Рококо временные рамки: Барокко. Временные рамки барокко — презентация онлайн

Барокко. Временные рамки барокко — презентация онлайн

По-испански Borokko — странный,
причудливый, по-итальянски Borokko –
причудливый, вычурный.
Начало барокко условно относят к 70-80-м
годам XVI в., однако истоки этого стиля
восходят к эпохе Возрождения, в
частности к творчеству Микеланджело,
которого нередко называют «отцом
барокко»
Родиной барокко считается Рим, а
наиболее яркие образцы архитектуры
этого стиля были созданы в Италии,
Испании, Португалии, Южной Германии,
Чехии, Польше, Литве, испанских и
португальских колониях в Латинской
Америке.

4. Временные рамки барокко

Этот стиль свойственен
искусству Западной Европы
с конца XVI века (Италия) до
середины XVIII века
(Россия).
“Время барокко” включает в
себя много стилей и
направлений (маньеризм,
классицизм, барокко и
рококо) и “стиль барокко”.
Церковь Сан
Карло алле
Кватро
Фонтане, Рим

5.

Характеристика стиля Для барокко характерно тяготение к
синтезу искусств.
Создаются огромные ансамбли, в
которых архитектура, живопись,
скульптура, театр, музыка, декоративноприкладное и садово-парковое
искусство сливаются в единое целое,
отмеченное печатью торжественности,
пышности, парадности.
Собор Св. Петра, Рим
Церковь
Сант- Иво
алла
Сапиенца,
Рим
Искусство барокко отличается
экзальтацией образов; ему свойственны
контрастность, напряженность,
динамичность образов, стремление к
совмещению реальности и иллюзии.
Архитектуре этого стиля
свойственны
пространственный
размах, слитность,
текучесть сложных,
обычно криволинейных
форм. Часто встречаются
развернутые масштабные
колоннады, изобилие
скульптуры на фасадах и
в интерьерах,
рустованные колонны и
пилястры. Купола
приобретают сложные
формы, часто они
многоярусны.
Характерные детали
барокко — атланты,
кариатиды, маскароны
Собор св. Петра в
Риме
Преобладающие и
модные цвета
Пастельные тона; красный,
розовый, белый, голубой с
желтым акцентом.
Сочетание контрастных
цветов, богатые цветовые
палитры (от изумрудного
до бордо). Популярное
сочетание – белый с
золотом.
Линии
Интересный выпукловогнутый асимметричный
рисунок; в формах
полуокружности,
прямоугольника, овала;
вертикальные линии
колонн; выраженное
горизонтальное членение.
Форма
Куполообразные, сводчатые и прямоугольные;
башни, балконы, эркеры.
Характерные элементы интерьера
Движение — стремление к величию и пышности;
массивные парадные лестницы; колонны,
пилястры, скульптуры, лепнина и роспись, резной
орнамент; взаимосвязь элементов оформления.
Конструкции
Напряженные, контрастные,
динамичные; вычурные по фасаду
и вместе с тем массивные и устойчивые.
Окна
Прямоугольные, полуциркульные;
с растительным декором по периметру.
Двери стиля Барокко
Арочные проемы с колоннами;
растительный декор.
Скала Раджа в Ватикане

10. Формирование стиля

Формирование барокко, прежде всего,
связано с кризисом идеалов
Итальянского Возрождения в середине
XVI в. и стремительно меняющейся
«картиной мира» на рубеже XVI- XVII вв.
Это было время болезненных изменений
мировоззрения, неожиданных поворотов
человеческой мысли, отчасти вызванное
великими географическими и
естественно-научными открытиями.

11. Площадь св.Петра в Риме. 1656-1667

В XVIII веке барокко приживается и в России.
Новые манеры царского двора и нового
русского дворянства требовали и
европейского типа дворцов, где можно было
устраивать роскошные балы, торжественные
приемы, давать богатые обеды. Дочь Петра I,
Елизавета Петровна, склонялась к формам
пышного итальянского барокко.
В годы правления Елизаветы (1741-1761) были
созданы лучшие образцы русского барокко,
отличавшегося от итальянского мирской
жизнерадостностью и отсутствием
религиозного мистицизма, а от немецкого или
австрийского — подчеркнутой
масштабностью и монументальным
размахом архитектурных ансамблей.
В середине XVIII в. с началом эпохи
неоклассицизма и французского
Просвещения барокко уходит с
исторической арены. Французский
просветитель Жан Жак Руссо считал этот
стиль проявлением дурного вкуса и
искажением прекрасного. Но барокко –
закономерное продолжение эпохи
Возрождения и в единстве мировоззрения
люди эпохи Барокко «находили свободу
духа».
Барокко — это эпоха, великая своими
грандиозными разрушениями и столь же
грандиозными созиданиями, она
осталась в истории переломным
моментом развития мирового искусства.
Барокко стало стилем жизни целых
народов и культур.
Соколенко Даниил
Георгиевская ООШ ст I-III № 2
2017

Стили и направления в изобразительном искусстве

	Готика – художественный стиль, сформировавшийся в странах Западной и Центральной Европы в XII-XV вв. Он явился результатом многовековой эволюции средневекового искусства, его высшей стадией и одновременно первым в истории общеевропейским, интернациональным художественным стилем. Он охватил все виды искусства – архитектуру, скульптуру, живопись, витраж, книжное оформление, декоративно-прикладное искусство. Основой готического стиля была архитектура, которая характеризуется устремленными ввысь стрельчатыми арками, многоцветными витражами, визуальной дематериализацией формы. Элементы готического искусства часто можно встретить в современном оформлении интерьеров, в частности, в настенной росписи, реже в станковой живописи. С конца прошлого века существует готическая субкультура, ярко проявившаяся в музыке, поэзии, дизайне одежды.
	Возрождение ( Ренессанс) — (франц. Renaissance, итал. Rinascimento) Эпоха в культурном и идейном развитии ряда стран Западной и Центральной Европы, а также некоторых стран Восточной Европы. Основные отличительные черты культуры Возрождения: светский характер, гуманистическое мировоззрение, обращение к античному культурному наследию, своего рода «возрождение» его (отсюда и название). Культура Возрождения обладает специфическими особенностями переходной эпохи от средневековья к новому времени, в которой старое и новое, переплетаясь, образуют своеобразный, качественно новый сплав. Сложным является вопрос о хронологических границах Возрождения (в Италии — 14-16 вв., в других странах — 15-16 вв.), его территориальном распространении и национальных особенностях. Элементы этого стиля в современном искусстве довольно часто используются в настенных росписях, реже в станковой живописи.
	Маньеризм — (от итальянского maniera — приём, манера) течение в европейском искусстве XVI века. Представители маньеризма отошли от ренессансного гармонического восприятия мира, гуманистической концепции человека как совершенного творения природы. Острое восприятие жизни сочеталось с программным стремлением не следовать природе, а выражать субъективную «внутреннюю идею» художественного образа, рождающегося в душе художника. Ярче всего проявился в Италии. Для итальянского маньеризма 1520-х гг. (Понтормо, Пармиджанино, Джулио Романо) характерны драматическая острота образов, трагизм мировосприятия, усложненность и преувеличенная экспрессия поз и мотивов движения, удлиненность пропорций фигур, колористические и светотеневые диссонансы. В последнее время стал использоваться искусствоведами для обозначения явлений в современном искусстве, связанных с трансформацией исторических стилей.
	Барокко — исторический художественный стиль, получивший распространение первоначально в Италии в сер. XVI-XVII столетия, а затем во Франции, Испании, Фландрии и Германии XVII-XVIII вв. Шире этот термин используется для определения вечно обновляющихся тенденций беспокойного, романтического мироощущения, мышления в экспрессивных, динамичных формах. Наконец, в каждом времени, почти в каждом историческом художественном стиле можно обнаружить свой «период барокко» как этап наивысшего творческого подъема, напряжения эмоций, взрывоопасности форм.
	Классицизм – художественный стиль в западноевропейском искусстве XVII — нач. XIX века и в русском XVIII — нач. XIX, обращавшийся к античному наследию как к идеалу для подражания. Он проявился в архитектуре, скульптуре, живописи, декоративно-прикладном искусстве. Художники-классицисты считали античность высшим достижением и сделали ее своим эталоном в искусстве, которому стремились подражать. Со временем переродился в академизм.
	Романтизм – направление в европейском и русском искусстве 1820-1830-х гг., сменившее классицизм. Романтики выдвигали на первый план индивидуальность, противопоставляя идеальной красоте классицистов «несовершенную» действительность. Художников привлекали яркие, редкие, необычайные явления, а также образы фантастического характера. В искусстве романтизма большую роль играет острое индивидуальное восприятие и переживание. Романтизм освободил искусство от отвлеченных классицистических догм и повернул его к национальной истории и образам народного фольклора.
	Сентиментализм — (от лат. sentiment — чувство) – направление западного искусства второй половины XVIII., выражающее разочарование в “цивилизации”, основанной на идеалах “разума” (идеологии Просвещения). С. провозглашает чувство, уединенное размышление, простоту сельской жизни “маленького человека”. Идеологом С. считается Ж.Ж.Руссо.
	Реализм – направление в искусстве, стремящееся с наибольшей правдой и достоверностью отобразить как внешнюю форму, так и сущность явлений и вещей. Как творческий метод соединяет в себе индивидуальные и типические черты при создании образа. Самое длительное по времени существования направление, развивающееся от первобытной эпохи до наших дней.
	Символизм – направление в европейской художественной культуре конца XIX-начала XX вв. Возникший как реакция на господство в гуманитарной сфере норм буржуазного «здравомыслия» (в философии, эстетике — позитивизма, в искусстве — натурализма), символизм прежде всего оформился во французской литературе конца 1860-70-е гг., позднее получил распространение в Бельгии, Германии, Австрии, Норвегии, России. Эстетические принципы символизма во многом восходили к идеям романтизма, а также к некоторым доктринам идеалистической философии А. Шопенгауэра, Э. Гартмана, отчасти Ф. Ницше, к творчеству и теоретизированию немецкого композитора Р. Вагнера. Живой реальности символизм противополагал мир видений и грёз. Универсальным инструментом постижения тайн бытия и индивидуального сознания считался символ, порождённый поэтическим прозрением и выражающий потусторонний, скрытый от обыденного сознания смысл явлений. Художник-творец рассматривался как посредник между реальным и сверхчувственным, везде находящий «знаки» мировой гармонии, пророчески угадывающий признаки будущего как в современных явлениях, так и в событиях прошлого.
	Импрессионизм – (от фр. impression – впечатление) направление в искусстве последней трети XIX – начала XX в., возникшее во Франции. Название было введено художественным критиком Л. Леруа, пренебрежительно отозвавшемся о выставке художников 1874 года, где среди прочих была представлена картина К. Моне «Восход солнца. Впечатление». Импрессионизм утверждал красоту реального мира, акцентируя свежесть первого впечатления, изменчивость окружающего. Преимущественное внимание к решению чисто живописных задач уменьшало традиционное представление о рисунке как о главной составной части произведения искусства. Импрессионизм оказал мощное воздействие на искусство европейских стран и США, пробудил интерес к сюжетам из реальной жизни. (Э. Мане, Э. Дега, О. Ренуар, К. Моне, А. Сислей и др.)
	Пуантилизм – течение в живописи (синоним – дивизионизм), развивавшееся в рамках неоимпрессионизма. Неоимпрессионизм возник во Франции в 1885 году и получил распространение также в Бельгии и Италии. Неоимпрессионисты пытались применить в искусстве новейшие достижения в области оптики, согласно которым выполненная раздельными точками основных цветов живопись в зрительном восприятии дает слияние цветов и всю гамму живописи. (Ж. Сера, П. Синьяк, К. Писсарро).
	Постимпрессионизм – условное собирательное название основных направлений французской живописи к. XIX – 1-ой четв. XX в. Искусство постимпрессионизма возникло как реакция на импрессионизм, который фиксировал внимание на передаче мгновения, на ощущении живописности и утратил интерес к форме предметов. Среди постимпрессионистов – П. Сезанн, П. Гоген, В. Гог и др.
	Модерн – cтиль в eвpoпeйcкoм и aмepикaнcкoм иcкyccтвe нa pyбeжe XIX-XX вeкoв. Мoдepн пepeocмыcливaл и cтилизoвaл чepты иcкyccтвa paзныx эпox, и выpaбoтaл coбcтвeнныe xyдoжecтвeнныe пpиeмы, ocнoвaнныe нa пpинципax acиммeтpии, opнaмeнтaльнocти и дeкopaтивнocти. Объeктoм cтилизaции мoдepнa также cтaнoвятcя и пpиpoдныe фopмы. Этим oбъяcняeтcя нe тoлькo интepec к pacтитeльным opнaмeнтaм в пpoизвeдeнияx мoдepнa, нo и caмa иx кoмпoзициoннaя и плacтичecкaя cтpyктypa — oбилиe кpивoлинeйныx oчepтaний, oплывaющиx, нepoвныx кoнтypoв, нaпoминaющиx pacтитeльныe фopмы. Тecнo cвязaн c мoдepнoм — cимвoлизм, пocлyживший эcтeтикo-филocoфcкoй основой для мoдepнa, опиpaясь нa мoдepн кaк нa плacтичecкyю peaлизaцию cвoиx идeй. Модерн имел в разных странах разные названия, которые в сущности являются синонимами: Ар Нуво – во Франции, Сецессион – в Австрии, Югендстиль – в Германии, Либерти – в Италии.
	Модернизм – (от фр. modern – современный) общее название ряда направлений искусства первой половины XX в., для которых характерны отрицание традиционных форм и эстетики прошлого. Модернизм близок авангардизму и противоположен академизму.
	Авангардизм – название, объединяющее круг художественных направлений, распространенных в 1905-1930-х гг. (фовизм, кубизм, футуризм, экспрессионизм, дадаизм, сюрреализм). Все эти направления объединяет стремление обновить язык искусства, переосмыслить его задачи, обрести свободу художественного выражения.
	Сезаннизм – направление в искусстве к. XIX – н. XX в., основанное на творческих уроках французского художника Поля Сезанна, который сводил все формы в изображении к простейшим геометрическим фигурам, а колорит – к контрастным построениям теплых и холодных тонов. Сезаннизм послужил одной из отправных точек для кубизма. В большой мере сезаннизм повлиял также на отечественную реалистическую школу живописи.
	Фовизм – (от fauve – дикий) авангардистское течение во французском искусстве н. XX в. Название «дикие» было дано современными критиками группе художников, выступивших в 1905 г. В парижском Салоне независимых, и носило иронический характер. В группу входили А. Матисс, А. Марке, Ж. Руо, М. де Вламинк, А. Дерен, Р. Дюфи, Ж. Брак, К. ван Донген и др. Фовистов сближали тяготение к лаконичной выразительности форм и интенсивным колористическим решениям, поиск импульсов в примитивном творчестве, искусстве средних веков и Востока.
	Примитивизм – намеренное упрощение изобразительных средств, подражание примитивным стадиям развития искусства. Этим термином обозначают т.н. наивное искусство художников, не получивших специального образования, однако вовлеченных в общий художественный процесс к. XIX – нач. XX века. Произведениям этих художников – Н. Пиросмани, А. Руссо, В. Селиванова и др. присуща своеобразная детскость в интерпретации натуры, сочетание обобщенной формы и мелкой буквальности в деталях. Примитивизм формы отнюдь не предопределяет примитивность содержания. Он часто служит источником для профессионалов, заимствовавшим из народного, по сути примитивного искусства формы, образы, методы. Из примитивизма черпали вдохновение Н. Гончарова, М. Ларионов, П. Пикассо, А. Матисс.
	Академизм – направление в искусстве, сложившееся на основе следования канонам античности и эпохи Возрождения. Бытовало во многих европейских школах искусства с XVI по XIX век. Академизм превращал классические традиции в систему «вечных» правил и предписаний, сковывавших творческие поиски, пытался противопоставить несовершенной живой природе «высокие» улучшенные, доведенные до совершенства вненациональные и вневременные формы красоты. Для Академизма характерно предпочтение сюжетов из античной мифологии, библейских или исторических тем сюжетам из современной художнику жизни.
	Кубизм – (фpaнц. cubisme, oт cube — кyб) нaпpaвлeниe в иcкyccтвe пepвoй чeтвepти XX вeкa. Плacтичecкий язык кyбизмa ocнoвывaлcя нa дeфopмaции и paзлoжeнии пpeдмeтoв нa гeoмeтpичecкиe плocкocти, плacтичecкoм cдвигe фopмы. Рождение кубизма приходится на 1907-1908 года – канун первой мировой войны. Бесспорным лидером этого направления стал поэт и публицист Г.Аполлинер. Это течение одним из первых воплотило ведущие тенденции дальнейшего развития искусства ХХ века. Одной из этих тенденций стало доминирование концепции над художественной самоценностью картины. Отцами кубизма считают Ж.Брака и П.Пикассо. К возникшему течению примкнули Фернан Леже, Робер Делоне, Хуан Грис и др.
	Сюрреализм — течение в литературе, живописи и кинематографе, возникшее в 1924 году во Франции. Оно в значительной мере способствовало формированию сознания современного человека. Главные деятели движения – Андре Бретон, Луи Арагон, Сальвадор Дали, Луис Бунюэль, Хуан Миро и многие другие художники всего мира. Сюрреализм выражал идею существования за пределами реального, особенно важную роль здесь приобретают абсурд, бессознательное, сны, грезы. Одним из характерных методов художника-сюрреалиста является отстранение от осознанного творчества, что делает его инструментом, различными способами извлекающим причудливые образы подсознания, родственные галлюцинациям. Сюрреализм пережил несколько кризисов, пережил вторую мировую войну и постепенно, сливаясь с массовой культурой, пересекаясь с трансавангардом, вошел в качестве составной части в постмодернизм.
	Футуризм — (oт лaт. futurum — бyдyщee) литepaтypнo-xyдoжecтвeннoe тeчeниe в иcкyccтвe 1910-x гoдoв. Oтвoдя ceбe poль пpooбpaзa иcкyccтвa бyдyщeгo, фyтypизм в кaчecтвe ocнoвнoй пpoгpaммы выдвигaл идeю paзpyшeния кyльтypныx cтepeoтипoв и пpeдлaгaл взaмeн aпoлoгию тexники и ypбaнизмa кaк глaвныx пpизнaкoв нacтoящeгo и гpядyщeгo. Baжнoй xyдoжecтвeннoй идeeй фyтypизмa cтaл пoиcк плacтичecкoгo выpaжeния cтpeмитeльнocти движeния кaк ocнoвнoгo пpизнaкa тeмпa coвpeмeннoй жизни. Pyccкaя вepcия фyтypизмa нocилa нaзвaниe кyбoфyтypизм и былa ocнoвaнa нa coeдинeнии плacтичecкиx пpинципoв фpaнцyзcкoгo кyбизмa и eвpoпeйcкиx oбщeэcтeтичecкиx ycтaнoвoк фyтypизмa.

