Рококо во франции: «Рококó» — происхождение и значение слова
Рококо и искусство XVIII века — Искусствоед.ру – сетевой ресурс о культуре и искусстве
Просмотры: 41 407
Скачать как PDF
Стиль рококо рождается во Франции в 20-е годы XVIII столетия. Его развитие начинается в эпоху Регентства, но расцвет приходится на время правления Людовика XV. Сначала он проявляется в архитектуре, особенно в новых тенденциях оформления интерьера дворцов и фешенебельных городских домов знати, которые приходят на смену торжественному, величавому убранству залов Версальского дворца при Людовике XIV. Парадная декорация интерьеров, в которой ведущую роль играют строгие линии ордера, постепенно уступает место изощренно-прихотливым, волнистым очертаниям. Важное место в них занимает мотив рокайля, который представляет собой стилизованную раковину в обрамлении из сплетений причудливо изогнутых завитков.
Французское слово rocaille (букв. – дробленый камень) обозначало искусственные скалы, покрытые ракушками, которые с эпохи Ренессанса использовали для создания фонтанов и гротов в парках.
Само название стиля является производным от этого слова, однако термин рококо появляется только в XIX веке. Первоначально во Франции он назывался «стиль Помпадур» по имени знаменитой фаворитки Людовика XV мадам де Помпадур, что было связано с ее значительной ролью в развитии нового вкуса и нового направления в искусстве.
Характерным для рококо является отказ от парадных анфилад эпохи Людовика XIV и создание меньших по размеру, более удобных и комфортабельных комнат, отвечающих естественным потребностям человека. Оставаясь прежде всего стилем внутреннего убранства богатого дома, рококо редко проявляется полноценно в самой архитектуре. Лучшим примером рокального интерьера являются залы и комнаты Отеля Субиз в Париже, созданные Жерменом Бофраном (1738-1739).
Легкие настенные панели с золочеными бордюрами, зеркала, золоченая лепнина плафона, гирлянды золотых цветов, изгибающиеся на белой поверхности стен, создают ощущение праздничности, роскоши, воздушной легкости.
Пространство богато украшено живописью, размещенной на небольших поверхностях на стенах, плафоне, над дверьми, имеющими сложные затейливые формы. В создании живописного декора Отеля Субиз принимали участие лучшие художники рококо – Франсуа Буше, Шарль-Жозеф Натуар, Карл Ван Лоо. Для сюжетов выбраны любовные сцены из Овидия, Апулея, Лафонтена, галантные празднества.
Необходимость декорировать интерьеры богатых «отелей» – частных домов знати, – которые активно строятся в Париже и других городах страны, стимулирует быстрое распространение стиля рококо в декоративно-прикладном искусстве. В мебели и фарфоре эпохи Людовика XV богатство, элегантность и фантазийность его форм проявляются особенно ярко. Знаменитая севрская фарфоровая фабрика, недалеко от Парижа, директором которой некоторое время был скульптор
В живописи, наряду с темой любви, которая часто приобретает эротический оттенок, активно используются мотивы шинуазри, тюркери, изображающие придуманный, сказочный восток.
Интерес к экзотике, к необычному, который все более активно начинает проявляться в европейской культуре, становится важной чертой искусства рококо. Рокайльная живопись отличается красочностью, яркими колористическими эффектами. Таким образом, борьба между «пуссенистами», поклонниками Пуссена, настаивающими на первенство рисунка над цветом, и «рубенсистами», приверженцами Рубенса, охватившая французскую Академию на рубеже XVII-XVIII веков, решается для рококо в пользу цвета и богатства колорита, но само противостояние между «пуссенистами» и «рубенсистами» в XVIII веке трансформируется в спор между «древними» и «современными». В этом плане культура рококо с ее попыткой создать более естественную, комфортабельную, органичную для человека среду, созвучна идеям «современных».
Из Франции рококо распространяется в другие европейские страны. Наиболее значительными центрами становятся католические регионы южной Германии и Австрия. Церковные интерьеры баварского архитектора Доминикуса Циммерамана в Виесе, недалеко от Мюнхена и Бальтазара Ноймана в Вюрцбурге остаются выдающимися образцами рококо вне Франции.
Замечательным примером архитектуры, садово-паркового и декоративно-прикладного искусства рококо является дворцовый комплекс Сан Суси в Потсдаме (Германия), построенный королем Пруссии Фридрихом Великим.
С 1760-е годы стиль рококо вытесняется зарождающимся
Новые общественные противоречия, новые проблемы, свойственные эпохе капитализма, вели к перевороту в европейской культуре и общественной мысли, которым были отмечены первые десятилетия нового 19 века.
Восемнадцатый век, расширив и углубив достижения предшествующей эпохи, внес много нового в развитие искусства европейских стран. Значительное влияние на него оказали изменения общественной жизни, укрепление капиталистических отношений и окончательное разложение феодального строя. Философия просветителей, быстро распространившаяся по всей Европе, активно воздействовала на духовную жизнь людей даже в самых отдаленных странах. В свете новых воззрений на мир, на общество, на человека пересматривались старые духовные ценности, рушились традиционные верования и представления.
