли, что реальность больше в их услугах не нуждается. Передавать этот мир в деталях уже нет смысла. Они сосредоточились на собственном впечатлении от увиденного – на живых людях, солнечных зайчиках и шелесте травы.
Клод Моне. Стог сена на закате возле Живерни. 1891 г. Музей изящных искусств, Бостон, США.Характерные черты
Импрессионизму свойственна жизненность: они писали своих современников в кафе или на прогулках. В отличие от классицистов, которые изображали древне-римских героев или богов с богинями.
Константин Коровин. Парижское кафе. 1890 г. Государственная Третьяковская галерея, МоскваТакже импрессионисты выработали свою технику. Вместо гладкой живописи – видимые, быстрые мазки. С помощью них они создавали иллюзию вибрации воздуха и солнечных бликов.
Пьер-Огюст Ренуар. Портрет актрисы Жанны Самари.
1877 г. ГМИИ им. А.С. Пушкина (Галерея искусств Европы и Америки 19-20 вв.), г. МоскваВремя расцвета импрессионизма
Активно в стиле импрессионизм работали во второй половине 19 века. Совсем недолго. Как и рококо, этот стиль просуществовал тоже не более 50 лет.
Но его расцвет закончился совсем по другой причине, чем у рококо.
Эдгар Дега. Голубые танцовщицы. 1897 г. Галерея искусств Америки и Европы 19-20 вв. ГМИИ им. А.Пушкина, Москва.Импрессионисты изменили способ мышления творческих людей. Они показали, что можно писать не только видимую реальность. Но нечто другое. В их случае – быстротечные эффекты солнца, тумана и сумерек.
Другие художники пошли дальше. И начали писать свой внутренний мир (экспрессионизм), придуманную реальность (абстракционизм), или почти ничего (минимализм).
Яркий пример импрессионизма
Импрессионизм зародился во Франции. Так что самые яркие импрессионисты – французы. Классическая импрессионистическая работа – “Качели” Ренуара.
Здесь обычные горожане 19 века отдыхают в парке. Никаких исторических сюжетов, как у классицистов. При этом все изображено с помощью крупных разноцветных мазков. Даже тени цветные.
Главные художники
Клод Моне, Огюст Ренуар, Эдгар Дега, Константин Коровин.
Почитайте мою статью «7 великих художников-импрессионистов»
Для особо влюблённых в импрессионизм я разработала онлайн-курс «Импрессионизм: формула и главные герои».
Однажды художники отказались рисовать реальность. И переключились на свой внутренний мир. Они решили с помощью форм и цвета показывать свои эмоции и тем самым вызывать эмоции у нас. Так родился экспрессионизм.
Почему экспрессионизм возник
Экспрессионизм был следующим и логичным шагом после импрессионизма.
Импрессионисты все-таки были реалистами, изображающими окружающий мир, в первую очередь свето-воздушные эффекты. Свои эмоции и своё отношение к происходящему импрессионисты оставляли за кадром.
Но некоторым художникам реализм изрядно надоел.
Первым свой внутренний мир в свою живопись впустил Ван Гог. Он начал деформировать цвета и формы, исходя из собственного отношения к объекту.
Ван Гог. Портрет доктора Гаше. 1890 г. Частная коллекцияЛицо доктора Гаше зеленоватое и неправильной формы. Явно в реальности оно таким не было.
Мастером выразить свои эмоции на холсте был и современник Ван Гога, Эдвард Мунк. Он смело выражал свои эмоции на картине, ещё больше деформируя формы.
Эдвард Мунк. Вечер на улице Карла Иоанна. 1892 г. Коллекция Расмуса Мейера, БергенУ Мунка лица и вовсе похожи на черепа, обтянутые кожей. Это ещё дальше от реальности, чем даже у Ван Гога.
Время расцвета стиля
Экспрессионизм расцвёл в начале 20 века, как отклик на ужасы Первой Мировой войны.
Слишком сильные эмоции испытывали художники. Эстетика прошлых лет стала для них неприемлема. Мир трещал по швам, и боль и разочарование выплескивались на холст.
Основные черты экспрессионизма
Так как эмоции выражались сильные и чаще негативные, то главная черта экспрессионизма – это дисгармония и уродство.
Эгон Шиле, например, намеренно подчеркивал все самое некрасивое в человеке.
Эгон Шиле. Танцор. 1913 г. Музей Леопольда, ВенаА в дисгармонии особенно преуспел Хаим Сутин. Его деформированные пейзажи как будто отображены в кривых зеркалах.
Хаим Сутин. Красная лестница в Кане. 1923 г. Музей искусства авангарда (МАГМА), МоскваЕщё экспрессионизм узнаваем по ярким цветам в виде больших пятен и полос, а также плоскому изображению. Моделирование объема и правда отвлекает от цвета, а главное – от эмоций. Как на “Автопортрете с моделью” Кирхнера.
Эрнст Людвиг Кирхнер. Автопортрет с моделью. 1926 г. Гамбургский кунстхалле. Artchive.ru.Яркий пример стиля экспрессионизм
Икона экспрессионизма – это «Крик» Эдварда Мунка.