О зарождении барокко в России. Воплощение барокко в архитектуре и интерьерах Петербурга., Дизайн интерьера дома и квартиры

В сегодняшней беседе мы будем использовать цитаты из научных работ, посвященных данной теме, не забывая при этом давать свои комментарии. Итак…

Российский ученый, автор Нового энциклопедического словаря изобразительного искусства В. Г. Власов пишет, что «…термин «Барокко» в России долго не мог утвердиться. Например, еще в середине XIX в. русская критика, ниспровергая стиль Классицизма в архитектуре, тем не менее, «не видела альтернативы колоннам и куполу». Обсуждались достоинства стилей Неоготики и «неоренессанса», но слово «барокко» избегали употреблять». Надо сказать, что в России «неоренессансом» называли барокко, а неоготика рассматривалась как отдельное направление в искусстве. Собственно говоря, неоготика, действительно, отличается от барокко, о чем мы в дальнейшем обязательно поговорим. «Архитектор А. Брюллов, — продолжает Власов, — во время… поездки 1822 г. в Италию возмущался «развращенным вкусом» и нелепостью построек Ф. Борромини. Только в 1880-х гг. исследователь древнерусского зодчества Н. Султанов ввел термин «русский Барокко», обозначив им допетровскую архитектуру Руси XVII в. С тех пор существует устойчивая концепция, согласно которой первая фаза стиля «русского барокко» сложилась в 1640-х гг. и этот стиль развивался «в непрерывной последовательности, вплоть до завершивших его произведений В. И. Баженова»». Но в XVII веке стиль, о котором говорит Н. Султанов, не находил своего должного отражения в интерьере. Изменения коснулись, в основном, церквей.

Временные рамки русского барокко невозможно установить с точностью до года. Впрочем, ни один стиль нельзя датировать конкретными годами. Процесс перехода от одного стиля к другому происходит не «вдруг». По словам Н. Султанова, которые приводил В. Власов, русское барокко заканчивается на шедеврах В. Баженова. Но Баженов творил в конце XVIII века, в то время, когда на Руси процветало рококо (свой подъем рококо начало в середине XVIII века, и об этом мы обязательно поговорим в последующих беседах). Мы ни в коем случае не хотим сказать, что Н. Султанов ошибался. Он был прав, как правы и те, кто определяет примерные временные рамки рококо. Всё это еще раз подтверждает, что стили сменяются плавно, и соседство «уходящего» стиля с «приходящим» является нормальным явлением. Так было всегда и так будет.

Возвращаясь к источнику, отметим высказывание академика Д. С. Лихачева, которое в своей работе приводит В. Г. Власов. Дмитрий Сергеевич говорил, что «русское барокко приняло на себя многие из функций Ренессанса, поскольку… настоящий Ренессанс ранее так и не сумел достаточно полно проявиться на Руси». И далее Власов пишет о том, что «этот вывод следует из «особенной уплотненности» развития художественных стилей на Руси, в корне отличающих их духовное содержание от западноевропейских прототипов. «Русское барокко в целом, выполняя свою возрожденческую функцию, исторически противостояло средневековью, а не Ренессансу. Отсюда его жизнерадостность и его умеренность, чуждая патетичности западного Барокко». Термин «русское барокко» принимается не всеми, в любом случае он условен и его следует брать в кавычки… в нем выделяют стадии «голицынского» и «нарышкинского барокко» — архитектуру «русского узорочья» конца XVII в., «петровское барокко» первой четверти XVIII в., «зрелое русское барокко» елизаветинского времени. Последний стиль получил наиболее яркое воплощение в творчестве выдающегося зодчего Ф. Б. Растрелли Младшего в Петербурге».

Говорить о русском барокко и не сказать о его воплощении в архитектуре и интерьерах Петербурга просто невозможно. Забегая вперед, скажем, что разговор о Петербурге, о его пригородах, где зарождались русские интерьеры, будет у нас долгим, и на примере апартаментов русской знати мы будем говорить об убранстве загородного дома в том же стиле (стилях), в каком был исполнен интерьер жилищ наших отнюдь не бедных предков.

Возвращаясь к источнику, отметим, что в елизаветинское время «Россия стремительно догоняла Европу и в оригинальной архитектуре, созданной Растрелли, соединились композиционные приемы европейского Классицизма, Барокко и французского Рококо… Поэтому исследователи справедливо отмечают, что сохранение элементов Классицизма, рационализм и прагматизм архитектуры петровского времени обеспечили легкость и естественность перехода к Классицизму второй половины XVIII столетия, «почти минуя стадию истинно- европейского Барокко».

Многие считают, что данный стиль «привез» в Россию Петр I. На самом деле первые «ростки» его были заложены до того, как Петр Великий вступил на престол. В XVII веке в России появился новый для того времени стиль, который назвали «нарышкинским барокко» (по фамилии матери Петра — Натальи Нарышкиной). На церквях и дворцах начали появляться декоративные кружева, а церкви стали приобретать элементы не только с округлыми формами (о новом для того времени стиле говорил Н. Султанов, чью цитату мы приводили в начале встречи). Конечно, с европейским направлением эти новшества имели весьма отдаленные общие черты. Тем не менее, уход от сложившихся форм стали считать новым стилем. В эпоху нарышкинского барокко на храмах и церквях начала появляться горельефная резьба. Так как в то время (впрочем, как и сейчас) столицей России была Москва, именно в ней нарышкинский стиль нашел свое отражение. Ярким примером этого стиля стала церковь Покрова на Филях, прекрасно сохранившаяся до наших дней. Белые каменные «кружева» на красном фоне стен (периодически стены красят в светло-коричневый или розоватый цвета) придают церкви неповторимый вид. Именно с таких церквей начиналось барокко в России.

В следующий раз мы начнем разговор о русском барокко эпохи Петра I.

Алексей Каверау

В статье использованы фотографии сайтов: ufa.shikremont, antonovich, am111., historydoc.edu, venividi, sobory

Хронология западноевропейского искусства | by Eggheado | Eggheado: Art

Тема: Творчество

Хотите получать интересные статьи на email каждое утро и расширять кругозор? Присоединяйтесь к Eggheado!

Число стилей и направлений огромно, если не бесконечно. Они не имеют четких границ, плавно переходят один в другой и находятся в непрерывном развитии, смешении и противодействии. Именно по этому часто так сложно отличить один от другого. Многие из стилей в искусстве сосуществуют одновременно и поэтому «чистых» произведений (живописи, архитектуры и пр.) вообще не бывает.

Тем не менее, понимание и умение различать стили во многом зависит от знания истории. Когда мы разберемся в истории формирования и трансформации западноевропейского искусства, станет более понятны черты и исторические особенности каждого стиля.

Древний Египет

Искусство Древнего Египта, равно как и предшествующее ему искусство Месопотамии де факто не являются западноевропейским. Но оно оказало значительное влияние на минойскую и, опосредованно, на древнегреческую цивилизацию. Характерными чертами египетского искусства является огромное значение погребального культа, ради которого создавалось множество художественных произведений, имевших для современников более утилитарную функцию.

Древняя Греция

Античное древнегреческое искусство заложило основы для развития всего европейского искусства в дальнейшем, создав ряд эталонных образцов (например, Парфенон и Венера Милосская). Греки создали идеальные образцы классической скульптуры. Значительным (но оказавшим гораздо меньшее влияние на последующие поколения) был жанр вазописи. Образцы живописи Древней Греции не сохранились.

Парфенон

Характеристика изобразительного языка — идеальность облика, просчитанный анатомический канон, гармония и уравновешенность, золотое сечение, учитывание оптических искажений. На протяжении следующих веков искусство несколько раз будет обращаться к наследию Древней Греции и черпать из него идеи.

Древний Рим

Древнеримское искусство испытало влияние как древнегреческого, так и местного италийского искусства этруссков. Наиболее значительными памятниками этого периода являются мощные архитектурные сооружения (например, Пантеон), а также тщательно разработанный скульптурный портрет. До нас также дошло большое количество живописных фресок.

Пантеон

Раннехристианское искусство воспримет из римского иконографию и типы архитектурных сооружений, значительно переработав их под воздействием новой идеологии.

Искусство Средневековья характеризуется упадком изобразительных средств по сравнению с предшествующей эпохой античности. Наступление Тёмных веков, когда было утрачено большое количество как навыков, так и памятников, привело к бо́льшей примитивизации произведений искусства.

Дополнительный аспект — приоритет духовного, а не телесного, что вело к ослаблению интереса к материальным предметам и к более заметной обобщенности, огрублению произведений искусства.