Во всех сферах культуры и искусства торжествовало светское начало. В зодчестве преобладающим стало гражданское строительство, в живописи обрели новые силы реалистические тенденции. Получили дальнейшее развитие светские жанры — портрет, пейзаж, натюрморт, изображение быта. Светский характер приобрела религиозная живопись, как правило, теряющая былую серьезность и глубину чувства.
18 век вошел в историю как век Разума, и, действительно, стремление подвергнуть все сущее контролю и суду рассудка стало господствующей тенденцией мироощущения эпохи. Однако это не означало подавления живого чувства в искусстве того времени. Критическое постижение мира часто сочеталось в нем с утонченной поэзией, ирония — с мечтательностью и причудливой игрой воображения.
В 18 столетии утверждается новое отношение к человеку, значение личности чаще, чем прежде, оказывается независимым от сословных прерогатив. Поиски новых духовных ценностей нередко ведутся в сфере частной жизни. Идея «естественного человека» оказывается неотделимой от представления о столь же естественных чувствах.
Искусство рококо выработало оригинальные приемы изобразительности, сопоставимые с уменьшительно-ласкательными формами естественной речи. Сентиментальность, готовность умиляться малым сквозят в языке живописи. Даже излюбленный формат рококо — овал — свидетельствует об этой наклонности.
Некая интригующая двойственность — неотъемлемая черта живописи рококо, о чем столь выразительно свидетельствуют «галантный жанр» или портрет. Живописец ведет со зрителем игру, взаимопонимание в которой поддерживается языком намеков. Полуоборот, легкий жест, чуть заметное мимическое движение, полуулыбка, как бы затуманенный взгляд или влажный блеск в глазах — из подобных градаций сотканы образы представителей «галантного» века. От изысканного Ватто через Буше этот язык передается Фрагонару. В излюбленных мотивах Фрагонара всегда есть некий эффект мимолетности: художник будто ловит момент, когда звучит кокетливое «ах!» или что-нибудь в том же роде. Живопись Фрагонара — это язык междометий.
Сотни и тысячи картин, номинальными героями которых выступают одни и те же мифологические персонажи: Венера, Амур, Марс, Адонис, Вакх, Диана, Актеон, Юпитер, Европа, Аполлон, Дафна, Ариадна, Психея, нимфы, сатиры, вакханки, — все это множество изображений являет собой один предмет, преследует одну цель.
Предмет и цель эти — любовь как чувственное наслаждение. Превратить наготу, а прежде всего обнаженное женское тело, в утонченное пиршество для глаза и ведомых им интимных чувств — в этом французская живопись XVIII века преуспела как никакая другая. Стоит сравнить любую из пуссеновских мифологических сцен с аналогичными сценами Буше, Ванлоо или Натуара, чтобы убедиться в метаморфозе жанра, слагавшегося под знаком Любви. Картина Карла Ванлоо «Юпитер и Антиопа» (ок. 1753; Санкт-Петербург, Эрмитаж) написана для собрания эротических сюжетов (Cabinet de nudites) по заказу маркиза де Мариньи, брата маркизы Помпадур. Композиция построена таким образом, что глазу зрителя дано скорее удовлетворить эротическое любопытство, чем вожделеющему сатиру-Юпитеру. Еще более красноречив в этом смысле образ Геркулеса в трактовке Франсуа Буше («Геркулес и Омфала», 1730-е; Москва, ГМИИ им. А. С. Пушкина). Величайший греческий герой представлен как упоенный страстью любовник. Сплетенные тела, сцепленные руки, жадно пьющие друг друга уста — воспаленный эротизм сцены означает некий предел возможного, достигнутый искусством рококо.
Искусство 18 столетия было вместе с тем важной ступенью в развитии реализма. В некоторых странах, в частности в Англии, складываются элементы критического реализма, отразившего передовые взгляды представителей третьего сословия.
По сравнению с предшествующим периодом в 18 веке меняется соотношение различных искусств в общей структуре культурно-художественной жизни. Живопись во многих странах уступила первое место музыке и литературе, увеличилась роль театра, оказавшего значительное влияние на изобразительные искусства.
Продолжалось развитие многих национальных школ, но искусство разных стран развивалось неравномерно. Некоторые ведущие школы, совсем недавно достигшие блестящего расцвета, сошли со сцены. Так, Фландрия и Голландия уже пе выдвигали художественных явлений, которые могли бы претендовать на европейское значение. Это в большой мере относится и к Испании, где возрождение национальной культуры наступило лишь в последней четверти 18 века. В Италии оригинальные и крупные произведения создавала в основном лишь венецианская школа.