Конечно, она создана ещё до ужасов первой мировой. Но сам Мунк был настолько экспрессивным человеком, что в его шедевре и без того страха и отчаяния хоть отбавляй.
Главные художники экспрессионизма
Много экспрессионистов было в Германии и Австрии. Кокошка и Шиле – это австрийцы. Из немецких можно назвать Нольде и Кирхнера.
Эмиль Нольде. Маски. 1911 г. Художественный музей Нельсона-Аткинса, США. Russiaartnews.ru.И повторюсь, что яркими экспрессионистами также был норвежец Эдвард Мунк и живший в Париже выходец из Белоруссии Хаим Сутин.
Работы экспрессионистов кажутся отталкивающими. Но, парадокс, в этом скрыта и их притягательная сила.
Ведь интересно же заглянуть в душу другого человека. И увидеть там страх, надрыв, надлом, болезненную страсть. Что мы и делаем, когда смотрим на картины экспрессионистов.
Продолжение — в статье «Экспрессионизм. Стиль живописи, его истоки и изобретатели».
Абстракционизм часто не любят и обесценивают по типу «Это и я так могу намалевать».
Но именно этот стиль очень сильно повлиял на наш мир. Поэтому его так важно понять. А полюбить – это уже по желанию :).
Почему возник абстракционизм
Однажды Кандинский увидел в своей мастерской незнакомую картину. Это было что-то несуществующее, но очень гармоничное. Через 10 секунд художник понял, в чем дело.
Это был его пейзаж, который он сам же прислонил боком к стене.
Василий Кандинский. Композиция 4. 1911 г. Художественное собрание земли Северный Рейн, ДюссельдорфТак великого художника осенило, что узнаваемые образы мешают воздействовать на зрителя. Ведь можно просто правильно подобрать цвета и линии, чтобы вызвать ощущение гармонии. Так же, как набор звуков соединяется в мелодию и вызывает приятные переживания у слушателя.
Время расцвета стиля
Для многих художников открытие Кандинского стало откровением. Оказывается, не обязательно ЧТО-ТО изображать.
И не обязательно выискивать нужный сюжет или образ, а можно просто экспериментировать с цветом и формой!
При этом у художника все равно оставалась цель. Либо достичь с помощью конкретных сочетаний цветов и форм ощущения гармонии. Либо чтобы вызвать конкретную эмоцию. Но чаще и то, и другое.
Жоан Миро. Улыбка пылающих крыльев. 1953 г. Фонд Жоана Миро, Барселона. Pinterest.com.Так что абстракционизм расцвёл сразу же после открытия Кандинского в 1910 году и было ведущим стилем в течение всего 20 века. Его расцвет пришелся на середину XX века в том числе благодаря знаменитым абстракциям Поллока.
Джексон Поллок. Осенний ритм (номер 30). 1950 г. Музей Метрополитен в Нью-Йорке, США. Artchive.ru.Главные черты абстракционизма
Абстракционизм легко узнать. Если Вы не можете на картине узнать образ, значит это абстракция. Недаром его называют ещё беспредметным искусством.
А вот уже сама абстракция может быть самой разной. Но можно выделить два основных ее вида. Лирическую, состощую из текучих форм.
Как у Кандинского и Моро.
А второй вид – это геометрическая абстракция. Началась она с квадратов и кругов Казимира Малевича. А продолжилось разноцветными решетками Пита Мондриана.
Пит Мондриан. Композиция с большой красной плоскостью. 1921 г. Муниципальный музей в Гааге. Wikiart.org.В США возникла ещё одна разновидность – абстрактный экспрессионизм. Как Вы уже поняли, цель у него была вызвать эмоции у зрителя. Гениально это получалось у Марка Ротко.
Марк Ротко. Желтый и оранжевый. 1968 г. Собрание Филлипса, Вашингтон. Artchive.ru.Яркий пример абстракционизма
В России абстракционизм четко ассоциируется с Малевичем и его «Чёрным квадратом».
Казимир Малевич. Чёрный супрематический квадрат. 1915 г. 79,5 х 79,5 см. Государственная Третьяковская галерея, г. Москва.О смысле и тайне картины читайте в моей статье «Черный квадрат» Малевича. Почему это шедевр».
Главные художники абстракционизма
Кандинский и Малевич были первыми абстракционистами.
А подхватили их идеи такие гениальные художники, как Пит Мондриан, Марк Ротко, Жоан Миро, Джексон Поллок и Пауль Клее.
Пауль Клее. Статично-динамичная градация, 1923 г. Музей Метрополитен в Нью-Йорке. Abstractcritical.comМногие плохо относятся к абстракционизму. Тогда как его влияние на нашу жизнь огромно.
Когда художники освободились от необходимости творить только известные образы, они стали много экспериментировать с формой. Все это переходило в скульптуру и архитектуру. А потом – в мебель и одежду.
И мы не успели оглянуться, как абстракционизм поделил наш мир на «до и после». До него – это виньетки и ажурная мебель. После него – строгий шрифт и лаконичные формы наших шкафов.
Об этом стиле читайте подробнее в статье «Василий Кандинский: как зарождался абстракционизм».
Я предлагаю Вам проверить, как Вы усвоили основные стили.