ВизантияВизантийская мозаика (V век)

Византийское искусство сначала было наследником позднеримского, обогащенного богатой христианской идеологией. Характерными чертами искусства этой эпохи является сакрализация, а также возвеличивание императора. Из новых жанров: превосходные достижения в жанре мозаики и иконописи, из старых — в храмовой архитектуре.

Раннее Средневековье

Искусство раннего Средневековья (примерно до XI вв.) создается в Тёмные века, когда ситуация осложняется миграциями варварских народов по территориям бывшей Римской империи.

Практически все сохранившиеся памятники этого периода — иллюминированные рукописи, хотя можно также найти архитектурные объекты и небольшие декоративно-прикладные изделия.

Романика

Романское искусство (XI—XII вв.) продолжалось, пока на смену ему не пришла готика. Это был период повышения благосостояния европейцев, и впервые можно увидеть общеевропейский стиль, последовательно встречающийся от Скандинавии до Испании.

Роспись крипты базилики Святого Исидора

Характерные черты: энергичные и прямые формы, яркие цвета. Основной жанр — архитектура (толстостенная, с использованием арок и сводов), но витражи, работа по эмали также становятся важным жанром. Развивается скульптура.

ГотикаФрагмент витражного окна

Готика (XIII— XVI гг. ) — следующий интернациональный стиль, охвативший Европу. Возник во Франции, как следующая ступень развития приемов архитектуры. Самой узнаваемой деталью готики является стрельчатая арка, витраж. Активно развивается сакральная живопись.

Проторенессанс

В итальянской культуре XIII—XIV вв. на фоне ещё сильных византийских и готических традиций стали появляться черты нового искусства — будущего искусства Возрождения. Потому этот период его истории и назвали Проторенессансом.

Фреска «Поцелуй Иуды», Джотто

Аналогичного переходного периода не было ни в одной из европейских стран. В самой Италии проторенессансное искусство существовало только в Тоскане и Риме. В итальянской культуре переплетались черты старого и нового. «Последний поэт Средневековья» и первый поэт новой эпохи Данте Алигьери (1265—1321) создал итальянский литературный язык.

Наступление эпохи Ренессанса кардинально меняет идеологию. Сакральное отходит на второй план, активно проявляется интерес к человеческой личности, индивидуальности (благодаря этому расцветает жанр портрета). Художники и скульпторы оглядываются на искусство античности, пытаются следовать его эталонам и задачам.

Происходит открытие перспективного построения, а также светотени. Живописцы одновременно сочетают высокую техничность и навыки в изображении натуры с гуманистическими идеалами, верой в красоту и попытками создать идеальные сбалансированные гармоничные произведения.

«Рождение Венеры», Сандро Боттичелли

Благодаря обращению к античности, в искусстве появляются не только забытые жанры, но и персонажи — античные боги, которые становятся также популярными, как изображение христианских персонажей.

Позднее Возрождение (маньеризм)

Маньеризм является финальной стадией Возрождения (середина XVI — 90-е годы XVI века), переходной к эпохе барокко. Для маньеризма характерна потеря гармоничности Ренессанса, кризис личности, обращение к более мрачным, искривленным или динамичным трактовкам.

«Снятие с креста», Якопо Понтормо.

Барокко

Барокко (XVII—XVIII вв. ), тяготевшее к торжественному «большому стилю», в то же время отразило представления о сложности, многообразии, изменчивости мира.

«Юноша с корзиной фруктов», Караваджо

Самые характерные черты барокко — броская цветистость и динамичность. Основные направления, русла барокко: веризм (натуралистическая достоверность и сниженная, бытовая тематика, интерпретация мотива), классицизм, «экспрессивное барокко». Для архитектуры барокко характерны пространственный размах, слитность, текучесть сложных, обычно криволинейных форм.

Рококо

Рококо — направление в искусстве XVIII века, в основном придворное «жеманное» искусство.

«Танцующая Камарго» , Никола Ланкре

Характерно стремление к легкости, грациозности, изысканности и прихотливому орнаментальному ритму, фантастические орнаменты, прелестные натуралистические детали.

Классицизм

Классицизм возникает в XVII веке и развивается параллельно с барокко.

Затем заново он появляется в период Французской Революции (в западной историографии этот период принято иногда называть неоклассицизмом, так как еще один классицизм был во Франции перед наступлением эпохи барокко. В России подобного не было, и поэтому принято называть исключительно «классицизмом»). Популярен был до начала XIX века.

«Амур и Психея», Антонио Канова

Для стиля характерно следование принципам античного (греческого и римского искусства): рационализм, симметрия, целенаправленность и сдержанность, строгое соответствие произведения его форме.

Романтизм

Идейное и художественное направление конца XVIII 18 — 1-й половины XIX вв. Как стиль творчества и мышления остается одной из основных эстетических и мировоззренческих моделей 20 века. Романтизм возник сначала в Германии, а затем распространился по всему западноевропейскому культурному региону.

«Странник над морем тумана», Каспар Давид Фридрих,

Романтизм — это эстетическая революция. Характеризуется утверждением самоценности духовно-творческой жизни личности, изображением сильных (зачастую бунтарских) страстей и характеров, одухотворённой и целительной природы. Распространилось на различные сферы деятельности человека. В XVIII веке романтическим называли всё странное, фантастическое, живописное и существующее в книгах, а не в действительности.

Сентиментализм

Умонастроение в западноевропейской и русской культуре и соответствующее литературное направление. Произведения, написанные в рамках данного художественного направления, делают упор на читательское восприятие, то есть на чувственность, возникающую при их прочтении. В Европе существовал с 20-х по 80-е годы XVIII века, в России — с конца XVIII до начала XIX века.

Прерафаэлитизм

Направление в английской поэзии и живописи во второй половине XIX века, образовавшееся в начале 1850-х годов с целью борьбы против условностей викторианской эпохи, академических традиций и слепого подражания классическим образцам.

Название «прерафаэлиты» должно было обозначать духовное родство с флорентийскими художниками эпохи раннего Возрождения, то есть художниками «до Рафаэля» и Микеланджело.

Историзм (эклектика)

Направление в архитектуре, доминировавшее в Европе и России в 1830-е-1890-е гг. Для него характерно использование элементов так называемых «исторических» архитектурных стилей (неоренессанс, необарокко, неорококо, неоготика,неорусский стиль, неовизантийский стиль, индо-сарацинский стиль, неомавританский стиль).

Реализм

Эстетическая позиция, согласно которой задача искусства состоит в как можно более точной и объективной фиксации действительности. Возник во второй половине XIX века и был распространен вплоть до XX.

«СмертьМадзини», С. Лега

В сфере художественной деятельности значение реализма очень сложно и противоречиво. Его границы изменчивы и неопределённы; стилистически он многолик и многовариантен.

Импрессионизм

Направление в искусстве последней трети XIX — начала XX веков, зародившееся во Франции и затем распространившееся по всему миру, представители которого стремились разрабатывать методы и приемы, которые позволяли наиболее естественно и живо запечатлеть реальный мир в его подвижности и изменчивости, передать свои мимолётные впечатления.

«Впечатление. Восходящее солнце», Клод Моне

Обычно под термином «импрессионизм» подразумевается направление в живописи (но это, прежде всего, группа методов), хотя его идеи также нашли своё воплощение в литературе и музыке, где импрессионизм также выступал в определенном наборе методов и приемов создания литературных и музыкальных произведений, в которых авторы стремились передать жизнь в чувственной, непосредственной форме, как отражение своих впечатлений.

Модернизм и авангард

Эти направления в искусстве XX века стремились найти что-то совершенно новое, утвердить нетрадиционные начала в искусстве, непрерывным обновлением художественных форм, а также условностью (схематизацией, отвлечённостью) стиля.

Из-за того, что до сих пор не существует теорий и типологии модернизма и авангарда (авангардизма) как литературно-художественных явлений, разброс мнений о соотношении двух этих понятий варьируется от их полного противопоставления до полной взаимозаменяемости.

«Икона» мирового авангарда — «Чёрный квадрат», Казимир Малевич

В целом новейшее время в искусстве можно охарактеризовать как стремление ко всему новому и нетрадициональному. Присутствует сильное смешение школ и стилей.

Также к эпохе Новейшого времени принадлежать следующие стили:

• Модерн
• Ар деко
• Постимпрессионизм
• Фовизм
• Кубизм
• Экспрессионизм
• Сюрреализм
• Примитивизм
• Поп-арт

Сегодня в статье вы узнали хронологию возникновения стилей западноевропейского искусства. Про некоторые из них уже подробно писалось ранее. Про остальные вы еще узнаете много нового в следующих статьях.

По материалам: wikipedia.org, museum-online.ru

Если вы хотите получать больше статей, подобно этой, то кликните Recommend ниже.

Eggheado — это познавательная статья к завтраку.

Световой часы для часов рококо l163g

Мы делаем все возможное, чтобы гарантировать, что продукты, которые вы заказ будут доставлены вам в полном объеме и в соответствии с вашими требованиями. Тем не менее, вы должны получить неполный заказ, или предметы, отличный от тех, которые вы заказали, или есть какая-то другая причина, почему вы не удовлетворены с заказом, вы можете вернуть заказ, или любые продукты, включенные в заказе, и получите полный возврат для деталей.

Некоторые продукты, приобретенные в Fruugo не могут быть возвращены. Они подразделяются на следующие категории:

• товары, которые явно или персонализированных к вашим спецификациям
• товары, которые подлежат быстро ухудшаться, например, свежие фрукты, свежие цветы
• Запечатанные товары, которые не пригодны для возвращения из-за соображений охраны здоровья или гигиены, при открытии, например, макияж, белье, пирсинг ювелирные изделия
• Запечатано аудио- или видеозапись или компьютерные программы, если открыты
• газеты, периодические издания и журналы

Пожалуйста, проявлять разумную заботу о товарах, пока в вашей помощи. Все товары должны быть возвращены в товарном виде. Они должны быть непоношенными / неиспользованными с оригинальными тегами прилагаются и в оригинальной упаковке. Это ваша ответственность, чтобы убедиться, что товар надлежащим образом упакованы, чтобы гарантировать, что они не были повреждены в обратном пути.

уведомив нас о возвращении

Если вы хотите вернуть заказ, или некоторые из продуктов, включенных в заказ, пожалуйста, сообщите нам в течение 14 дней с момента получения товара, в том числе следующую информацию:

• ваше имя,
• порядковый номер,
• Элементы, которые вы хотите, чтобы вернуться, и
• Необязательно причина вашего возвращения: неудовлетворенный с пункта, пункт не соответствует описанию, поврежденный товар, не тот товар, или какой-либо другой причине.

Наша команда обслуживания клиентов будет посылать вам конкретные инструкции о том, как отправить возвращаемые пакеты для розничной торговли. Пожалуйста, не грузите возвращенный пакет, прежде чем вы получите инструкции.

продукты доставки обратно в розничную торговлю

Товары должны быть возвращены без неоправданной задержки и в любом случае не позднее чем через 14 дней после уведомления нас о вашей отмене.

Если вы возвращаете продукцию в нескольких розничных торговцев, вы должны распределить продукты соответствующим образом и отправить продукцию в тех розничных торговцев, которые отгруженной их вам изначально.

Мы настоятельно рекомендуем вам использовать зарегистрированную почту (и страховать любые пакеты с высокой добавленной стоимостью), так как ни мы, ни ритейлер брать на себя ответственность за поставки, которые потеряны или повреждены во время обратной перевозки.

Пожалуйста, убедитесь, что вы сохранить доказательство почтовой квитанции поэтому в маловероятном случае ваш пакет идет отсутствует, вы будете иметь доказательство вы послали его.

Возврат

Вам будет возвращен в течение 14 дней с момента розничной торговли, получающих обратно товар. Мы сообщим вам по электронной почте после того, как продукты достигают розничную торговлю и приняты для возвращения. Если розничный продавец предложил собрать товар, Вам будет возвращена в течение 14 дней с момента отмены вашего контракта.

Если продукт или продукты вы хотите, чтобы вернуть прибыли к вам поврежден или неисправен, вы несете ответственность за возврат транспортных расходов.

Обеспечивая вы возвращаете все продукты от конкретного продавца, мы вернем стандартные транспортные расходы, которые оплачены первоначальной доставка. Если вы решили заплатить за нестандартную доставку, мы только возместить стоимость нашей сам дешевой, стандартного комплект поставки.

Поврежденные или дефектные товары

Если вы получаете поврежденный, сломанный или дефектный продукт, пожалуйста, сообщите нам как можно скорее. Включите по крайней мере, следующую информацию:

• ваше имя,
• порядковый номер,
• Имя поврежденного продукта (ов), а также
• Указать характер повреждений с приложенной фотографией

Мы обычно проинструктировать, чтобы вы отправить поврежденный товар обратно продавцу. Как только он достигает розничную торговлю, они будут посылать вам замену продукт. Если замена не может быть сделана, или если вы хотите отменить заказ, вы будете возвращены в полном объеме. Кроме того, будут возмещены за разумные возвращения почтовые расходы для поврежденных или дефектных товаров, как только мы получили вашу почтовую квитанцию. Если внешняя упаковка Вашего заказа явно повреждена по прибытию, и вы подозревая, что продукты повреждены, а также, вы можете отказаться от доставки или принять товар и подписать для них повреждены. В обоих случаях, пожалуйста, сообщите нам как можно скорее.

доставка Отказ

Если вы отказываетесь принять поставку всех или части вашего заказа (где продукты или упаковки, кажется, не быть повреждены или неисправны) вы будете нести ответственность за почтовые расходы. Любые платежи и сборы, понесенные в связи с розничным пакетом будут отказаны, будут вычтены из вашего товарного возврата.

Блог Yoair — публикация в мировом блоге по антропологии.