Яркий расцвет культуры и искусства переживали другие страны, и прежде всего Франция, которая уже в конце 17 столетия приобрела ведущее значение в художественной жизни Европы. Английская школа впервые после эпохи средневековья начала играть видную роль в развитии мирового искусства. После долгого упадка начинали возрождаться архитектура, скульптура и живопись Германии, Австрии, Польши, Чехии. К концу 18 века относится ряд значительных достижений в изобразительном искусстве Соединенных Штатов Америки.
Развитие европейских стран повлекло за собою усиление связей между ними. Интенсивный хозяйственный обмен активизировал культурные отношения. Новые художественные идеи быстро становились достоянием живописцев, скульпторов и архитекторов во всех уголках Европы. Рим, в известной мере уступивший роль столицы европейского художественного мира Парижу, сохраняет, однако, значение крупного культурного центра, куда съезжались люди искусства со всех концов света, где происходил обмен мнениями и рождались новые художественные идеи. Значение Рима стало особенно очевидным с середины 18 века, когда усилился интерес к античному наследию и началось его систематическое изучение. Рим превратился в крупнейший учебный центр для молодежи, многие академии ведущих стран имели там свои филиалы.
Рококо | История искусства
XVIII век в Западной Европе принято называть веком Просвещения. На смену старой культуре пришла новая культура философов, экономистов, литераторов. Все виды искусства достигают необычайного расцвета, особенно литература, музыка, живопись.
Особенно бурно обновляется жизнь во Франции. С началом нового, XVIII столетия совершенно очевидно обозначился процесс разложения французской абсолютной монархии. Смерть в 1715 году «короля-солнца», последнее десятилетие лишь формально сохранявшего могущество, была просто завершающим событием в том длинном ряду явлений, которые подготавливали приход нового века, а с ним и новых веяний в искусстве.
Начало регенства герцога Орлеанского, дяди будущего короля Людовика XV, было ознаменовано сменой строгого придворного этикета совершенно противоположной атмосферой: легкомыслия, жажды наслаждений, развлечений, роскоши не столь тяжеловесной, как в ушедшую пору, и жизненного распорядка, не столь торжественного. Но в этом бурном веселье, торопливом желании успеть насладиться была и доля бравады, тревоги, предчувствие краткости мгновения, неизбежности расплаты за бездумье, надвигающихся грозных бедствий.
Многое меняется и в искусстве. Король перестает быть единственным заказчиком произведений искусства, а двор — единственным коллекционером.
Появляются частные коллекции, салоны. На долгие десятилетия Франция превращается в центр художественной жизни Западной Европы, в законодательницу всех художественных нововведений, она становится во главе всей духовной жизни Европы.
В первой половине XVIII века активно происходил процесс вытеснения религиозной культуры светской. Ведущим направлением в искусстве Франции стало рококо.
Зародился этот стиль при французском дворе и просуществовал около полувека. Стиль рококо — это позднее барокко, но был более легкий и игривый. Название произошло от французского слова «rocaille» (рокайль), которое означает модные тогда садовые украшения из камушков и раковин, а также сами камушки и раковины. Стиль рококо господствовал в оформлении внутренних помещений.
В эпоху рококо строили сравнительно небольшие и внешне простые здания — дворцы и жилые дома для одной семьи. Стены их маленьких салонов и будуаров покрывали светлыми панелями или зеркалами, которые обрамляли декоративные изящные композиции из цветов, ветвей и листьев.
Мягкие пастельные жемчужно-серые, золотистые или серебряные тона, блестящие плоскости зеркал, тихо позванивающие хрустальные люстры делали эти комнаты похожими на музыкальные шкатулки. Часто предметы и украшения имели капризно ассиметричную форму. Повсеместно использовался мотив раковины — это часть поверхности стены или предмета в резной раме причудливо извилистых очертаний.
В моду вошли также всевозможные украшения в китайском вкусе, это были подражания изделиям китайского художественного ремесла, завезенным в Европу.
Обитые светлыми тканями стулья и кресла с выгнутыми ножками, легкие маленькие комоды, секретеры и другие предметы обстановки напоминали игрушки. И женщины, и мужчины носили шелковые одежды нежных тонов, кружева и напудренные парики, у женщин — с завитыми в спирали локонами, у мужчин — с косичками. Дамы затягивали талию до предела, а широченные юбки напоминали сноп. Такую неудобную одежду могли носить только люди, не занятые никаким трудом. Именно такую жизнь — праздную, беззаботную и легкомысленную — изображали художники того времени.
В живописи предпочтением пользовались светлые тона — розовые, голубые, вибрирующий свет, таинственные пейзажные фоны; наряду с масляными красками часто пользовались пастелью. Особенно часто в картинах рококо изображали пастухов и пастушек. Но это не были изображения людей из народа, а условные пастушеские сцены, разыгранные переодетыми аристократами.
В скульптуре также господствовали легкость, мягкость и грация — долгой чередой повторяются купальщицы, путти и амурчики — божки любви в виде крылатых мальчиков.