Какая из этих картин написана в стиле рококо?
Какая из этих картин написана в стиле ренессанс?
Какая из этих работ написана в стиле экспрессионизма?
Если Вы ответили на все три вопроса – «слева», значит Вы хорошо разбираетесь в стилях живописи.
В первом вопросе слева – картина Фрагонара “Щеколда”. Справа – картина Рубенса “Охота на волка и лиса” (барокко).
Во втором вопросе слева – картина Рафаэля “Форнарина”. Справа – “Обнаженная в солнечном свете” Ренуара (импрессионизм).
В третьем вопросе: две картины Кандинского. Работа слева написана в 1909 году (Импровизация 3) и на ней мы различаем образы: всадника, здания. Это экспрессионизм.
На работе справа 1913 года («Композиция» из Эрмитажа) образы НЕ различимы. Это уже абстракционизм.
***
Если Вам близок мой стиль изложения и Вам интересно изучать живопись, я могу отправить Вам на почту бесплатный цикл уроков. Для этого заполните простую форму по этой ссылке.
Комментарии других читателей смотрите ниже. Они часто являются хорошим дополнением к статье. Ещё вы можете поделиться своим мнением о картине и художнике, а также задать вопрос автору.
Автор: Оксана Копенкина
Перейти на главную страницу
PS. Проверьте свои знания, пройдя онлайн-курс «Насколько Вы разбираетесь в живописи»
Эпохи моды и названия стилей одежды Fashion-Era
Это краткий обзор некоторых названий, используемых для обозначения истории моды и стилей дизайна, имеющих отношение к этому веб-сайту, посвященному истории моды.
- 18:00-18:37
- 1837-1913
- 1913-1947
- 1947-1970
- 1970-1985
- 1985-2000
- 2000-
- Последнее слово о субкультурных стилях
1800-1837 Эпоха Моды
Поздняя Грузинская Эпоха
Период 1800-1837 гг. действительно является частью грузинской эпохи. Георг III сошел с ума после 1811 года, но жил до 1820 года. Его уже служивший регентом сын принца Уэльского Георг правил с 1820 по 1830 годы, а брат Георга после него был Вильгельмом IV. После его смерти в 1837 году на престол вступила королева Виктория.
См. Regency Taste.
Эпоха Регентства
Платье периода 1800-1820 годов известно как Мода Регентства . В его основе лежали классические принципы и орнаментация по последней моде.
Классическое греческое платье
Между 1800 и 1803 годами платье было классическим и имело классический орнамент, обычно с окантовкой в виде греческого ключа.
Этрусский и египетский орнамент
Между 1804 и 1807 годами он все еще имел классические линии, но с геометрическим этрусским и более экзотическим египетским и восточным орнаментом. Эта эпоха была вдохновлена предметами, привезенными с востока экспедициями Наполеона.
Испанский орнамент
После 1808 года испанский орнамент использовался на классической одежде.
Влияние готики
К 1811 году влияние готики постепенно искажало классические линии вплоть до 1820 года, когда платье полностью утратило классическую форму и приобрело готические черты.
Эпоха романтизма
Влияние готики сохранялось в течение эры романтизма между 1820 и 1837 годами. Эта эпоха имеет образ шоколадной коробки, так как военное мужское платье может выглядеть очень романтично рядом с женским платьем. Романтический дух в одежде сохранялся до 1850 года, параллельно с ранней викторианской эпохой.
Викторианская эпоха длится 64 года, поэтому с точки зрения истории моды ее следует подразделять не только по продолжительности правления.
Ранняя викторианская эпоха
Когда в 1837 году была коронована королева Виктория, эпоха романтизма подошла к концу. Стили платьев между 1837 и 1856 годами известны как ранний викторианский . Иногда ее также называют эрой кринолина, которая наступила в то время, когда Чарльз Уорт делал себе имя как первый современный кутюрье.
Середина викторианского платья — Первая эра суматохи
Средневикторианское платье выпускается с 1860 по 1882 год. Иногда его называют первой эпохой суеты.
Платье позднего викторианского периода – Вторая эпоха суеты
Поздний викторианский период Платье охватывает период с 1883 по 1901 год и охватывает вторую эпоху суеты, девочек Гибсон и сшитые на заказ костюмы.
Непослушные девяностые
В рамках поздней викторианской эпохи находятся второстепенные периоды, такие как Непослушные 90-е, последнее десятилетие 19 века.
См. Платье позднего викторианского стиля .
Fin de Siècle
Последние десятилетия 19 го века с 1870 по 1914 год французы называли Fin de Siècle . Его кульминацией стали ар-нуво линейные изгибы в одежде, декоративно-прикладном искусстве и дизайне. Его не следует воспринимать буквально как конец века. Он возвестил о настроении перехода от старого мира к современной эпохе. Ар-нуво охватил новые идеи в области изменения технологий, культурных, социальных и политических изменений, урбанизации и непрекращающейся ностальгии по старому и ценному. Метафизическая мысль подразумевает, что последние 25 лет века предвещают новую энергию. См. Эстетика и Ювелирные изделия.