Сообщение Просмотров: 10,326

Существование искусства как определенной формы и концепции имеет сложную историю, восходящую к предыстории человечества. Ко времени расцвета древних цивилизаций в Месопотамии, Египте, Греции, Индии, Китае и других местах искусство — живопись, скульптура, поэзия, музыка, архитектура — существовало в изобилии. В истории западной мысли об искусстве было много достижений и дискуссий о красоте в древних философских сочинениях. Эти дискуссии о красоте и их отношении к формам искусства не были четко определены или оценены как критическое исследование. Изучение искусства как более определенной формы и выдвижение идей об эстетике искусства зародилось в XVIII в., став отдельной философской темой. В этом разделе я буду оценивать эволюцию художественного стиля, эстетики и философии искусства. Философия искусства продвигала как внутреннюю, так и внешнюю связь красоты, природы и творения.

Начало эстетики в искусстве

Восемнадцатый век был эпохой, которая продвигала концепцию эстетики и зародила тему искусства и природы. В первые десятилетия современной философии термин «эстетика» возник как ценный инструмент для понимания вкуса, воображения и естественной красоты. Термин «эстетика» был создан и определен Александром Баумгартеном в 1735 году. Баумгартен представил новый подход к просмотру искусства в своей работе «Эстетика ». Он установил новый критический подход, при котором теоретики искусства стали интересоваться изучением, а не простым созданием красоты и вдохновения в природе, искусстве и других человеческих артефактах.

Баумгартен начал новую дисциплину понимания искусства через моральные, а не исключительно эстетические рамки. Этот подход не фокусировался на особенностях объекта, которые делали его привлекательным, а скорее пытался понять человеческую реакцию на искусство и то, что сделало эти реакции возможными. Таким образом, создание философии эстетики было попыткой охарактеризовать коллективное или индивидуальное суждение о ценности объекта (произведения искусства). Художественная критика создала более широкое понимание искусства как опыта или содержащего особый набор ценностей, который напрямую соотносился с понятием эстетического.

Искусство до восемнадцатого века

Художественная революция 18 века характеризуется переходом от рококо и барокко к Неоклассицизм. Искусство барокко, возникшее в 15 в.^th и 16^th столетий, прежде всего характеризующийся глубиной, трехмерностью, лучезарностью красок, подчеркиванием веры в церковную и государственную власть. Искусство барокко было сложным, интенсивным и иллюзионистским. Контраст света и тьмы акцентировал внимание на трехмерности и драматизировал темы света и тьмы. Картины и скульптуры были вдохновлены продвижением католической церкви во время протестантской реформации. Изображение ниже является примером картины в стиле барокко. Диего Валаскес использует контраст светлого и темного и образы испанской королевской семьи.

Написанная в 1586 году Эль Греко, «Похороны графа Оргаза» иллюстрируют испанскую легенду.

Рококо как вид искусства зародилось во Франции на рубеже 18-го века.^th века, в эпоху Просвещения. Рококо, первоначально вдохновленное искусством барокко, отклонялось от символизма церкви и власти. Художественное движение рококо заменило светлый и темный контраст визуализацией света как центральной темы и изображением всех форм общества, а не сосредоточением внимания на элите и божественном. Следующее изображение является примером искусства рококо, где света больше. представить и образы светлее, как и пикник любви.

Жан Антуан Ватто, «Праздник любви», 1718-19 гг.

Художественная революция

Просветление в Европе был период позднего восемнадцатого века до начала девятнадцатого века. Возникла страсть к античному искусству и ренессансу, черпая вдохновение в классических произведениях искусства. Новые археологические открытия способствовали акценту на историческом значении и возрождении. Одним из заметных событий стало обследование и раскопки древнеримского города в середине 18 века. Помпеи, погребенный под горой Везувий в I в. Уникальное изображение римской и, следовательно, греческой истории, которое было обнаружено там, вновь представило древнее искусство и волнение. Неоклассизм вступил в новую и революционную роль как широко распространенное движение в живописи и других изобразительных искусствах, начиная с 1-х годов. Неоклассическое искусство приняло форму недавней археологической актуальности, во многом опираясь на греческие и римские темы. Пьер-Жак Волер был одним из великих художников восемнадцатого века, который черпал вдохновение в извержении Везувия. Стиль иллюстрирует неоклассическую повестку дня, придерживаясь исторически классических приемов и тем.

Картина Пьера-Жака Волера «Извержение Везувия при лунном свете» (1774 г.).

Эпоха неоклассицизма была в шаге от стиля рококо, господствовавшего ранее в Европе. Новое рождение науки, исторические открытия и новые общественные взгляды стали для новых художников прочной основой для переосмысления искусства и его форм. Художники-неоклассики предпочитали прямые линии кривым и цвету, а также более общий абстрактный подход. Историческое и культурное значение этого периода способствовало тому, что художники обращали внимание на разные темы и предметы. Неоклассические стили живописи использовали моральные темы из традиционной римской истории, касающиеся таких предметов, как героизм, простота и романтическая трагедия. Художники пытались подчеркнуть важность декораций; изображение предметов в определенных костюмах или деталях, чтобы обеспечить максимальную историческую точность. Намерение неоклассический Художник должен был не только творить, но, скорее, информировать и переосмысливать историю. “Клятва Харатии  Искусствоведы считают его одной из самых известных неоклассических картин. История происходит от старой легенды о конфликте между римлянами и их возрождении. Мужчины, изображенные на картине, представляют обе стороны спора; Рим и Альба. Иллюстрация является еще одним прекрасным примером римской истории в неоклассическом стиле.

Клятва Горациев Жак Луи Давид, 1784 г.

Расцвет эстетики в восемнадцатом веке

Появление неоклассического искусства создало новую философскую дисциплину, которая начала рассматривать искусство совершенно по-другому. Переосмысление истории, литературы, живописи, скульптуры и сельского хозяйства легло в основу современных теоретиков, стремящихся найти смысл и функцию искусства. Период Просвещения придавал значение как новым, так и старым стилям, но функции этих различий породили новые вопросы о творчестве искусства и о том, как оно оценивается. Самые большие вопросы в философии — что и почему.

Происхождение эстетической ценности признало темы вкуса, воображения и естественной красоты основой для понимания эстетического суждения и художественного опыта. Что такое вкус? Есть ли эталон вкуса и красоты в искусстве? Какова связь между одним видом искусства и другим? Революция неоклассического искусства открыла ящик Пандоры для мыслителей восемнадцатого века. Появление художественного восприятия придало новой эстетической ценности искусству и тому, что значит его переживать. Ящик Пандоры был мифической легендой в греческой и римской истории. История гласит, что Пандора выпустила в мир все зло, открыв запретную вазу. Бернард Пикарт был исключительно талантливым гравером восемнадцатого века. Он воплощает прекрасную трагедию Пандоры и ее тайного сундука в своих скульптурах.

Ящик Пандоры Бернарда Пикарта, оригинальный офорт и гравюра, Храм муз.

Эстетический опыт

Эстетическая ценность существует не только в искусстве. Есть много примеров повседневных вещей, которые иллюстрируют природу эстетики. Оформление стильного кафе или визуально привлекательное и со вкусом приготовленное блюдо может иметь эстетическую ценность. Подумайте о том, чтобы сесть поесть в ресторане. В ресторане играет мягкий джаз на заднем плане, перед вами ужин при свечах, и ваша еда будет хорошо оформлена и вкусна. Эстетическое суждение положительное и приятное. Еда и музыка сами по себе могут быть не эстетическими, но опыт, который вызывают эти свойства, и ценность этих ощущений являются эстетическим опытом.

 Эстетическая теория и суждение

Понимание восемнадцатого века «эстетических суждений» называлось суждениями вкуса, что вызвало важный вопрос о том, является ли эстетическое объективным по своей ценности. Дэвид Юм, философ-просветитель, много думал о ценности суждения и вкуса. Пишет в 1993 году. Он считал, что суждения о вкусе имеют, по сути, «субъективный аспект, будучи «происходящим» из индивидуальных реакций на удовольствие и неудовольствие. Юм применяли понимание того, что ценность предмета не может быть «хорошей» или «плохой» в объективном смысле, потому что, говоря простейшим языком, у каждого своя.

Эстетическая теория касалась перехода от изучения того, вписывается ли искусство в традиционные категории, к объяснению того, как искусство связано с человеком. Акцент на исторической ценности и разнообразии старого и нового стилей предполагает, что эстетическая оценка независима и самодостаточна. Переосмысление вкуса произошло вместе со сдвигом в социальной, культурной и экономической системах. В восемнадцатом веке наблюдался упадок системы патронажа и новое направление ценностей среднего класса; Свобода. Свобода творчества, свобода, сосредоточенная вдали от церкви и иерархии. Просвещение разнообразило создание искусства, позволив более разнообразный спектр стилей и вкусов; изменения в обществе и важность более изменчивых временных рамок были определяющим фактором в том, как философы понимали искусство и его функции.

 Эстетическая ценность искусства

Философия искусства затрагивает более широкий вопрос и анализ искусства. Что создает искусство и почему, было новым захватывающим вопросом для философов восемнадцатого века и до сих пор является замечательным спором. Если эстетическая ценность в искусстве субъективна, то что же делает произведение художественным? Должно быть различие между художественно ценными свойствами и другими ценными свойствами. Новые теории философии искусства должны были различать художественную и нехудожественную ценность. Чтобы понять природу искусства, его сначала нужно было определить. Более четкое определение этого абстрактного понятия пытается более четко определить разницу между искусством и не-искусством. Эстетическое понимание искусства можно объяснить как создание эстетической ценности. Однако можно утверждать, что не всякое искусство создает эстетический опыт.

Разнообразие искусства, созданного с течением времени, потребовало более гибкого подхода к художественному опыту. Некоторые произведения искусства могут даже изображать уродство, например, опыт войны. Пабло Пикассо Герника например, это коллекция тревожных и даже ужасающих изображений гражданской войны в Испании 1930-х годов. Просмотр такой картины сам по себе может быть не очень приятным, но оценка и контекст связывают объект с формой искусства. Философы искусства исследовали важность познания и ценности в искусстве. Искусство может объяснить или отметить событие или идею и представить как знание, так и понимание. Таким образом, теория вкуса и признание «правил» в художественном произведении были новой и абстрактной дилеммой.

Пикассо нарисовал Гернику в своем доме в Париже в ответ на бомбардировку Герники 26 апреля 1937 года.

Важность философии искусства

В истории философии подъем эстетики был особенно интересной областью мысли. Самое раннее понимание эстетики было основано на современной мысли восемнадцатого века, но также привело к другим великим отраслям философии, таким как моральная, эпистемологическая или метафизическая. Основа понимания искусства как философской формы заключалась в попытке понять ценность и суждения, которые исторически имели место в творчестве искусства. Опыт искусства и драматические изменения, произошедшие в начале восемнадцатого и девятнадцатого веков, оказываются важными для возникновения и понимания как искусства и его форм.

Искусство в антропологии

Искусство — это явление, которое было одним из самых важных выражений человеческих эмоций и истории. Идея эстетики и формирование философии искусства создали важную тенденцию к пониманию более глубокого смысла искусства и его связи с личностью. Введение «вкуса» и «суждения» является революционным для художественной критики и современных условий, сквозь которые просматривается искусство. Временные рамки между неоклассицизмом и введением философии искусства являются критическим периодом как для художественной жизнеспособности, так и для философской актуальности. Влияние этого периода на творчество и мышление заложило основы современного искусства и того, что значит для людей относиться к природе и нашему окружению.

Антропология искусства изучает и анализирует широкий спектр творчества, созданного повсеместно и исторически. Чтобы по-настоящему понять и культура и ее история на одном из первых мест чтобы найти это знание через искусство. Искусство репрезентативно и преднамеренно. Важность этой статьи состоит в том, чтобы подчеркнуть интерсекциональность эволюция искусства, философская теория и человеческое общество. Антропологи искусства, как и философы искусства, интерпретируют важность искусства как эволюционной формы для общества, культуры и истории.

НРАВИТСЯ:

подобно Загрузка…

Похожие страницы:

[PDF] План интегрированного урока в 7 – а классе по курсу «Новая

Download План интегрированного урока в 7 – а классе по курсу «Новая…

Эпоха Просвещения (Интегрированный урок в VII классе по курсам «Новая история» и «Искусство».) Альфира ХАНЕЕВА, Римма ШАРИПОВА, учителя истории и ИЗО средней школы № 3 г. Альметьевска Тема. Идеи и люди общества эпохи Просвещения. Цели: охарактеризовать общий интеллектуальный «климат» Франции в ХVIII

веке;

раскрыть

значение

терминов:

«эпоха

Просвещения»,

«просветители», «разделение властей», «прогресс», «народный суверенитет», «энциклопедисты»,

«неоклассицизм»,

«рококо»;

сформировать

специфические навыки, необходимые грамотному читателю, зрителю и слушателю. Тип урока: урок изучения новой темы. Форма урока: интегрированный. Оборудование: учебные настенные карты «Великие географические открытия ХV–ХVIII вв.», «Европа в начале Нового времени», портреты французских мыслителей Ш.Л.Монтескьё, Вольтера, Д.Дидро, Ж.Руссо, диск «Всемирная история в лицах» (ХVIII век), диск «Классическая музыка» ( Бах, Бетховен, Моцарт, Вивальди), книги Д.Дефо «Робинзон Крузо», Дж.Свифта «Путешествия Гулливера». Ход урока. I. Организационный момент. II. Актуализация прежних знаний. «Путешествие» по ленте времени. Вопросы учителя к учащимся: Какие исторические эпохи мы изучили в курсе Новой истории? Дайте

краткую

характеристику

эпохе

Великих

открытий. Назовите имена деятелей эпохи Возрождения.