Эпоха рококо принесла новые веяния и в пректирование парков. В противоположность симметричному и регулярному парку эпохи барокко, который называют французским, возник подражающий живой природе парк с извилистыми дорожками и как бы случайно разбросанными купами деревьев, т.н. английский парк (хотя на самом деле эта идея возникла в Китае).
Франция 18-го века — Рококо и Ватто
Франция 18-го века — Рококо и Ватто
Обзор
В 1715 году французы впервые за семьдесят два года приветствовали нового короля.
Людовик XV, пятилетний мальчик, стал преемником своего прадеда Людовика XIV, Короля-Солнце, который сделал Францию выдающейся державой в Европе. В течение следующих восьми лет племянник покойного короля, герцог Орлеанский, правил страной в качестве регента. Его аппетит к красоте и живости был хорошо известен, и он отказался от благочестия, навязанного Людовиком XIV в Версале. Франция отказалась от имперских устремлений, чтобы сосредоточиться на более личных и приятных занятиях. По мере того как политическая жизнь и личная мораль ослабевали, изменения отражались в новом стиле в искусстве, который был интимным, декоративным и часто эротичным.
Стиль рококо
Стремление Людовика XIV прославить свое достоинство и величие Франции было хорошо удовлетворено монументальными и формальными качествами большей части французского искусства семнадцатого века. Но члены следующего двора стали украшать свои элегантные дома более легкой и изящной манерой. Этот новый стиль известен с прошлого века как «рококо», от французского слова rocaille , обозначающего украшение сада из камней и ракушек.
Впервые появившись в декоративно-прикладном искусстве, рококо подчеркивал пастельные тона, извилистые изгибы и узоры на основе цветов, лозы и ракушек. Художники обращались от высокопарности к чувственным поверхностным удовольствиям цвета и света, от тяжелых религиозных и исторических сюжетов — хотя они никогда полностью не игнорировались — к более интимным мифологическим сценам, видам повседневной жизни и портретной живописи. Точно так же скульпторы все чаще применяли свои навыки к небольшим работам для оценки частных покровителей.
После Джан Лоренцо Бернини , Людовик XIV , c. 1700 г., бронза, Коллекция Сэмюэля Х. Кресса, 1943.4.87
1 из 11
Антуан Ватто и Галантный праздник
подход и пристальное наблюдение — Антуан Ватто объединил их в нечто новое.
Родившийся недалеко от фламандской границы, Ватто находился под влиянием тщательно описанных сцен повседневной жизни, популярных в Голландии и Фландрии. Приехав в Париж в 1702 году, он сначала зарабатывал на жизнь копированием этих жанровых картин, содержащих нравоучительные послания, не всегда до конца понятные французским коллекционерам.
Он работал у художника театральных сцен и познакомился с итальянским комедия дель арте и ее французские подражатели. Стандартные персонажи этих широко нарисованных импровизированных комедий часто появляются на картинах Ватто, а мир театра вдохновлял его смешивать реальное и воображаемое в загадочных сценах. Благодаря работе с модным декоратором в стиле рококо Ватто в конечном итоге привлек внимание покровителей и известных художников. Он начал обучение в официальной Королевской академии живописи и скульптуры, членство в которой было необходимо для выполнения важных поручений, и получил доступ к новым коллекциям произведений искусства, собираемым аристократами и представителями растущей буржуазии. Под влиянием своего изучения Рубенса и художников венецианского Возрождения Ватто разработал свободную, деликатную технику живописи и вкус к теплым, мерцающим цветам.
В 1717 году «шедевр» Ватто, представленный для поступления в Академию, был принят как «галантный праздник». В этой новой категории Академия признала новизну его работы.
Немедленная популярность этих садовых сцен, в которых аристократические молодые пары встречаются в любовных занятиях, показывает, насколько хорошо fête galante соответствовал духу поиска удовольствий начала восемнадцатого века. Гравюры сделали сюжеты и манеру Ватто широко известными. Хотя лирическая тайна его собственных работ оставалась уникальной, другие художники, специализировавшиеся на fête galante , особенно Патер и Ланкре, также пользовались международной популярностью.
Антуан Ватто , французский, 1684–1721, Галантный праздник с сокольниками , ок. 1711-1712, красный мел по графиту на верже, Дар Нила и Ивана Филлипсов, 1988.1.1
2 из 11
Церера, римская богиня урожая, окружена знаками летнего зодиака: Близнецы, Рак, и Лео. Это одна из четырех картин времен года в мифологических одеждах, которые Ватто написал для дома Пьера Кроза. Никто из остальных не выживает.
Ватто некоторое время жил в доме Кроза, изучая впечатляющую коллекцию произведений искусства богатого банкира, особенно работы Веронезе.
Мерцающая яркость и живые пастельные тона Цереры отражают влияние венецианской художницы и смягчают ее крупную фигуру и формальную позу.
Ватто, вероятно, был представлен Кроза Шарлем де Ла Фоссом, известным художником и признанным членом Академии, и вполне вероятно, что Ватто написал Цереру по эскизам, сделанным художником старшего возраста. Их сотрудничество стоит на переходе между монументальными формами предыдущего века и рококо.