Эпоха Прекрасной эпохи
Этот период с середины 1890-х по 1914 год был эпохой, которую французы назвали La Belle Époque , а Дж. Б. Пристли назвал «Утраченным золотым веком».
Хотя в основном он охватывает эдвардианскую эпоху, он помещает «Прекрасную эпоху» в капсулу времени. La Belle Époque отражает настроение того неопределенного времени красивых платьев и роскошной жизни для немногих за два десятилетия непосредственно перед началом и опустошением, вызванным Первой мировой войной.
20 года века года редко когда имя монарха или имя королевского дома относилось к какой-либо эпохе. В 1953 году при коронации королевы Елизаветы II, а затем в 1977 году, после 25 лет правления, была предпринята попытка использовать термин «новые елизаветинцы».
Кроме того, глобальный характер коммуникации означает, что эпохи, скорее всего, будут названы в честь войны или технологической эры, а не британской королевы или короля, как это произошло, когда Британия правила волнами. Так в 20 -й -й век мы слышали термины космическая эра, эра антибиотиков, технологическое общество, эра компьютеров, эра Водолея, новая эра и коммуникационная эра.
Мы начали 2000 год, назвав новую эру эрой тысячелетия, но с тех пор, как последствия 11 сентября -го 2001 года вызвали волны по всему миру, были применены различные фразы, такие как эпоха свободы, век carpe diem или просто после девяти одиннадцати. Теперь мы с большим удовольствием называем это двузначным термином «нулевые».
Эпоха модерна
Стиль модерн был формой декоративно-прикладного искусства, возникшей на основе Движения искусств и ремесел. Он распространился по всей Европе и стал доминирующей формой искусства в 1900 году на Парижской выставке. В основном он охватывал интерьеры, архитектуру, ювелирные изделия и дизайн мебели.
Но его значение отразилось на моде и тканях. Длинные стилизованные цветы и струящиеся вышитые бордюры со шлейфами органических форм стиля модерн нашли свое отражение в одежде Эдвардианская хозяйка .
Их юбки развевались и струились, словно распустившиеся цветочные формы.
В украшении запечатлены изящные формы в стиле модерн. Эта мода на текстиль была возрождена в 1960-х Домом Свободы.
1913–1947 гг. Хронология истории эпохи моды
Эпоха Востока
Ориентализм несколько раз появлялся в истории моды и выходил из нее, но особенно он связан с движением в одежде, вдохновленным художником Леон Бакст костюмер и художник-декоратор Русского балета Сергея Дягилева в 1909 году. Художники по костюмам Поль Пуаре и Пакен находились под сильным влиянием балета и отдельно создавали одежду с восточными мотивами. Эскизы Пуаре 1910-1911 годов считались скандальными.
Эпоха Первой мировой войны
Это эпоха между 1914 и 1918 годами. Это период больших международных перемен, особенно в Европе. Это время женской эмансипации, когда юбки впервые стали укорачиваться, чтобы показать икры, а по мере того, как женщины выполняли военную работу, появилась более практичная одежда.
1920-е – The Flappers and Bright Young Things
A хлопушка изначально был уничижительным термином, но вскоре стал использоваться для описания любой молодой женщины середины 1920-х, которая носила шляпы-клош, стригла волосы и предпочитала более короткие юбки, в то время как она перебирала ночь напролет танцуя чарльстон. Тот же смешанный набор для вечеринок иногда называли Bright Young Things.
Арт-деко и бурные двадцатые
Ар-деко зародился в Европе и стал известен по правильному названию 19-го века.25 Парижская выставка. Выставка называлась The Great Exposition Des Arts Modernes Decoratifs Et Industriels. Этот стиль был наиболее популярен в стильных тридцатых , а также в период с 1920 по 1940 год, когда он усовершенствовался. Художник Эрте был мастером ар-деко. Декорации и костюмы для сцены и кино, которые он разработал, оказали влияние на других модельеров в период с 1915 по 1936 год.0029 Программа коммунального обслуживания гражданской одежды , особенно в Великобритании во время мировой войны 1939–1945 годов.
Этот период продолжается после окончания войны, и только в 1950-х годах строгие предметы одежды были массово заменены более роскошными тканями и платьями с пышными юбками. По сути, это можно рассматривать как современное использование старой идеи законов о роскоши.
1947-1970 Эпоха моды Хронология истории
Эпоха нового образа
После того, как Диор запустил свои новые модели одежды в 1947 Журнал Life назвал его «Новый взгляд» . Хотя он датирован 1940-ми годами, он совершенно отличается от строгой военной одежды военного времени. New Look оставался модным около 10 лет вплоть до конца 1950-х годов. В 2005 году Кристиану Диору исполнилось бы 100 лет. тенденция в прическах, макияже и одежде в 30-е и 9 0029 1940-е . В 1950-х годах цветные фильмы привлекали внимание киноманов. Звезды жили и дышали гламуром на съемочной площадке и вне ее.
После Второй мировой войны голливудский гламур помог определить неизменно гламурный образ 1950-х годов.
Это взгляд, который немногим кинозвездам все еще удается постоянно снимать. Лучшая выжившая в эпоху старлеток для гламура в 21 st веке — актриса Джоан Коллинз .