географических

Чем характеризуется эпоха Реформации и Контрреформации? Чем отличается эпоха Абсолютизма во Франции? Как называется эпоха, когда создавали свои творения Богоравный Леонардо и Неистовый Микеланджело? Назовите временные рамки эпохи Великих географических открытий. III. Изучение новой темы. 1. Конец ХVII–ХVIII вв. – время формирования идейного течения – Просвещения. Учитель. Какие слова-синонимы вы можете подобрать к слову «Просвещение»? (Учащиеся называют слова-синонимы.) 2. Просвещение – это явление, затронувшее многие стороны жизни общества – политику и религию, воспитание и образование, науку и технику, литературу и искусство. Учитель даёт характеристику этому явлению, даёт определение понятию «прогресс», «просветители». Далее просит обратить внимание на записи на доске, где написаны имена английских мыслителей Томаса Гоббса (1588–1679) и Джона Локка (1632–1704), заложивших основы новой теории общества и государства. Учитель раскрывает суть их теорий и делает выводы. Учитель отмечает, что образцы просветительской мысли родились во Франции, что у французских мыслителей была возможность изучить вопросы, волновавшие Т.Гоббса и Д.Локка, на примере английской буржуазной революции. А кто же относится к французским просветителям, об этом вы узнаете из выступлений своих одноклассников. 3. Сообщение ученика о Шарле Луи Монтескьё и его идеях. Учитель повторяет основные идеи Монтескьё и делает выводы. 4. Сообщение ученицы о Вольтере – символе Просвещения, титане своего времени. Учитель дополняет и делает выводы. 5. Сообщение ученицы о Дени Дидро и энциклопедистах.

Учитель делает выводы о том, что Энциклопедия стала огромным арсеналом, где было оружие для штурма абсолютистской Франции. 6. Сообщение ученицы о Жан Жаке Руссо и его идеях. После выступлений подготовленных учащихся учитель отмечает, что идеи французских мыслителей выдержали испытание временем, являются главными ценностями Человека. 7. Рассказ учителя о влиянии идей Просвещения на воспитание и образование, печать, общественное мнение. 8. Рассказ учителя о литературе эпохи Просвещения, о романе английского писателя Даниеля Дефо (1660–1731) «Робинзон Крузо», о романе Джонатана Свифта (1667–1745) «Путешествия Гулливера». Учащихся заинтересовали названия этих романов, т.к. в ХVIII веке было модно романам давать длинные названия. Так, например, в 1719 году роман Даниеля Дефо вышел под названием «Жизнь, необыкновенные приключения Робинзона Крузо, моряка из Йорка, прожившего 28 лет в полном одиночестве на необитаемом острове, у берегов Америки, близ устья великой реки Ориноко, куда он был выброшен кораблекрушением, во время которого весь экипаж корабля, кроме него, погиб, с изложением его неожиданного освобождения пиратами. Написано им самим». Учитель. Чем можно объяснить такое длинное название? (Варианты ответов учащихся.) Все ли понятия и термины из словарной части нашего урока мы обсудили? (Учащиеся называют термины «неоклассицизм», «рококо», о которых на уроке ничего не было сказано.) Учитель истории. Правильно, об этих терминах вы поговорите с учителем искусства уже на уроке искусства, поэтому для продолжения урока сейчас перейдём в соседний кабинет. Переход из кабинета в кабинет будем считать за физминутку. Напоминаю домашнее задание: прочитать § 23 и 24,

ответить на вопросы к этим параграфам, выучить наизусть новые понятия и термины. Тема. «Эпоха Просвещения. Художественный стиль рококо». Цели урока искусства: формирование нравственно-эстетической отзывчивости на прекрасное и безобразное в жизни и в искусстве: а) дальнейшее формирование художественного вкуса учащихся; б) понимание роли декоративного искусства, живописи, искусства в утверждении общественных идеалов. Формирование художественно-творческой активности: а) учимся выражать свое личное понимание, значение декоративного искусства, живописи в жизни людей; б) проявлять наблюдательность, эрудицию и фантазию при разработке эскизов. Формирование художественных умений и навыков: а) отражать в рисунке единство формы и декора; б) создать проект (эскиз) в русле образного языка, разных предметов среды, объединенных единой стилистикой. План урока. I. Вводная часть урока. Объяснение: а) рококо как стиль в искусстве; б) великие художники стиля рококо. II. Повторение: а) орнамент; б) ритм; в) асимметрия. III. Выполнение творческого задания: а) объяснение; б) самостоятельная работа. IV. Анализ выполненных работ учащихся.

V. Домашнее задание. Ход урока. I. Вводная часть. Объяснение. (Дети входят в кабинет под музыку Вивальди, садятся за парты. На партах лежат морские раковины брюхоногих животных, формат А3, эскизы, фломастеры.) А) Сходные веяния ощущались и в искусстве. В XVIII в Европе существовало два стиля – барокко и классицизм, однако, строгость и помпезность стали вызывать неприязнь. Вкусам аристократии отвечал стиль рококо, который проявился преимущественно в украшении интерьеров, мебели декоративных изделий. Даже во Франции, которая была оплотом классицизма, на смену пришел стиль Рококо. Рококо (от французского «рокайль» – раковина) – один из самых распространенных художественных стилей в Эпоху Просвещения – получил свое название из-за прихотливости и причудливости форм морских раковин. Искусство рококо сближалось с бытом, пресыщенность глаз требовала все больше раздражителей в виде живописи, лепки, позолоты, мелкой пластики, изысканной утвари. (Просмотр слайдов. 1 –12.) Мебель, посуда, декоративные ткани, бронза, статуэтки оформлялись светлыми яркими красками, завитками. Дробность формы, ажурный орнамент, строящийся на игре сложных, изогнутых линий раковин, цветочных букетов, линий – особенность декора рококо. Мебель делалась из лимонного красного, палисандрового дерева. Украшалась резьбой и позолотой, вставками из фарфора, применялся наборный узор из дерева. Изделия из фарфора приобретают форму цветков, они покрыты лимонножелтой, розовой или сиреневой росписью. Стиль рококо был обращен к домашнему обиходу и его нуждам, внимание к удобству и комфорту, утонченности каждодневного быта. Изобразительное искусство рококо отличает асимметрия композиции, демонстративное легкомыслие сюжетов, изящество, легкие, светлые краски.

Б)

Одним

из

художников,

в

чьем

творчестве

проявляются

изысканность, фривольность рококо, был Жан-Антуан Ватто (1684–1721). Биографию и картины, написанные им, мы с вами изучили и просмотрели на прошлом уроке. А сейчас мы еще раз окунемся в искусство, созданное Ватто. Художник, мы знаем, изображает мир обольстительных красавиц и галантных молодых людей, что неторопливо прогуливается меж стриженных кустарников, искусственных водопадов, ведут задумчиво непринужденные беседы, меланхолически глядят на закат, – весь этот мир беззаботен и насторожен, у него нет уверенности в завтрашнем, да что там –

и в

сегодняшнем дне, нет ни открытой радости, ни глубокого горя, ни добра, ни зла лишь миражи чувств, маскарад страстей. Герои Ватто ни во что не верят, ничего не боятся, ни на что не надеются. А ведь они и окружающая их реальность так прелестны, так красивы: нежные, розовеющие, как перламутр, лица, плавные жесты, невесомая, плавная поступь, разлитая в каждом движении грация. А какие костюмы – тончайшие, какие только можно и невозможно вообразить оттенки: бледно-коралловые, золотистые, сероватозолотистые, серовато-зеленые, пепельно-сиреневые, и все в благородном согласии. Какие сады, рощи, парки, вечно светлое небо, не знающее дурной погоды, дальние просветы аллей, ясная гладь прудов, желтоватый мрамор статуй. Казалось бы, счастье должно переполнят души персонажей Ватто, но он наделяет их собственным сомнением: они словно догадываются о тщете призрачности жизни, своей обреченности, более того – ненужности. Они похожи на изящные игрушки, которыми играет равнодушная к их жизни судьба. Ватто своим искусством открывал людям глаза на их собственную сложность. Его холсты говорят, что в счастливые часы не стоит забывать о грусти, ибо такова жизнь, неоднозначность которой он понимал лучше других, так как лучше других ощущал неизбежность перемен. Он превратил сомнение в благотворную силу познания и показал человека наедине с собственными размышлениями, оставив нам картины, не позволяющие

ленивому покою завладеть душой, вселяющие желание во всем видеть потаенный, главный смысл, а значит – оставаться человеком. (Просмотр слайдов 13–18, репродукций картин А.Ватто: «Жиль», «Равнодушный», «Актеры французского театра», «Капризница», «Савояр с сурком».) Однако, столь же быстро во 2-ой половине века рококо вытесняет неоклассицизм, опять возвращаясь к канонам искусства: Древней Греции и Рима, которые были уместнее, чем жеманный рококо. Художники хотели воплотить

идеи

гражданского

мужества

и

служение

отечеству.

Неоклассицизм в своих картинах изобразил Ж-Л. Давид. (Просмотр слайдов 20–22, репродукций картин Ж-Л. Давида: «Смерть Марата», «Клятва горациев».) II. Повторение. Учитель представляет об эпохе Просвещения и чем характерен стиль рококо. Сейчас мы переходим к заданию по данной теме. Но вначале немного повторим. (В стиле рококо прослеживается орнамент.) Что такое орнамент? Орнамент – это узор, построенный на ритмическом чередовании и сочетании геометрических и растительных форм и животного мира. Что такое ритм в орнаменте? Ритм в орнаменте – это повторение каких-либо элементов узора через определенное расстояние и в определенной последовательности. Что такое асимметрия и симметрия? Асимметрический орнамент (ленточный) строится путем свободного ритмичного повтора. III. Выполнение творческого задания: А. Учитель. Все, что мы с вами повторили, помогут нам выполнить эскиз декоративной металлической решетки в стиле рококо. – Где вы встречали декоративные решетки? – В садах, в интерьере (лестницы, балконы, камины, заборы и т.д.).

(Просмотр слайдов 23–25.) Дома вы предварительно выполнили схематически каркас решетки. Задача на сегодняшний урок: составить асимметрическую композицию (или в форме, или в украшении), придерживаясь стиля рококо (морские раковины, завитки букеты цветов и т.д). Работу выполняем при помощи черного фломастера или черной туши. Б. Самостоятельная работа. Выполнение творческого задания под музыку Моцарта, Вивальди. Декоративные металлические решетки в нашей повседневной жизни также актуальны, мы можем встретить их в парках, скверах (заборы, ворота), возле исторических памятников. (Просмотр слайдов 26–32). Металл сам по себе материал пластичный, его можно вытянуть, закрутить, сплющить. В будущем, умея создавать свой эскиз, вы можете по выполненным эскизам применить их в своей повседневной жизни. Индивидуальная работа учащихся. IV. Анализ. Обсуждение, анализ, оценивание выполненных работ учащимися. V. Домашняя работа. Подобрать работы художников, творивших в эпоху Просвещения. Принести гуашевые краски.

Обзор движения в стиле рококо | TheArtStory. , рожденный из моря. Жесты и язык тела вызывают воспоминания, поскольку мужчина, стоящий ниже центра, обнявший талию женщины рядом с ним, кажется, искренне умоляет ее, в то время как она оборачивается, чтобы с тоской посмотреть на другие пары.Обнаженная статуя богини возвышается с пьедестала, украшенного цветами справа, как будто руководит празднеством. Слева она дважды изображена в золотой статуе, которая помещает ее на нос лодки. Обнаженные путти появляются на протяжении всей сцены, паря в небе слева или появляясь между парами и толкая их вперед, а природа — вялое, но плодородное присутствие. В целом картина прославляет путешествие любви. Как писал современный критик Джеб Перл, «парные влюбленные Ватто, запертые в своей мучительной, восхитительной нерешительности, являются эмблемами вечно приближающейся и вечно удаляющейся возможности любви.

Как писал искусствовед Холли Брубах, «образы Ватто идеально подвешены между моментом непосредственно перед и моментом после… люди, которых он изображает, заняты разыгрыванием не одного, а нескольких возможных сценариев».

Этой работой Ватто, представленной на приеме Академии, он стал пионером fête galante , или живописи ухаживания, и начал движение рококо.Как писал Джонатан Джонс, «В туманных, тающих пейзажах картин… он недвусмысленно связывает пейзаж и желание: если искусство Ватто оглядывается на придворных любовников средневековья, оно начинает современную историю чувственности во французском искусстве».

Внутри направления в искусстве рококо, доминировавшего в позднем барокко

Признание в любви

Движение рококо было художественным периодом, который возник во Франции и распространился по всему миру в конце 17-го и начале 18-го века.Слово является производным от французского термина rocaille , что означает «украшение сада камней и ракушек».

Это началось в 1699 году после того, как французский король Людовик XIV потребовал, чтобы во время его правления создавалось больше юношеского искусства. Его также называют поздним барокко, потому что он развивался по мере того, как художники барокко отходили от симметрии к более плавным конструкциям.

Художественное направление рококо обратилось к самому важному противоречию того времени — цвету и рисунку — и объединило их для создания прекрасных произведений.Художники этого периода больше внимания уделяли деталям, орнаменту и использованию ярких цветов.

Мебель и архитектура в стиле рококо определялись отходом от строгого религиозного симметричного дизайна барокко. Вместо этого они сосредоточились на светском, более беззаботном, асимметричном дизайне, сохранив при этом склонность барокко к декоративному чутью.

Типичная деталь рококо

В искусстве для движения рококо характерны светлые тона, пышные формы и изящные линии.Холсты украшались херувимами и мифами о любви, сохраняя шутливую тенденцию того времени, была популярна и портретная живопись.

Художники рококо отошли от напряженного драматизма периода барокко и стали более игривыми в своих работах. Хотя многие художники процветали в период рококо, наиболее известными из них являются Франсуа Буше, Жан Антуан Ватто и Жан-Оноре Фрагонар.