Антуан Ватто , Франция, 1684 — 1721, Церера (Лето) , ок. 1717/1718, холст, масло, Коллекция Сэмюэля Х. Кресса, 1961.9.50
3 из 11
Труппа популярной итальянской комедии ( commedia dell’arte ) собирается на сцене, возможно, на занавесе. В центре неловко стоит уязвимая фигура Пьеро, простодушного камердинера и неудачливого любовника, который был самым человечным из стандартных персонажей комедии. Скарамуш, хвастун, представляет его, в то время как другие персонажи общаются вокруг странно неподвижного Пьеро.
Блестящий рисовальщик, Ватто часто рисовал друзей в театральных костюмах. Возможно, здесь нарисованы их лица, а не лица актеров. Было высказано предположение, что фигуры иллюстрируют переход от юности слева к старости справа или что меланхоличный Ватто видел себя в грустном Пьеро. Намерение Ватто состояло в том, чтобы вызвать настроение, а не просто описать сцену, и его величайшие картины, такие как эта, остаются загадочными и странно острыми.
Итальянские комедианты была одной из последних работ Ватто. Большую часть своей жизни он путешествовал в 1719 году в Англию для лечения у модного врача Роберта Мида. Эта картина, вероятно, была платой доктору. К сожалению, вскоре после этого Ватто умер от туберкулеза, ему не было и тридцати семи лет.
Антуан Ватто , Франция, 1684–1721, Итальянские комедианты , вероятно, 1720, холст, масло, Коллекция Сэмюэля Х. Кресса, 1946.7.9
4 из 11 флиртуйте, танцуйте и вступайте в интимную беседу, у каждой пары есть «эпизод» в процессе ухаживания.
Их анекдотический характер делает картины Патера менее двусмысленными, чем загадочные работы Ватто, которые современник критиковал как «бессюжетные».
Патер учился у Ватто, который признался, что был нетерпеливым мастером, и принял его поручения после своей смерти. Преследуемый страхом бедности, Патер работал непрестанно, но также довольно механически, повторно используя группы фигур и мотивы от одной картины к другой. Он был принят Академией как художник «современных предметов», и более шестисот из его galantes сохранились до наших дней.
Несколько поз на этой картине и незаконченная картина Патера На террасе можно проследить до фламандского художника семнадцатого века Питера Пауля Рубенса, чьи работы можно было увидеть в Париже в 1700-х годах. Темное платье женщины справа, модное в предыдущем столетии, и садовая скульптура Венеры, подчеркивающая направленность картины на любовь, также отражают его влияние. Но Патер, в соответствии со вкусами рококо, усовершенствовал массивные фигуры Рубенса.
Они собраны в изящные группы, их тонкие шелка окрашены прохладными пудровыми красками, нанесенными перистыми мазками.
Жан-Батист Жозеф Патер , французский, 1695-1736, Fête Champêtre , c. 1730 г., холст, масло, Коллекция Сэмюэля Х. Кресса, 1946.7.19
5 из 11
Будучи молодым художником, Буше гравировал работы Ватто для публикации. Гравюры, подобные его, часто с добавлением стихов, распространили стиль рококо по всей Европе. Сам Буше стал самым модным художником Франции под покровительством мадам де Помпадур, могущественной фаворитки Людовика XV, чьи утонченные вкусы влияли на французское искусство в течение двух десятилетий. Возможно, именно муж или брат женщины на этой картине познакомил молодого художника со своим будущим покровителем.
Из более чем тысячи картин, созданных Буше, только около двадцати являются портретами. Современники отмечали, что художнику было трудно передать сходство, и в 1700-х годах этот недостаток считался менее серьезным для женских портретов, чем для мужских, поскольку правдивость могла заменить лесть.
Бледные цвета, богатые ткани и деревенский оттенок соломенной шляпы типичны для стиля Буше. В нем запечатлено изящество изнеженного образа жизни, в котором, как отмечал современник, «нам действительно нечего делать, кроме как искать приятных ощущений и чувств».
Франсуа Буше , Франция, 1703–1770, Мадам Бержере , возможно, 1766, холст, масло, Коллекция Сэмюэля Х. Кресса, 1946.7.3
6 из 11 художников, последовавших за Ватте
7 900 Ланкре был самым талантливым и изобретательным. Скорее соперник, чем подражатель, он был принят в Академию как художник galantes , но также создавал исторические и религиозные картины — и портреты, особенно актеров и танцоров.
В этом вдохновенном гибриде Ланкре создал такой портрет в элегантном саду galante . Словно в центре внимания, знаменитая танцовщица Ла Камарго разделяет па-де-де со своим партнером Лавалем. Их обрамляет пышная листва, которая словно вторит их движениям. Мари-Куппи де Камарго (1710–1770) широко хвалили за ее чуткий музыкальный слух, воздушность и силу.