Эра готовой одежды – прет-а-порте
В период с 1945 по 2000 год массовое производство настолько улучшилось, что с тех пор период был в основном периодом готовой одежды, а не От-кутюр . Во Франции прет-а-порте известен как Pret-à-Porter.
1950-е – эпоха рок-н-ролла и подростков
Впервые в 1950-х мода была разработана специально для молодых женщин и мужчин. Впервые было придумано слово «подросток».
Разделы одежды, которые были популярны, были вдохновлены модой американских университетских городков, которую молодые люди носили во время джайвинга и танцев рок-н-ролла. Элвис Пресли и Джеймс Дин олицетворяли злого молодого человека в подростковой форме 9 лет.джинсы 0029.
Эпоха мини в свингующем Лондоне шестидесятых
В 1966 году Великобритания получила ярлык «Свингующий Лондон» от журнала Time.
Мэри Куант экспортировала свои юношеские короткие мини-платья в Америку. В Лондоне за ней последовали вереницы отдельных торговых точек, производящих одежду для нового подросткового массового рынка.
Эпоха мини 1960-х была рождена и подхвачена поколением бэби-бумеров. Поскольку британская поп-музыка, в частности, «Битлз», также была очень модной во всем мире, считалось, что Великобритания держит руку на пульсе, и новая мини-мода была частью этого.
Эпоха оп-арта
Термин «оп-арт» был придуман в 1964 году. Бриджит Райли популяризировала его с помощью оптически искаженных геометрических узоров в черно-белых тонах, создающих целый ряд движений на поверхности. При нанесении на ткань он создавал новый смелый образ в одежде и аксессуарах.
Многие предметы одежды были разделены на секции с цветовыми контрастами после картин Мондриана, и это был важный модный образ в 1960-х годах.
Цветочная сила Эпоха и этнический фольклор 1960-е — начало 1970-х
В США к середине 1960-х цветы, одежда, музыка и протесты за свободу установили эпоху.
Одежда из отдаленных уголков Среднего и Дальнего Востока стала принятой униформой целого поколения. От афганских пальто, румынской и индийской крестьянской вышивки, марли, сафари и жакетов Неру до ар-нуво сила цветов овладела хиппи или детьми цветов.
Версии с разбавленным пухом были адаптированы Ивом Сен-Лораном и вышли на массовый рынок, но у них никогда не было той аутентичности образов, которые люди создавали, воплощая свои собственные идеи. Элементы этнический образ также известны как «Эра хиппи». Этот образ в различных новых форматах до 2005 года повторялся как эклектичный этнический богемный образ.
1970-1985 Хронология эпохи моды
Диско-лихорадка Середина 1970-х
Одежда для диско никогда не предназначалась для работы, а для выходных, посвященных веселью, позированию и танцам. Расклешенные брюки, облегающие жакеты пастельных тонов, острого кроя, которые светились в свете дискотеки, были подняты на новую высоту обувью на платформе.
Серебряная и мерцающая лайкра, блестящие бюст-трубы и эластичные комбинезоны подводят итог эпохе, которая была отмечена фильмом «Лихорадка субботнего вечера» и вокалистами Bee Gees.
Эпоха новых романтиков, 1980-е
Новые романтики выбрали темы из Голливуда, художественной литературы или истории, а затем адаптировали их для создания индивидуального образа. Образ был драматичным, ярким, красочным и очень нарядным, с большим вниманием к деталям. Владельцы, казалось, приложили усилия, чтобы выглядеть интересно, используя оборки и ткани, связанные с историческими периодами.
Разбавленный довольно красивый новый романтический образ, который носила Диана, принцесса Уэльская в ранние годы, и она стала лидером моды. Женственный образ вскоре стал мейнстримом.
Power Dressing и эпоха яппи, 1980-е
В конце 1970-х модельеры показали одежду с широкими плечами и одежду больших размеров на стройных женщинах. В книге Джона Моллоя «Одежда для успеха» женщинам рекомендуется одеваться для успеха, надев костюмы.
Он посоветовал женщинам во что бы то ни стало отказаться от кардиганов, которые, как он утверждал, выглядели как секретарши. Недавно обновленная книга снова пользуется огромным успехом.
Тогдашний премьер-министр Великобритании Маргарет Тэтчер, которую видели в ежедневных телевизионных новостях, повторила эти идеи в своих структурированных костюмах, даже надев вечерние костюмы из структурированной парчи, а не тонкие шифоновые платья. Хотя сегодня женщины не носят широкие плечи как таковые, многие все же принимают формальность костюма для деловой одежды.
Свадебное платье принцессы Уэльской Дианы в 1981 году-й -й век. Телесериал «Династия» тоже делал акцент на плече, просто потому, что у звезды Линды Эванс от природы были широкие плечи.
Чтобы ее плечи выглядели нормальными, у всех остальных актеров одежда с подкладкой на плечах была разработана так, чтобы казаться шире. Очень влиятельный «Династия» смотрит в первую очередь из-за его моды более 250 миллионов зрителей по всему миру.