Движение рококо: Жан Антуан Ватто, 1684 – 1721

Жан Антуан Ватто считается отцом искусства рококо и своим мастерством оказал влияние на всех других художников.Он создавал работы, отличавшиеся новаторским асимметричным дизайном, и предпочитал рисовать идиллические, счастливые сцены. Большая часть его искусства сосредоточена на ярких людях, которые танцуют и развлекаются в красивой обстановке.

Этот образ стал известен как отдельный жанр – галантные праздники. Хотя он умер в молодом возрасте, его ясные, плавные работы, как говорят, возродили движение барокко, изобрели движение рококо и посеяли семена для последующих художественных движений, включая импрессионизм.

Посадка на Цитеру

Восторги жизни

Туалет

Венецианские удовольствия

Елисейские поля

Краткая история искусства рококо

Живопись в стиле рококо, зародившаяся в Париже начала 18 века, характеризуется мягкими красками и изогнутыми линиями, изображает сцены любви, природы, любовных встреч, беззаботных развлечений и юности. Слово «рококо» происходит от rocaille , что по-французски означает щебень или камень. Rocaille относится к изделиям из ракушек в садовых гротах и ​​используется в качестве описательного слова для змеевидных узоров, встречающихся в декоративном искусстве периода рококо.

Пара стульев Людовика XV, проданных на Koller Auktionen Zürich в четверг, 21 марта 2013 г.

После смерти Людовика XIV французский двор переехал из Версаля обратно в свои старые парижские особняки, отремонтировав свои дома с использованием более мягких дизайнов и более скромных материалов, чем в стиле королевского великого барокко.Вместо того, чтобы окружать себя драгоценными металлами и сочными красками, французская аристократия теперь жила в интимных интерьерах, сделанных с лепными украшениями, буазери и зеркальным стеклом. Этот новый стиль характеризуется своей асимметрией, изящными изгибами, элегантностью и восхитительными новыми картинами повседневной жизни и куртуазной любви, которые украшали стены в этих помещениях.

Жан-Антуан Ватто, «Сюрприз» — пара обнимается, пока фигура, одетая как Меззетен, настраивает гитару, продана на аукционе Christie’s в Лондоне во вторник, 8 июля 2008 г.

Отцом живописи в стиле рококо был Жан Антуан Ватто (француз, 1684–1721), который изобрел новый жанр под названием galantes , которые представляли собой сцены ухаживаний.Родившийся недалеко от фламандской границы, Ватто находился под влиянием жанровых сцен из повседневной жизни, которые были весьма популярны во Фландрии и Нидерландах. Он наиболее известен своими изображениями элегантно одетых фигур, собравшихся на открытом воздухе, обменивающихся любезностями и наслаждающихся музыкой.

Хотя образованное мышление культивировалось на протяжении всего 18 века, начал развиваться новый вид интеллектуального обмена, который стал известен как Просвещение. Из-за этого нового культурного движения изменились представления об искусстве, а идеалы легкомыслия и элегантного эротизма в стиле рококо стали все менее и менее актуальными. Искусствоведы, такие как Дидро, искали «более благородное искусство», а просвещенные философы, такие как Вольтер, критиковали его тривиальность. В то время как некоторые художники рококо продолжали рисовать в своем собственном провокационном стиле, другие разработали новый вид искусства, известный как неоклассицизм, который понравился искусствоведам того времени.

Жан Оноре Фрагонар, La coquette fixée («Очарованная кокетка»), продано на аукционе Christie’s в Нью-Йорке в четверг, 6 апреля 2006 г.

Жан Оноре Фрагонар (француз, 1732–1806) был одним из таких художников, который пытался приспособить свой стиль к художественным изменениям того периода; в отличие от Ватто, мастерство Фрагонара не было признано до его смерти.Сегодня Фрагонар наиболее известен своими картинами в стиле рококо, такими как La coquette fixée (Очарованная кокетка), на которых изображена любовная встреча между женщиной и двумя мужчинами. Похотливые мужские взгляды делают женскую фигуру фокусом картины. Как произведение беззаботного развлечения, за произведением нет сложного смысла или истории. Это яркая, веселая сцена, предназначенная для развлечения и удовольствия.

Эрика Трапассо — старший редактор базы данных цен artnet .

Следите за новостями Artnet на Facebook:

Хотите быть впереди мира искусства? Подпишитесь на нашу рассылку, чтобы получать последние новости, поучительные интервью и острые критические выводы, которые способствуют развитию беседы.

Разгадка и понимание стиля рококо в искусстве

Известный своим беззаботным характером изобразительного и декоративного искусства, стиль рококо процветал во Франции 18-го века. Художники, работающие в этой легкомысленной эстетике, опирались на пышность периода барокко, адаптируя его внушающую благоговение эстетику для создания столь же экстравагантных, но отчетливо игривых произведений искусства.

Движение рококо преимущественно связано с двумя видами искусства: живописью и декоративными изделиями. Здесь мы раскрываем этот уникальный стиль, чтобы понять его значение в истории искусства.

Что такое период рококо?

Стиль рококо был в моде с 1730 по 1770 год. Хотя он зародился во Франции, со временем он распространился на другие части Европы, включая Великобританию, Австрию, Германию, Баварию и Россию.

Термин Рококо происходит от рокайль , особый метод украшения фонтанов и гротов, восходящий к итальянскому Возрождению.Используя эту технику, ремесленники смешивали морские ракушки, гальку и другие органические материалы с цементом, в результате чего получалась натуралистичная среда, вдохновленная подводным миром.

Вход в грот Буонталенти в садах Боболи Фото: DinoPh через Shutterstock Стоковая фотография без лицензионных платежей

Художники, работавшие в стиле рококо, разделяли это ренессансное увлечение водой, что проявляется как в плавности форм, так и в использовании морских мотивов в их работах.

Искусство рококо

Живопись

Причудливая природа рокайль оказала влияние на картины того периода, проявляясь в легкомысленной иконографии, внимании к витиеватым деталям и обилии пастельных тонов.

 

Игривый сюжет

Многие картины в стиле рококо отличаются утонченным, но веселым сюжетом — подход, популяризированный французским художником Антуаном Ватто . Как отец  fête   galante — жанра живописи, который предпочитает приемы в саду, фестивали и другие мероприятия на открытом воздухе в качестве предмета — , Ватто создал причудливые сцены общения людей в пасторальных пейзажах.Эти изображения, часто изображающие порхающих амуров, греческих богинь и других мифологических фигур, смешивают фантазию с реальностью.

Антуан Ватто, «Посадка на Циферу» (1717 г.) (Фото из Викисклада)

Помимо декораций под открытым небом, многие картины в стиле рококо изображаются в роскошных интерьерах. Подобно fête galante картины, эти произведения часто имеют забавную иконографию и мифологические влияния.

 

Внимание к деталям

Картины в стиле рококо демонстрируют изысканное внимание к деталям.Вдохновленный художниками эпохи Возрождения, французский художник Франсуа Буше известен своим стремлением подчеркнуть сложность сцены. Его подход к живописи, ориентированный на детали, материализуется в невероятно богато украшенных костюмах и «искусно декорированном» небе (Музей Гетти).

Франсуа Буше, «Ринальдо и Армида» (1734 г.) (Фото: Джоконда из Wikimedia Commons Public Domain)

 

Палитра пастельных тонов

В то время как картины в стиле барокко ассоциируются с глубокими цветами и эмоциональными тенями, для работ в стиле рококо характерна воздушная пастельная палитра. Жан-Оноре Фрагонар   запечатлел соблазнительную беззаботность этой цветовой схемы в своей самой известной картине Качели . В наборе The Swing , окруженном завитками светло-зеленой листвы, женщина, одетая в бледно-розовое платье, играет на качелях и кокетливо сбрасывает туфли.

Жан-Оноре Фрагонар, «Качели» (1767-1768)

 

Декоративное искусство в стиле рококо

Помимо живописи, художники также изготавливали предметы декоративно-прикладного искусства в стиле рококо.Эти произведения демонстрируют интерес к асимметрии и театральному подходу к изображению природы.

 

Асимметричные кривые

Декоративное искусство в стиле рококо часто включает сложные асимметричные формы. Эти змеевидные силуэты по своей природе натуралистичны, но, несомненно, преувеличены, и их можно найти в ряде предметов, включая замысловатые столы и привлекательные канделябры.

Фрагмент гравюры Габриэля Хукье (Фото: Cooper Hewitt через Wikimedia Commons Public Domain)

 

Природные мотивы

Большинство этих органических, но богато украшенных узоров вдохновлены природой, особенно морскими ракушками, волнами и другими мотивами, связанными с морем. Однако в дополнение к этому фокусу рокайль многие художники рококо также использовали мотивы листьев в своих работах, включая позолоченные, похожие на виноградные лозы украшения стен и потолка и орнаменты со стилизованными акантами   ветвями .

Интерьеры салона принцессы в Hôtel de Soubise, Париж (Фото: NonOmnisMoriar через Wikimedia Commons CC BY-SA 3.0)

 

Наследие

Наряду с импрессионизмом рококо считается одним из самых влиятельных направлений французского искусства.Он известен как своими легкими и воздушными картинами, так и причудливым декоративным искусством, которые вместе демонстрируют элегантные, но яркие вкусы Франции 18-го века.

Статьи по теме:

Интервью: сюрреалистические картины женщин, исследующих районы, пострадавшие от изменения климата

9 известных французских художников, которых вы должны знать

Как цветы превратились в один из самых популярных сюжетов в истории искусства

Чему нас может научить изысканная история и изысканная эстетика готической архитектуры

ПЕРИОД РОКОКО (ок.

1700 — 1800) В период истории, предшествовавший Французской революции, период рококо вытеснил эпоху барокко и заменил ее более темные темы замысловатостью, орнаментом и украшением, причем произведение рококо означает «работа из ракушек». Он сосредоточился на красоте и мотиве. Будучи исключительным периодом искусства для французского двора, он обслуживал только аристократию и был просто еще одним примером того, как буржуазия становилась все более и более оторванной от народа, поскольку их богатство выставлялось на обозрение через искусство, особенно связанное с правлением Людовика XV. .

Особенности искусства рококо

В эпоху рококо живопись была тонкой и тонкой, что впоследствии подверглось критике, несмотря на сложные криволинейные формы и идеальную отделку, в сочетании с богатыми и роскошными тканями и красивым фоном. В некотором смысле это было полной противоположностью тому, чего пытались достичь художники эпохи барокко. Однако следы живописи в стиле рококо показаны мягкими мазками, отражающими богатство и королевскую власть французского двора.

Ключевые исполнители

Жан-Оноре Фрагонар — пример художника, который рисовал высшее общество французского двора. Его самая известная работа — Качели (Les hasards heureux de l’escarpolette) , написанная в 1767 году маслом на холсте, что сделало его популярным. с придворными аристократами. Его фигуры выделяются розовыми щеками, обнаженным телом и «страстными» объятиями, как показано в «Качели». На этой картине показан образ жизни, в котором они живут: муж качает девушку на качелях, а ее муж сидит впереди и смотрит ей под юбку.

«Качели» Жан-Оноре Фрагонара, масло, холст, завершено в 1767 году.

Уильям Хогарт

Начиная с периода рококо имя Уильяма Хогарта стало важным именем для его решающей теории о «Змеиной линии». В книге Уильяма Хогарта «Анализ красоты» 1753 года. В книге он описывает, как можно исправить искусство, остановив «колебательные представления о вкусе». Он утверждал, что Змеиная линия обладает оптимальной красотой, а наблюдение за природой является «краеугольным камнем художественной практики».Согласно Хогарту, мы должны радовать глаз чувством разнообразия.

Чем закончился период рококо?

Французская революция фактически положила конец французскому правлению Людовика XVI и политическому климату, вокруг которого вращалось искусство рококо. Конец этого правила был вызван восстаниями, которые фактически положили конец французской монархии и поставили Наполеона на место. Искусство этого периода быстро маргинализировалось, утверждалось, что оно слишком основано на украшениях и богатстве, очень простых и сентиментальных темах.Искусством, которое позже станет популярным, будут стили неоклассицизма и искусство эпохи Просвещения. Некоторые писатели и критики, такие как Вольтер, также считали период искусства слишком поверхностным, а затем «дегенеративным». Неоклассицизм должен был заменить искусство рококо во Франции.

«Простота» Жана-Батиста Грёза (ок. 1759).

Дегенеративные качества периода рококо, наблюдаемые во второй половине 18-го века, проиллюстрированы на изображении выше «Простота» Жана-Батиста Грёза, написанного в 1759 году.Тема изображений чисто сентиментальна и основана на эмоциональной ценности молодой девушки, а не на высоко оцененных портретах аристократов, таких как мадам де Помпадур ранее того периода. Работа очень мягкая и простая, вызывающая очень мало интереса. Самого Греза часто обвиняли как художника в откровенных эмоциях, неестественной и плохой композиции, а также в непривлекательных цветовых схемах и палитрах.

В конечном счете, период истории искусства рококо тесно связан с обществом того времени и политическим климатом, напрямую влияя на произведения искусства.Его темы часто не отличаются от предметов богатства, роскоши, статуса, сексуальности и т. Д. Все аспекты французской жизни использовались при дворе Людовиком XV и самой монархией. Его критика как художественного движения более широка, чем большинство на протяжении всей истории, от искаженного изображения эмоций, отсутствия динамики в предмете до вырождения и общих декоративных качеств , которые позже были отвергнуты после Французской революции в 1789–1799 годах.

Искусство рококо — Глядя на роскошный и беззаботный период рококо

Стиль рококо в декоративно-прикладном искусстве, архитектуре, интерьере, скульптуре и живописи зародился в Париже начала 18 века.Это буйное и элегантное движение распространилось по Франции и другим европейским странам, таким как Австрия и Германия. Стиль рококо роскошен, экстравагантен и беззаботен.