Вольтер сравнивал ее прыжки с нимфами. Мода и прически были названы в ее честь, и ее реальный вклад в танец был значительным. Она первой укоротила юбки, чтобы можно было в полной мере оценить сложные шаги, и некоторые думают, что она изобрела туфли с носками.
Николя Ланкре , Франция, 1690 — 1743, Танцы Ла Камарго , c. 1730 г., холст, масло, Коллекция Эндрю В. Меллона, 1937.1.89
7 из 11
Любовное письмо было заказано самой мадам де Помпадур. Любовница короля заказала его и сопутствующую картину для своего замка в Бельвю, где они, вероятно, висели над дверными проемами, встроенными в изогнутые овальные рамы. Позже по углам были добавлены куски холста, чтобы сделать эту картину прямоугольной.
Сцена представляет собой пасторальную идиллию. Молодые «пастушки» носят тонкие шелка, и современный зритель понял бы эротическое обещание в демонстрации розовых пальцев на ногах. Идеализированные видения деревенской жизни были обычным явлением на сцене и в реальных маскарадах.
Дени Дидро, пренебрегая легкомыслием сцен Буше, жаловался: «Неужели я никогда не избавлюсь от этих проклятых пасторальей?» Тем не менее энциклопедист, который был влиятельным критиком, также оценил великолепие картины Буше, в которой запечатлены светящиеся цвета раковин, бабочек и полированных камней — предметов, которые художник собирал, чтобы скопировать их хрупкую радужность.
Франсуа Буше , французский, 1703–1770, «Любовное письмо» , 1750, холст, масло, коллекция Timken, 1960.6.3
8 из 11
богиня охоты Диана крадется сквозь лунный свет, чтобы поцеловать спящего пастуха Эндимиона, которому боги даровали вечный сон, чтобы сохранить его красоту и молодость. Диана и Эндимион был написан, когда Фрагонар был еще студентом Академии и находился под сильным влиянием Буше, который был его учителем. Это была одна из нескольких мифологических виньеток, действие которых происходило в разное время дня; на другом изображена восходящая Аврора (Рассвет).
Обе композиции, написанные как украшения над дверью, были основаны на рисунках, которые Буше сделал для гобеленов Бове. Несмотря на сходство с работами старшего художника, Диана и Эндимион уже демонстрируют важные элементы того, что станет собственным стилем Фрагонара: насыщенные цвета и плавное обращение с краской.
Жан-Оноре Фрагонар , француз, 1732 — 1806, Диана и Эндимион , ок. 1753/1756, холст, масло, коллекция Timken, 1960.6.2
9 из 11
Костюмы и обстановка здесь предполагают маскарад, возможно, в Венеции. Однако, как и изображенное элегантное и загадочное трио, картина остается загадочной. Его приписывали многим разным художникам, совсем недавно Ле Лоррену, малоизвестному художнику, который провел девять лет в Италии и был известен прежде всего как «художник руин». Ле Лоррен также проектировал интерьеры, мебель (в том числе неоклассическую сюиту на портрете Греза в коллекции Галереи) и декорации для публичных зрелищ (например, коронации Людовика XV).
Морозные цвета и холодный, резкий свет на этой картине кажутся похожими на другие работы Ле Лоррена, но для сравнения существует несколько его работ. В конце концов он принял приглашение Екатерины Великой возглавить Академию художеств в Санкт-Петербурге и умер там всего через несколько месяцев после прибытия.
Луи-Жозеф Ле Лоррен , Франция, 1715-1759, Три фигуры, одетые для маскарада , ок. 1740-е годы, холст, масло, Коллекция Сэмюэля Х. Кресса, 1961.9.92
10 из 11
Широкие драпировки и тугой поворот головы создают движение и энергию в этом портретном бюсте. Слегка приоткрытые губы, просверленные зрачки и тщательно детализированные черты лица — линии вокруг глаз и рта — оживляют личность субъекта, который был советником Людовика XV и чей сын сражался в американской войне за независимость. И нарисованные, и скульптурные портреты того периода стремились запечатлеть нечто большее, чем сходство с натурщиком, и Лемойн передал ощущение сильного характера и живого ума Кромо.
Его объемные одежды являются условностью древней скульптуры и частично прикрывают его неформальное современное платье.
Жан-Батист Лемуан II , французский, 1704–1778, Жюль-Давид Кромо, барон дю Бур , ок. 1757 г., мрамор, Дар Камиллы де Нушез, прямого потомка, и ее мужа, Джона Хэдли Кокса, 1985.39.1
11 из 11
Уроки любви в стиле рококо из Франции 18-го века
Искусство
Джулия Фьоре 07 07 , 2019 17:56
Жан-Оноре Фрагонар, Украденный поцелуй, конец 1780-х гг. Изображение с Викисклада.
За последние несколько десятилетий искусство обольщения было позорно обесценено. В последнее время это сократилось до довольно нецивилизованного брачного зова «Netflix и расслабься», инсинуации секса без кокетливой преамбулы — или вообще каких-либо усилий. Должны ли наши стандарты романтики быть такими низкими? Наше отношение к удовольствиям искушения и отсроченного удовлетворения, столь искаженное современными технологиями?