В 1980-х годах сочетание всех этих факторов привело к тому, что женщины стали носить одежду с 90 0029 расширить плечи , одеться как мужчина, чтобы подняться по карьерной лестнице. Широкая легкая одежда с подкладкой на плечах была замечена более десяти лет и украшала все, от костюма до футболки и трикотажа.
1985-2000 Хронология эпохи моды
Гранж
Гранж был основан на моде, зародившейся молодежным культом в тихоокеанском северо-западном регионе Америки в начале 1990-х годов . Ключом к внешнему виду было то, что ничего не совпадало, ничего не согласовывалось, и предмет был предпочтительнее, если он старый и изношенный. Смысл был в том, чтобы выглядеть взлохмаченным, нечесаным и неопрятным, как будто не было приложено слишком много усилий. Многие потребители сочли это бессмысленным.
Актрисы, такие как Джулия Робертс, которые приняли этот образ, подверглись резкой критике за отсутствие гламура. Только тем, кто моложе 21 года, мог сойти с рук этот образ, и гранж умер в течение года, но ушел из модного термина.
Сейчас он часто используется для описания непривлекательных модных черт или неопрятных людей.
Деконструктивизм
Деконструктивизм ставит под сомнение правила и нарушает условности в моде. Он включает в себя размещение швов и молний на внешней стороне одежды, демонстрируя внутреннюю конструкцию пошива, которая в прошлом была скрытой чертой. Он перерабатывает старую моду и делает нежелательную часть платья, такую как чулок с лестницей, желанной чертой.
Hussein Chalayan, Martin Margiela и Comme des Garçons — все они сторонники деконструктивизма, но Зандра Роудс впервые сделала это 25 лет назад, когда нанесла на шерстяные пальто огромные розоватые швы «зигзаг».
Минимализм
Минимализм описывает урезанную одежду нейтральных тонов чистых и скульптурных форм. Качественные ткани однотонных нейтральных тонов с минимальными деталями впервые были замечены как реакция на блеск и гламур стилей 1980-х годов. Он стал более популярным в году.1990-е годы.
Это функциональная, сдержанная городская одежда, которая никогда не устаревает.
Purism
Purism использует нейтральные оттенки и оттенки белого, серого и бежевого цветов. Это дорогой, спокойный, ненавязчивый незамысловатый вид, основанный на хорошем крое. В его чистой незагроможденной простоте нет лишних украшений.
Его легко носить, и он никогда не будет казаться неуместным, потому что он состоит из простых функциональных элементов, которые сведены к базовым элементам элегантной современной классики. Он практически не использует украшения, чтобы дополнить образ. Дизайнеры Jil Sander, Donna Karan, Giorgio Armani и Calvin Klein стремятся создать современную классику в рамках чистой функциональной естественной простоты.
Бо Хо Хиппи
Бо Хо Хиппи появился в 1990-х годах и представляет собой миллениум-версию стиля хиппи 1960-х и 70-х годов . Модные дизайнеры, такие как Ghost и Tom Ford, разработали вариации этого образа, сочетая мечтательные изделия с бархатной отделкой, бисером и вышивкой.
В раннем образе, созданном главным образом Ghost, использовалось много шифона, косые платья с капюшоном, мягкие плавающие ткани, часто сочетавшиеся с маленькими кашемировыми кардиганами с бархатной отделкой. В более поздних версиях Форда использовалось множество тесьмы, бисера и вышивки, хрустящего тонирующего кружева, бахромы, меха, лоскутного шитья и анималистических принтов.
Вышивка особенно часто является украшением одежды от крестьянского стиля до гламурного вечернего платья. Это полная противоположность минималистичному стилю.
К 2002 году многие другие дизайнеры активно использовали его на подиумах востока и запада. Летом 2005 года была многоярусная крестьянская юбка в стиле цыган в стиле бохо! Этот модный образ был глобальным, и к осени 2005 года его элементы трансформировались в русский образ, превратив бохо в эклектичный этнический стиль.
Обновление – 1 9 февраля0085 st 2002 Voyage витрина магазина Ghost была ликвидирована на сумму 3 миллиона фунтов стерлингов.
В свое время модные журналисты ругали некогда почитаемую компанию за былые запредельные цены, высокомерное отношение к покупателям и напыщенную саморекламу в глянцевой рекламе. Журналисты заявили, что им никогда не нравились вещи, разработанные Ghost, и что это никогда не было настоящей модой.
Закон Лейвера здесь работает. Ghost как модный лейбл по-прежнему разработан создателем Таней Сарне, которая имеет долю в проданном бизнесе. Теперь одежда Ghost по-прежнему продается в концессиях и в небольших бутиках, где взыскательные покупательницы ищут одежду, выходящую за рамки модных причуд.
Многие ищут что-то необычное и часто довольны возможностью стирки очень необычной одежды, включая роскошные брюки, топы и куртки в восточном стиле из моющегося шелка.
Заключительное слово о субкультурных стилях
Субкультурные стили впервые появились примерно в 1940-х годах.
Субкультурные стили были определены в книге под названием Surfers Soulies Skinheads and Skaters – Субкультурный стиль от сороковых до девяностых годов, написанной Эми де ла Хэй и Кэти Дингуолл, с фотографией Дэниела Макграта.