 

 

Краткое знакомство со стилем рококо

С точки зрения определения рококо, если когда-либо и существовал аристократический стиль французского искусства, то это рококо. Узоры в стиле рококо были невероятно театральными и декоративными, призванными произвести впечатление и сообщить о богатстве. Стиль рококо, отличающийся легкостью, изогнутыми формами, асимметричными значениями, природными мотивами и игривыми темами, поистине уникален.

Стиль эпохи рококо отличается причудливостью. По сравнению с предшествовавшим ему стилем барокко стиль рококо имел гораздо более светлую цветовую палитру. Легкость и элегантность пронизывают дизайн рококо с пастельными тонами, большим количеством золота и белым цветом слоновой кости. Многие дизайнеры интерьеров в стиле рококо использовали зеркала для создания ощущения легкости и простора.

Изогнутые формы были отличительной чертой дизайна рококо, с закрученными завитками и изогнутой мебелью. Контркривые и неровности отражали естественные формы, такие как растения и морские раковины.Изогнутые узоры включали змеевидные линии или извилистые линии, изгибавшиеся в разных направлениях, как лозы растений.

Одним из отличительных элементов периода рококо является отсутствие точного баланса в орнаментальных элементах. Асимметрия есть как в отделке, так и в предмете мебели или архитектуры в целом. Мебель и архитектурные конструкции часто включали асимметричные завитки С-образной формы. Асимметричные значения также включали изображение ракушек и других форм, вдохновленных природой.Предметы мебели в стиле рококо, такие как шкафы и кушетки, часто имели несбалансированные декоративные элементы. Несмотря на отсутствие баланса в декоре, общее ощущение баланса сохраняется.

Особенно заметный декоративный мотив, используемый в живописи, скульптуре и дизайне интерьера в стиле рококо, вдохновлен природой. Многие из изогнутых форм были основаны на органических формах, таких как волны, морские раковины и другие мотивы морской тематики. Также были распространены мотивы листьев, с завитыми листьями виноградной лозы, похожими на стилизованные листья аканта.Хотя эти формы были органичными по своему вдохновению, они часто были преувеличены и позолочены.

Игривый и беззаботный сюжет – отличительная черта живописи и скульптуры в стиле рококо. Часто картины в стиле рококо были основаны на темах любви, игривости и природы. Классические мифы также были популярны среди художников рококо. Популярные темы рококо — еще один пример того, как дизайн рококо отвергает традиции стиля барокко.

Три орнаментальных мотива в стиле рококо, 1889 г.; Жюль Лашез, CC0, через Викисклад

 

Происхождение термина рококо

Определение рококо впервые было использовано в юмористическом ключе как вариация французского слова rocaille, способ украшения гротов и фонтанов ракушками, галькой и цементом.К концу 17 века люди стали использовать этот термин для описания декоративного мотива, возникшего в стиле позднего Людовика XIV. Этот орнаментальный мотив представлял собой морскую ракушку, переплетенную с листьями аканта.

Впервые термин rocaille был использован для обозначения определенного стиля в 1736 году ювелиром и дизайнером Жаном Мондоном. Мондон опубликовал каталог дизайнов мебели и других декоративных украшений в стиле рокайль. В этих конструкциях для мебели, декоративных дверных проемов и стеновых панелей использовались изогнутые раковины в сочетании с извилистыми лозами или пальмовыми листьями.

В 1825 году, почти столетие спустя, впервые был напечатан термин рококо. В этом контексте термин рококо описывал старомодный стиль прошлого века. Этот термин использовался на протяжении 19 века для описания архитектуры, музыки, скульптуры и дизайна, которые были чрезмерно декоративными. С тех пор искусствоведы приняли термин рококо как стиль европейского искусства 18-го века.

Несмотря на споры об историческом значении стиля рококо, он признан отдельным стилем европейского дизайна.

 

 

История стиля рококо

Стиль рококо начался с дизайна интерьера и мебели. Как реакция на строгую жесткость эпохи барокко, дизайн рококо был чрезмерно орнаментальным. Иногда историки искусства называют период рококо поздним барокко, который начался во Франции как реакция на формальный стиль Людовика XIV. Когда правление Людовика XIV закончилось, аристократы и богатые вернулись в Париж. Там они стали украшать свои дома в стиле рококо.Дизайнеры интерьеров, граверы и художники, в том числе Жюст-Орель Мейссонье, Николя Пино, Пьер Ле Потр и Жан Берен, разработали более интимный стиль украшения дворянских домов.

 

Французское рококо

Рококо процветало во Франции между 1723 и 1759 годами. Французский стиль рококо был наиболее заметен в салонах. Салон представлял собой комнату нового стиля, которая была разработана, чтобы развлекать и впечатлять гостей. В парижском отеле Hotel de Soubise салон Princess является прекрасным примером салонов в стиле рококо.

Интерьер салона de la princesse в Hôtel de Soubise, Париж; NonOmnisMoriar, CC BY-SA 3.0, через Викисклад

Исключительное мастерство было определяющим фактором французского стиля рококо, особенно в рамах картин и зеркал. В этих рисунках часто использовались переплетенные формы растений, вылепленные из гипса и позолоченные. Эти извилистые изгибы и дизайн, вдохновленный природой, также были популярны в дизайне мебели. Ведущие французские мебельщики, такие как Шарль Крессент и Мессонье, были сторонниками стиля рококо.

Стиль рококо доминировал во французском искусстве и дизайне до середины 18 века, когда открытия римских древностей привели французскую архитектуру к неоклассическому стилю.

 

Итальянское рококо

Стиль рококо был особенно популярен в Италии. Венеция была эпицентром итальянского рококо. Итальянские конструкции в стиле рококо, такие как венецианские комоды, использовали те же декоративные украшения и изогнутые линии, что и французский rocaille , но с небольшими дополнениями.Многие венецианские произведения были расписаны цветами, пейзажами или сценами известных художников. Шинуазри, или европейское подражание китайским и другим восточноазиатским художественным традициям, также было популярно в итальянском рококо.

Джованни Баттиста Тьеполо был известным художником-декоратором периода итальянского рококо. Тьеполо расписывал потолки и фрески палаццо и церквей. В 1750-х годах Тьеполо вместе со своим сыном отправился в Германию, и они украсили потолки Вюрцбургской резиденции.Еще одним известным итальянским художником в стиле рококо был Джованни Баттиста Крозато. Кросато наиболее известен своей квадратурной росписью потолка бального зала Ca Rezzonico.

Потолочная фреска Тьеполо в Вюрцбургской резиденции; Мириам Тайес, CC BY-SA 4.0, через Викисклад

Венецианская стеклянная посуда была важной частью итальянского периода рококо. Именно в это время процветало цветное и часто гравированное муранское стекло. Изделия из стекла, такие как зеркала с богато украшенными рамами и разноцветные люстры, экспортировались по всей Европе.

 

Южногерманское рококо

Именно в Южной Германии и Австрии стиль рококо достиг своего расцвета. Опубликованные работы французских архитекторов и дизайнеров представили стиль рококо Германии, и он продолжал доминировать в немецком искусстве и дизайне между 1730-ми и 1770-ми годами. В то время как немецкие дизайнеры и архитекторы черпали вдохновение во французских архитекторах, таких как Жермен Боффран, и дизайнерах интерьеров, таких как Жиль-Мари Оппенордт, немецкая архитектура и дизайн в стиле рококо поднялись на новую высоту.

Архитектурный стиль рококо был перенят немецкими архитекторами, которые нагрузили его еще более богатой отделкой и сделали его гораздо более асимметричным. Декоративный стиль рококо до сих пор доминирует в немецких церквях. Архитекторы выстраивали кривые и встречные кривые из лепного украшения, создавая узоры, которые изгибались и поворачивались, а стены и потолки не имели прямых углов. Особенно популярным мотивом была лепнина, которая, казалось, ползла по стенам и потолку. Это богато украшенное украшение часто было посеребренным или позолоченным, создавая потрясающий контраст с бледно-пастельными или белыми стенами.

Первым зданием, построенным в стиле рококо, был павильон Амалиенбург в Мюнхене. Дизайнер и архитектор бельгийского происхождения Франсуа де Кювильес отвечал за проектирование этого здания и черпал вдохновение во французских павильонах Марли и Трианон. Павильон Амалиенбург изначально был построен как охотничий домик и имел платформу на крыше для охоты на фазанов. В интерьере был Зеркальный зал, созданный Иоганном Батистом Циммерманном. Экстравагантность этого здания была далеко за пределами архитектуры французского рококо.

Вид на восток павильона Амалиенбург в Мюнхене; Цифровой кот, CC BY-SA 4.0, через Викисклад

Еще одним выдающимся образцом немецкой архитектуры рококо является Вюрцбургская резиденция. Этот впечатляющий дворец имел более барочный внешний вид, но интерьер отражал легкий стиль рококо. Резиденция была спроектирована в консультации с французскими художниками Робером де Коттом и Жерменом Боффраном, а также Тьеполо, итальянским художником в стиле рококо, который создал фреску над трехуровневой лестницей.Лестница была центральным элементом этой резиденции, как и лестница во дворце Августусбург. Во дворце парадная лестница поднимала посетителей вверх через видение скульптуры, картин, украшений и изделий из железа.

Хотя стиль рококо с самого начала был светским стилем, в немецкий период было много церквей в стиле рококо. На протяжении 1740-х и 1750-х годов архитекторы в стиле рококо спроектировали несколько паломнических церквей по всей Баварии. Интерьеры этих церквей имеют ярко выраженный стиль рококо.Яркими примерами являются Верскирхе Доминикуса Циммермана, которая имела простой внешний вид с небольшим количеством украшений и простых цветов. Однако при входе в церковь вас встречает деамбулаторий овальной формы, который заливает церковь светом. Синие и розовые лепные колонны хора контрастируют с белыми стенами, а гипсовые ангелы окружают купольный потолок.

 

Британский рококо

Хотя влияние рококо не ощущалось так сильно в Британии, как в других странах Европы, британские шелка, фарфор и изделия из серебра действительно черпали вдохновение в рококо.Теоретическая основа красоты рококо была частично заложена Уильямом Хогартом, который утверждал, что S-образные изгибы и волнообразные линии рококо являются основой красоты и изящества в природе и искусстве.

Стиль рококо не сразу пришел в Англию. Британская мебель долгое время следовала неоклассической модели Палладио под руководством дизайнера Уильяма Кента. Кент был влиятельной фигурой, проектировавшей мебель для лорда Берлингтона. Именно с лордом Берлингтоном Кент путешествовал по Италии между 1712 и 1720 годами.Кент вернул идеи и модели Палладио и спроектировал мебель для Chiswick House, Hampton Court Palace и Holkham Hall, среди прочих.

Появление красного дерева в Англии около 1720 года было самым значительным событием в стиле рококо того времени. Наряду с ореховым деревом для изготовления мебели стало популярным красное дерево. Наиболее близок к стилю рококо был дизайнер мебели Томас Чиппендейл. Каталог дизайнов для шинуазри, рококо и готической мебели под названием « Справочник джентльменов и краснодеревщиков», , был опубликован Чиппендейлом в 1754 году.Хотя мебель Чиппендейла, безусловно, была вдохновлена ​​рококо, он не использовал в своей мебели инкрустации или маркетри, в отличие от французских дизайнеров.

Томас Джонсон был еще одной важной фигурой в британской мебели в стиле рококо. В 1761 году Джонсон опубликовал свой собственный каталог мебели в стиле рококо, в том числе мебель, основанную на индийских и китайских мотивах.

 

 

Искусство и дизайн эпохи рококо

Как вы уже видели, в Европе было много различий в дизайне.В то время как Южная Германия влюбилась в архитектуру рококо, англичане предпочитали мебель в стиле рококо. Будь то живопись, скульптура, мебель или архитектурный дизайн, мы можем увидеть особый стиль рококо.

 

Дизайн интерьера в стиле рококо

Дизайн интерьера был искрой эпохи рококо. Хотя стиль рококо стал доминировать в живописи, скульптуре и даже музыке, он начинался как стиль дизайна интерьера. В то время как в архитектуре обычно основное внимание уделяется внешнему дизайну, дизайнеры в стиле рококо привнесли его внутрь.Вершина дизайна интерьера в стиле рококо заключена в салоне.

Париж, Hôtel de Soubise, Музыкальная палата; Parsifall, CC BY-SA 3.0, через Викисклад

 

Что такое салон рококо?

Салон, очень похожий на салон или гостиную, предназначен для развлечения и впечатления гостей. Первоначально предназначенный для богатой аристократии, салон был местом, где они могли похвастаться своим невероятным богатством и вести интеллектуальные беседы. В то время философия Просвещения считала, что внешняя архитектурная среда поощряет определенный образ жизни.

Салоны в стиле рококо представляли собой центральные помещения, оформленные в типично экстравагантном и роскошном стиле рококо.

Салоны

отличались типичными изысканными украшениями рококо, серпантинными линиями, светлыми пастельными тонами, замысловатыми узорами, асимметрией и большим количеством золота. Планировка салонов часто была асимметричной, этот тип дизайна известен как контраст . Украшением интерьера были скульптурные формы на стенах и потолках с абстрактными, лиственными и ракушечными фактурами.

Salon de Monsieur le Prince — особенно известный пример. Еще одним ярким примером салона в стиле рококо является салон Жермена Боффрана в парижском отеле Soubise. Во всех этих салонах есть потолки, стены и лепнина с замысловатыми украшениями в виде S-образных изгибов, естественных форм и форм раковин.

 

Мебель в стиле рококо

Салон был способом отразить социальный статус, а мебель в салоне — другим. В период рококо произошел взрыв в производстве мебели.Дизайн мебели подчеркивал легкость эпохи рококо. Предметы мебели были сделаны физически легче, чтобы их можно было легко перемещать. Мебель также стала более нежной и изысканной, с тонкими изогнутыми ножками стола.