Пусть этот День святого Валентина станет столь необходимым напоминанием о прошлых любовниках.
Как постоянно напоминают нам французы, нет лучшего учителя для мастер-класса по любви. В «эпоху соблазна» XVIII века эти кокетливые enfants terrible практически изобрели эротическую игру с приемами соблазнения, достигающими головокружительных крайностей.
Сегодня мы можем думать о соблазнении как о серии конечных действий (сидеть на диване, загрузить Netflix, эвфемистически «расслабиться»), которые без особой дополнительной подготовки могут привести к одной конечной цели (сексу). Но для утонченного любителя рококо соблазнение было частью сложной игры культивируемой общительности, в которой приятные переживания были опосредованы столь же приятной, роскошной обстановкой.
Жан-Оноре Фрагонар
Любовное письмо , начало 1770-х
Музей Метрополитен
Клод Хойн, Интерьер с портретом придворной дамы перед бюстом Институт Чикаго.
Advertisement
В высших эшелонах французского общества 18-го века утонченный вкус в оформлении интерьеров лежал в основе огромной социальной и чувственной власти.
Немногое изменилось в том смысле, что элитный декор может сигнализировать об утонченной чувствительности, а также, конечно же, о большом банковском счете. Действительно, экстравагантно-роскошный образ жизни, культивируемый в то время среди элиты, иллюстрируется модой, мебелью и произведений искусства настолько нелепо богаты, что, кажется, одним взглядом объясняют пролетарскую революцию.
Но такое тщеславие играло неотъемлемую роль в обеспечении как статуса, так и удовольствия — состояния, как пишет Мими Хеллман в своем превосходном эссе 1999 года «Мебель, общительность и работа для досуга во Франции восемнадцатого века», которое было «социальная валюта». Один стимулировал удовольствие, во-первых, с помощью светских граций, радуя компанию тщательно культивируемым обаянием, а во-вторых, безупречно соблюдая надлежащий этикет, особенно в создании элегантных жестов при обращении со сложной мебелью. Третьим — и, возможно, самым важным — шагом было создание идеально роскошных интерьеров: главной сцены для социального выступления.
В этой сфере ухаживание понималось не как «стремление к открытому сексуальному выражению, а скорее как обмен, в котором люди стремились вовлечь и доставить друг другу удовольствие с помощью искусно организованного репертуара приятных поз, жестов, выражений и разговоров». Хеллман пишет в каталоге «Опасные связи: мода и мебель в 18 веке», выставке 2004 года в Метрополитен-музее. Изобретательное шоу пролило свет на эту близость посредством хореографического взаимодействия моды, мебели и декоративно-прикладного искусства. В старинных залах галерей Райтсмана кураторы расставили эротически заряженные виньетки — украденная ласка во время урока музыки; кокетливый взгляд во время игры в карты — с манекенами в шелковых бутоньерках и цветущими халаты по-французски .
Juste-Aurèle Meissonnier
Vue de l’angle du même cabinet, 1st plate , 1742-1748
Cooper Hewitt, Smithsonian Design Museum
Permanent collection
Juste-Aurèle Meissonnier
Projet d’un Trumeau de glace pour un grand Cabinet fait pour le Portugal, 2-я пластина , 1740
Купер Хьюитт, Смитсоновский музей дизайна
Постоянная коллекция
Выставка была не только заманчивой демонстрацией сокровищ, обычно хранящихся в отдельных кураторских отделах, но и также возможность оценить домашний интерьер — и центральное место в роскошном вещи — к концепции элитной идентичности во Франции.
Комнаты эпохи Людовика XVI в Галереях Райтсмана передают самодовольную атмосферу, присущую периоду времени, когда мода и мебель должны были не только радовать, но и возбуждать. Каждая комната предлагает целостный сенсорный опыт со стенами, покрытыми резными панелями или дорогим текстилем; сверкающие зеркала, обрамляющие мраморные камины, отражают изогнутые люстры из позолоченной бронзы и фарфоровые вазы; и подходящие наборы стульев с шелковой обивкой, каждый из которых предназначен для специализированной неторопливой деятельности. Однако сложные механизмы и правила изящного обращения с такими украшениями давали возможность продемонстрировать соблазнительно утонченное очарование (или лодыжку в чулках), а также потенциал для досадных промахов, которые выявляли дискомфорт от систематизированного досуга знати.
«Предметы были как продолжение тела, часть гардероба, который при правильном ношении мог превратить деятельность элиты в танец искусного убеждения», — пишет Хеллман в «Внутренние мотивы: соблазнение украшением во Франции восемнадцатого века».
” Литература того времени отражает это распутное отношение. В странной эротической новелле Жана-Франсуа де Бастида «Маленький дом: архитектурное соблазнение», которая вдохновила шоу Met, маслянистый маркиз де Тремикур полагается на силу роскошных предметов, украшающих его maison de plaisance , чтобы ухаживать за женщинами, которых он приводит домой.