Книга была написана в качестве вспомогательного документа для выставки моды в Музее Виктории и Альберта под названием Streetstyle Exhibition, показанной в ноябре 1994 года. , фетиш, фанк, гей-стиль, глэм-рок, гризеры, гранж, головорезы, хиппи, хипстеры, инди, джунгли, мадчестер, мод, нью-эйдж, северная душа, старая школа, опрятный, психоделический, сайкобилли, панк, рагга, Rasta, Rave, Rude Boy, Skater, Skinhead, Soulies, Streestyle, Surfer, Techno, Teddy Boys (Teds), Travellers, Two Tones, Workwear Rockabilly, Yardies, Young British Radicals и Zoots.
Я предлагаю, если вы интересуетесь каким-либо из перечисленных выше уличных стилей, приобрести иллюстрированную и информативную книгу.
В Интернете также есть много информации о культуре и одежде хип-хопа для тех, кто интересуется этой областью моды. Один интересный момент заключается в том, как некоторые из стилей были подхвачены дизайнерами, адаптированы и вторглись на подиумы, так что теперь мы видим многие из этих когда-то оригинальных стилей как инновации высокой моды в основной одежде.
И снова здесь работает еще один аспект моей страницы Закон Лейвера . Если вы хотите узнать больше, книга называется «Серферы, души, скинхеды и скейтеры: субкультурный стиль от сороковых до девяностых».
Информация на этой странице постоянно меняется и может быть отозвана в любое время. Fashion-Era.com не несет ответственности за любые убытки, которые вы можете понести в результате использования информации, представленной здесь.
Шесть лучших периодов моды в истории — The Lexington Line
1. Эпоха Возрождения
Эпоха Возрождения проходила между 14 и 17 веками. Это было известно как «возрождение» после Средневековья. Ренессанс был поистине временем расцвета искусства, литературы и философии. История гласит: «Некоторые из величайших мыслителей, писателей, государственных деятелей, ученых и художников в истории человечества процветали в эту эпоху».
Когда дело дошло до моды в эпоху Возрождения, существовали законы, которые регулировали, кто что носил.
Одежда зависела от классовой системы; определенные стили и материалы могли позволить себе только богатые, а низший класс носил такие ткани, как лен, полученный из льна, шерсти или овчины. Ткани, которые носил высший класс, включали «шелк, бархат и парчу». Основными стилями той эпохи для женщин были платья с узкими лифами и пышными юбками до щиколоток. Я уже вспотел, думая о том, чтобы носить эти платья весь день. Эти платья ограничивали движение богатых женщин, но женщины из низшего сословия носили более свободные корсеты, поскольку они были служанками и нуждались в свободе передвижения.
Женщине из высшего общества нужно много времени, чтобы одеться в соответствии с требованиями дня. Они начинали с того, что надевали рубаху, которая представляет собой «свободный льняной халат, который носят для защиты платья», затем чулки и, наконец, нижнюю юбку, чтобы заполнить платье и согреть вас. В наши дни мы обычно знаем, что мужчины быстро одеваются, но в эпоху Возрождения им требовалось столько же времени, чтобы одеться.
В этом есть несколько слоев: мужчины из высших слоев общества надевают рубашку без воротника и манжет, дублет с длинными рукавами и, наконец, куртку 9.0169 , — куртка без рукавов. Мужчинам тоже нужно было соблюдать скромность, поэтому они носили чулки вместе с брюками до колен.
2. Мода 18-го века
Теперь вернемся к временам Марии-Антуанетты — но в версии Софии Копполы. В это время все было о экстравагантности, нелепости, буржуазии и, не забываем, о белых париках. Этот стиль получил название рококо: витиеватый или чрезмерно вычурный. В это время влияние искусства, культуры и моды переместилось из Версаля в Париж. Модельеры стали более популярными, так как все хотели получить в свои руки новейшие стили.
Женский стиль включал чрезвычайно тугую талию от корсетов, глубокие вырезы и открытое декольте. Появились рукава Pagoda , которые начинались от плеча до локтя и заканчивались клешом (как вы можете догадаться по картинкам), и появился новый силуэт для женщин.
Широкие обручи носили под юбками, выходящими вбок. Их называли корзинами, и их носили для официальных мероприятий, так как они подчеркивали тонкую талию. Люди, которые носили эту одежду, хотели, чтобы все знали, что они аристократы. Низший класс презирал то, как богатые хвастаются своим богатством; это привело к концу эпохи рококо из-за Французской революции.
Начало викторианской эпохи началось с правления королевы Виктории с 1837 по 1901 год. Эта эпоха по-прежнему характеризовалась огромным классом и богатством, когда дело касалось моды. Мода для женщин в викторианскую эпоху началась с больших платьев, но к 1883 году силуэт изменился на платье с турнюром. Линия талии стала углубляться до своего естественного положения — и да, если вам интересно, прекрасный корсет все еще носили в ту эпоху. Что касается аксессуаров, шляпы и шляпы были очень популярны, их носили как внутри, так и снаружи. К 1880 году группа женщин из высшего общества начала использовать более простые стили, называемые «художественным» платьем.
Художественное платье было менее строгим и не требовало ношения с ним корсета.