В этой сказке маркиз заманил в ловушку юную и невинную Мелиту. Когда он проводит для нее экскурсию по дому, Мелит чувствует, как ее решимость слабеет, глядя на все более элегантно обставленные комнаты. («Действительно, столь сладострастным был этот салон, что он внушал самые нежные чувства, чувства, которые, как кажется, можно было испытывать только к его владелице».) Мелит настолько обезумела от красоты дома и предстоящих ухаживаний маркиза, что чуть не рухнула на землю. bergère , мягкое кресло, которое дает коварному Тремикуру возможность приблизиться к ней. Он бросается «себя к ней на колени», запирая ее в своей позолоченной клетке, пока она, наконец, не проиграет «пари» и не уснет с ним.
Разные художники
Костюм, французский , 1780
Почетный легион
Неизвестный дизайнер
Халат по-французски 9001. 1760
Les Arts Décoratifs
Как аристократка Мелит привыкла к роскоши. Однако это petite maison , как и многие изделия того периода, использует природу как возвышенный мотив, чтобы визуально подавлять ее. Многочисленные панорамные окна открывают вид на обширные, тщательно спроектированные сады, а зеркала бесконечно отражают землю, создавая впечатление, что вы окружены природой.
Романтический аспект мира природы также раскрывается в современной живописи. В знаменитой картине Жана-Оноре Фрагонара « Качели » (ок. 1767–1768) высокие деревья и розовые кусты окружают кокетливую молодую женщину, которая, покачиваясь, позволяет вторгшемуся в кусты молодому человеку заглянуть ей под юбку. Сад — приятное место: красивое, красочное, благоухающее, уединенное и тихое — идеальное место для встречи.
Таким образом, украшения внутри дома также будут подражать этой теме.
Каждый элемент дома маркиза де Тремикур призван вызывать романтику, стимулируя все чувства; различные декоративные элементы должны были гармонировать с другими украшениями комнаты для синестетического эффекта, который мог сделать женщину вроде Мелит беспомощной. Например, в его туалете есть «урны и фарфоровые сосуды, наполненные ароматами… искусно расставленные на подставках». Чаши для попурри и парфюмеры были частью более крупного эксперимента по общей сексуализации объектов.
Приписывается Чарльзу Николасу Додин, Жан-Клод Дуплессис, Sèvres Фарфоровая мануфактура
Vaspourri Vase (Pot-Pourri Gondole) , 1757
Метрополитный музей Art
. чувственно интимный момент. Представьте себе, если бы Мелит взяла его в руки: она почувствовала бы изгибы ручек из позолоченной бронзы, отлитых вьющимися листьями, и гладкий стеклянный фарфор, расписанный цветущими растениями. Если бы она сняла крышку, сильный аромат сухих цветов и специй достиг бы ее носа, аромат усилил ощущение того, что снаружи проникает внутрь.
Без бомбардировки зрительных, телесных и обонятельных удовольствий впечатлительная женщина могла бы найти в себе решимость покинуть дом маркиза де Тремикур, сохранив свою девственность. Но в конечном итоге объекты и сама красивая женщина усиливают и подчеркивают соблазнительные качества друг друга. Действительно, Хеллман считает, что среди элиты 18-го века «предметы обладали многими из тех же поверхностных качеств, что и богато одетые тела их пользователей».
Эта история, однако, может показаться историей неравного обмена, невинной молодой женщины, отданной на милость богатого пожилого мужчины, который провозгласил свою силу — и, очевидно, мужественность — в противовес своему безупречному вкусу. Но «состояние, которое было фундаментальным для социального опыта во Франции восемнадцатого века, — поясняет Хеллман в «Мебель, общительность и работа в свободное время», — было» двойной позицией созерцания и созерцания».
Жан-Франсуа де Трой, The Garter, 1724. Изображение с Викисклада.
Франсуа Буше
Портрет мадам де Помпадур , 1756
Художественное обучение
Возьмем камин, центральный декоративный элемент любой модной комнаты. На каминной полке будут демонстрироваться декоративные предметы, такие как фарфоровые вазы и автоматические часы, а зеркало над каминной полкой будет отражать эти сокровища, а также излучать сверкающий свет от свечей и сверкающих люстр. Искусно расположенные зеркала имели дополнительное преимущество, давая людям, собравшимся вокруг камина, возможность наблюдать, кто входит или выходит из комнаты, не поворачивая головы. Женщина-павлин в шелковом платье, стоявшая перед зеркалом, могла блеснуть своей красотой с отработанной легкостью: другие в комнате могли наблюдать за ней, а она, в свою очередь, могла застенчиво оглядываться на них.
Французская аристократия 18-го века, безусловно, отличалась стилем и талантом, но также и множеством правил. В эту эпоху ослабления сексуальных нравов французам удалось сформулировать и освоить искусно закодированное искусство соблазнения, лишив его любой спонтанности или радости.