Что касается мужской моды, мужчины стали носить более длинные брюки, чем короткие до колен. Мужчины носили эти брюки как для дневного, так и для вечернего платья. Знаменитый цилиндр был разработан в это время, поскольку образ Авраама Линкольна в цилиндре всплывает в наших головах. В то время мужчины сохраняли простоту, носили длинное пальто, жилет (который можно спутать с жилетом), прямые брюки и рубашку с высоким воротником. Кроме того, в 19 веке усы и бороды тоже были в моде.
4. 1920-е годы: эпоха ар-деко
Я за эту эпоху! В 1920-е годы мода сделала полный разворот на 180 градусов с появлением девушек-флапперов, платьев с более коротким краем, резко укороченных волос и влияния стиля ар-деко. Именно тогда появилась экзотика, и такие стили искусства, как кубизм и футуризм, повлияли на моду. Либерализм женщин 1920-х годов был частью эволюции стиля ар-деко. Это было время экспериментов и новых разработок.
В эту эпоху мы видим, как такие дизайнеры, как Жан Пату, Мадлен Вионне и Габриэль Шанель, создают современные стили для женщин. Поль Пуаре оказал огромное влияние в эпоху ар-деко. Как указано в Мода в стиле ар-деко , «Первым модельером, принявшим дух ар-деко, был Поль Пуаре». Вдохновением Пуаре стал плавильный котел западных исторических стилей, народных традиций, авангардного искусства и древних культур.
В целом стиль ар-деко отличался геометрическими формами, платьями нестандартного кроя, драматическими аксессуарами, яркими цветами и, конечно же, тоннами золота и серебра. Повседневная одежда 1920-х годов состояла из плоских и прямых платьев, что давало дизайнерам больше возможностей для художественного оформления, такого как вышивка, аппликации и геометрические принты. Узорчатые принты стали визитной карточкой авангардного стиля. Это было все о ночной жизни в 1920-х, так что к вечеру экстравагантность вышла наружу. Женщины носили платья, отражающие чарльстон и джазовые танцы; на них были короткие платья из шелка и бархата, расшитые блестками, жемчугом и металлическими нитями.
Также было немного «перьев, боа и слоев бахромы, чтобы подчеркнуть движение».
Все это было так мечтательно. Художники, поэты, писатели и дизайнеры повлияли на новый образ жизни в 1920-х годах, и мода отразила эту эволюцию.
5. 1940s: Women Wear The Pants NowВ начале 20-го века женщины боролись за право носить брюки. Идея о том, что женщины будут носить брюки, не одобрялась; женщинам нужно было придерживаться традиционных пышных платьев и длинных юбок. Только в 1909 году французский дизайнер Поль Пуаре создал «шаровары»; шаровары считались более женственными и современными. Как и ожидалось, штаны не пользовались популярностью, и эта тенденция оказалась причудой.
Наконец, во время Второй мировой войны женщинам пора было носить брюки. Миллионы американских солдат отправились на войну в Европу, поэтому женщин нанимали на свободные рабочие места, чтобы поддерживать работу заводов. Женщины подошли к тарелке — в то же время в брюках. Женщинам на этих фабриках было непрактично и неудобно носить платья, поэтому женщины в брюках стали более нормальными в 19-м веке.
40с. Женщины, носившие брюки в 40-х годах, продемонстрировали поддержку использования меньшего количества ткани во время войны. Эта свобода привела к тому, что они стали чувствовать себя более комфортно в одежде и пересекали гендерные границы. Это также привело к еще большему бунту в 60-х и 70-х годах в борьбе за то, чтобы брюки стали частью женской моды. Революция брюк также создала то, что мы знаем как «нацию брючных костюмов», как любят называть себя сторонники Хиллари Клинтон.
В 60-х мир менялся, и мода тоже. Это было время, когда зарождались радикальные общественные движения. Три движения, которые особенно повлияли на моду, — это Молодежное движение, Движение за гражданские права и Движение за освобождение женщин. 60-е были о восстании, протестах, равенстве и мире. 60-е также были десятилетием, когда развивался стиль хиппи-шик, и он все еще живет сегодня. Культура хиппи связана с Молодежным движением; молодежь в это время бунтовала против того, что происходило в обществе, и хотела вырваться из ограничений прошлого.
В это время американская мода находилась под сильным влиянием новых модных тенденций Лондона — так появилась мини-юбка. Мини-юбка была изобретена Мэри Куант, британским дизайнером, которая, по словам College Fashion, «вдохновлялась окружающими ее молодыми людьми». Мини-юбка — это культовый предмет одежды, который мы все еще видим в шкафах сегодня, но это было нечто большее; речь шла об установлении молодежной культуры, феминизма и Женского освободительного движения, борющегося за независимость. Движение за гражданские права также повлияло на моду, когда дело дошло до черной культуры. Чернокожие американцы начали понимать, «что их собственная естественная внешность прекрасна», — сказала Кэтлин Кливер. Партия Черных пантер возглавила это новое осознание, надев афро, которое было мощным символом черной власти.
Мода изменилась для мужчин, они стали носить более повседневную одежду. У мужчин было больше возможностей носить одежду, которая демонстрировала их индивидуальность и стиль.