Мебель в стиле рококо стояла отдельно, а не прислонялась к стене. Эта особенность также помогла добавить легкости и универсальности комнате, желаемой аристократией.

Древесина красного дерева стала популярной для изготовления мебели в стиле рококо, потому что она была прочной. Прочность красного дерева означала, что мебельщики могли изготавливать изящную мебель, которая не ломалась. В период рококо появилось много специализированной мебели, в том числе стул voyeuse . Зеркала с резными и украшенными рамами также становились все более популярными в эпоху рококо. Дизайнеры интерьера использовали зеркала, чтобы усилить ощущение света и простора в комнате.

Маленькие кресла из ломбардской мастерской, ок. 1750 г., из бального зала дворца Сормани; Саилко, СС BY 3.0, через Викисклад

 

 

Архитектура рококо: барокко против рококо

Архитектура рококо 18 века была более изящной, легкой и сложной, чем стили барокко. Хотя архитектура рококо в чем-то была похожа на барокко, в других она существенно отличалась.

 

Барокко и архитектурный стиль рококо

Как и в случае с дизайном интерьера и мебелью, в архитектуре рококо подчеркивалась асимметрия дизайна и формы, в то время как в стиле барокко все было наоборот. Архитектура барокко была в целом более серьезной, с использованием религиозных тем протестантской реформации, в то время как архитектура рококо была более беззаботной, шутливой и светской. В то время как здания в стиле барокко были спроектированы для большого общественного величия, архитектура рококо подчеркивала конфиденциальность.

Изгибы и декоративные элементы в стиле рококо, которые мы видим в мебели и внутреннем убранстве, также перенесены в архитектурный дизайн. Фирменная цветовая палитра рококо, состоящая из золота, белого и пастельных тонов, также была важной чертой архитектуры рококо.

Некоторые известные здания в стиле рококо включают португальский Национальный дворец Келуш, Екатерининский дворец в России, Китайский дом в Потсдаме, дворцы Фалькенлуст и Аугустусбург, части Версальского замка и дворец Шарлоттенбург в Германии. Итальянский архитектор Франческо Бартоломео Растрелли известен своими роскошными и роскошными проектами и работал в России. Филип де Ланге работал как в голландской, так и в датской архитектуре, а Маттеус Даниэль Поппельманн был архитектором позднего барокко, который помогал в реконструкции немецкого города Дрезден.

Фасад Екатерининского дворца в Пушкине, Россия; В. Булах, CC BY-SA 4.0, через Викисклад

 

Живопись в стиле рококо

Нежный и беззаботный характер дизайна рококо, пожалуй, наиболее заметен в картинах той эпохи. Используя светлую палитру рококо пастели, золота и белого цвета, а также другие элементы дизайна рококо, такие как асимметричные кривые и змеевидные линии, живопись рококо легко различима. Невероятное внимание к деталям, игривые темы и пастельная цветовая палитра являются важными чертами живописи в стиле рококо.

 

Безупречное внимание к деталям

Вдохновленные художниками эпохи Возрождения, картины в стиле рококо отличаются невероятным вниманием к деталям. Французский художник Франсуа Буше особенно известен своим подходом к живописи, ориентированным на детали. Буше удается запечатлеть мельчайшие тонкости богато украшенных костюмов и создать прекрасно детализированные сцены.

 

Игровые сюжеты

Пожалуй, сюжеты картин в стиле рококо лучше всего отражают веселую атмосферу этого периода искусства.Темы юности, любви, игры, классических мифов, идиллических пейзажей и портретов типичны для живописи рококо. Французскому художнику Антуану Ватто приписывают популяризацию игривой темы рококо. Ватто известен как отец жанра фестивалей живописи, вечеринок в саду и других мероприятий на открытом воздухе. Ватто писал сцены пасторальных пейзажей и общения причудливых людей. Часто изображались греческие богини, амуры и другие мифологические существа, которые в игровой форме смешивали реальность с фантазией.

La Partie carrée («Четверка», ок. 1713 г.) Антуана Ватто; Антуан Ватто, общественное достояние, Wikimedia Commons 

 

Палитра цветов рококо

Цветовая палитра картин эпохи рококо существенно отличается от палитры более раннего периода барокко. Художники эпохи барокко использовали глубокие и эмоциональные цвета, в то время как художники рококо, такие как Жан-Оноре Фрагонар, создавали беззаботные сцены в светлых пастельных тонах. « Качели » Фрагонара — одна из самых известных картин периода рококо.Светло-зеленые завитки листвы окружают женщину в светло-розовом платье, кокетливо сбрасывая с туфельки на качелях.

Качели (1767) Жана-Оноре Фрагонара; Жан-Оноре Фрагонар, общественное достояние, через Wikimedia Commons 

 

Скульптура в стиле рококо

Скульптура эпохи рококо была динамичной, театральной и красочной. Ощущение движения во всех направлениях пронизывает эти скульптуры. Скульптуры были тесно связаны с архитектурой и живописью, и их часто можно было найти внутри церквей.

Скульптура раннего французского рококо намного легче классического стиля Людовика XIV. Мадам де Помпадур покровительствовала скульптуре в стиле рококо и заказала несколько работ для своих садов и замков. Скульптура купидона, вырезающего любовные дротики из булавы Геркулеса, — известная скульптура в стиле рококо работы Эдма Бушардона. Вы можете найти другие образцы скульптуры в стиле рококо вокруг фонтанов Версаля, например, Фонтан Нептуна работы Николя-Себастьяна Адама и Ламберта-Сигисберта Адама, созданный в 1740 году.После их успеха Фридрих Великий пригласил этих скульпторов для создания скульптуры фонтана для своего дворца в Пруссии.

Купидон (1744) Эдма Бушардона; Национальная художественная галерея, CC0, через Викисклад .

Ведущий французский скульптор Этьен-Морис Фальконе наиболее известен своей статуей Петра Великого в Санкт-Петербурге. Он также создавал небольшие работы из терракоты или бронзы для богатых коллекционеров. Фальконе был не единственным скульптором, производившим небольшие серии скульптур для коллекционеров.Жан-Батист Пигаль, Мишель Клодион, Жан-Луи Лемуан и Луи-Симон Буазо создали серию скульптур.

Итальянец Антонио Коррадини был одним из ведущих скульпторов в стиле рококо в Венеции. Он путешествовал по Европе, некоторое время работал в Санкт-Петербурге на Петра Великого, а также при австрийских и напальских императорских дворах. Скульптуры Коррадини вызывают у них более сентиментальное чувство, и он создал ряд изящных скульптур женщин под вуалью.

 

Фарфор в стиле рококо

В период рококо начали появляться миниатюрные фарфоровые скульптуры.Первоначально созданные для замены сахарных скульптур на больших обеденных столах, фарфоровые фигурки вскоре стали популярными в качестве украшений для каминов. По мере роста числа европейских фарфоровых фабрик на протяжении 18 века небольшие фарфоровые скульптуры стали доступны людям среднего класса. С течением века количество надглазурных украшений на этих красочных фарфоровых скульптурах также увеличивалось.

Мейсенская фарфоровая фабрика является старейшей в Европе и оставалась самой важной примерно до 1760 года.Иоганн Иоахим Кандлер был главным модельером на фабрике в Мейсене. Франц Антон Бустелли, немецкий скульптор, работал на Нимфенбургской фарфоровой мануфактуре и был известен своими красочными фигурками, которые продавались по всей Европе. Следуя его примеру, Этьен-Морис Фальконе стал директором Севрского фарфорового завода. Здесь он серийно создавал различные мелкомасштабные скульптуры на темы беззаботности и любви.

Слушатели у колодца (1756 г.) Франца Антона Бустелли; Руфус46, CC BY-SA 3.0, через Викисклад

 

Музыка рококо

Хотя музыка рококо не так хорошо известна, как поздние классические и ранние формы барокко, она занимает место в истории музыки. Музыкальный стиль рококо, как и большая часть движения рококо, развился из эпохи барокко. Во Франции галантный стиль , или элегантный стиль музыки, был интимной музыкой, легкой, утонченной и сложной. Влиятельные французские композиторы рококо включают Луи-Клода Дакена, Жана Филиппа Рамо и Франсуа Куперена.В Германии два сына Иоганна Себастьяна Баха, Иоганн Кристиан Бах и Карл Филип Эмануэль Бах стали пионерами музыки рококо или «чувствительного стиля».

Во второй половине 18 века наблюдается негативная реакция на чрезмерное использование украшений и орнаментов в стиле рококо. Кристоф Виллибальд Глюк возглавил это реакционное движение, которое в конечном итоге стало классическим стилем. Вариации на тему рококо Петра Ильича Чайковского сочинены в стиле рококо, хотя написаны не в эпоху рококо.

 

Мода Рококо

Экстравагантность, утонченность, орнамент и элегантность стиля рококо не были потеряны в моде рококо. Женская мода в 18 веке была сложной и богато украшенной в истинном стиле рококо. Начавшись в Королевском дворе, эта мода вскоре распространилась на кафе и салоны буржуазии.

К концу правления Людовика XIV стало популярным струящееся платье, известное как robe volante . Лиф, округлая нижняя юбка и крупные складки, ниспадающие на спину, были отличительными чертами этого платья.Темная и богатая цветовая палитра тканей сочеталась с тяжелыми и смелыми элементами дизайна. После смерти короля Людовика XIV стили моды начали меняться с тенденциями рококо.

Мода в стиле рококо была более легкомысленной, гораздо более легкой и более откровенной. Пастельная цветовая палитра, обилие бантов, кружев, оборок, рюшей, глубокое декольте характеризовали женскую моду рококо. Новое платье, известное как халат по-французски , имело узкий лиф и обычно большое количество бантов из лент спереди.Это платье имело широкие корзины и было богато украшено цветами, кружевами и лентами. Жан-Антуан Ватто, художник, изображающий замысловатые детали стежков, кружев и других украшений на богато украшенных платьях, послужил источником вдохновения для создания складок Ватто .

Женский халат à la français e, Англия, около 1765 г. Шелковый атлас с утком и шелковой отделкой; Музей искусств округа Лос-Анджелес, общественное достояние, через Wikimedia Commons 

Примерно в 1718 году в моду вошли модели mantua и pannier .Это были широкие обручи, которые удлиняли бедра в стороны, надевались под платье. Эти предметы вскоре стали неотъемлемой частью моды в стиле рококо. Культовый образ эпохи рококо — платье с расширенными бедрами и чрезмерным количеством украшений. Для особых случаев требовались очень широкие корзины, некоторые из которых достигали 16 футов в диаметре. Обручи меньшего размера предназначались для повседневной носки.

Этот стиль одежды возник в Испании 17 века и изначально предназначался для того, чтобы скрыть беременный живот.

Золотой век моды в стиле рококо наступил примерно в 1745 году, когда во Франции стала популярной более восточная и экзотическая культура, известная как a la turque . Мадам де Помпадур сыграла неотъемлемую роль в продвижении этого стиля, когда заказала Шарлю Андре Ван Лоо картину с изображением себя в образе турецкой султанши. В 1760-х годах появился менее формальный стиль моды. В полонезе, более коротком платье, вдохновленном польской модой, были видны лодыжки и нижняя юбка. Платье полонез также позволяло женщинам передвигаться со значительно большей легкостью.

Robe a l’anglais , или английское платье, был еще одним популярным стилем во второй половине 18-го века. Это платье включало в себя более мужские модные элементы, такие как длинные рукава, широкие лацканы и короткий жакет. Пышная юбка с небольшим шлейфом, но без корзин, облегающий лиф и небольшая кружевная косынка на шее завершали ансамбль. Редингот, сочетание пальто и накидки, был еще одним новым элементом моды в стиле рококо.

В дополнение к множеству различных предметов одежды, аксессуары были неотъемлемой частью моды рококо в 18 веке.Аксессуары, такие как ожерелья и украшения, добавляли роскоши и декадентского декора платьям. Женщины в коротких рукавах были обязаны носить перчатки на официальных церемониях.

 

 

Постепенный упадок стиля рококо

Вскоре упор рококо на галантность и декоративную мифологию вызвал реакцию. Французская Академия начала преподавать более Классический стиль искусства , и де Трой, выдающийся художник-классик, стал директором Академии в 1738 году.Хотя период рококо был в упадке во Франции, он продолжал процветать в Австрии и Германии.

Мадам де Помпадур была видной и влиятельной фигурой на протяжении 18-го века, продвигая искусство и моду в стиле рококо и способствуя его упадку. В 1750 году мадам де Помпадур отправила своего брата и нескольких художников, в том числе архитектора Суффло и гравера Шарля-Николя Кочина, в двухлетнюю поездку для изучения итальянских археологических и художественных разработок. Эта группа вернулась, увлеченная классицизмом, и Абель-Франсиус Пуассон де Вандьер, брат мадам де Помпадур, стал маркизом.

La Marquise de Pompadour en jardinière  (ок. 1754–1755) Шарля-Андре ван Лоо; Шарль-Андре ван Лоо, общественное достояние, через Wikimedia Commons 

Вандьерес также был назначен генеральным директором королевских зданий и отвечал за сдвиг французской архитектуры в сторону неоклассицизма. Кочин, влиятельный художественный критик, осудил стиль Буше, который он назвал petit style. Скорее, Кочин призвал к более величественному стилю живописи и архитектуры, подчеркивающему благородство и классическую древность.

Жак-Франсуа Блондель и Вольтер присоединились к громкой критике поверхностного характера искусства рококо. 1760-е годы ознаменовали начало конца стиля рококо, поскольку художники начали призывать к искусству с целью и ценностью. Рококо официально скончался к 1785 году и был заменен неоклассицизмом.

Насмешки над рококо как поверхностным и легкомысленным распространились в Германии к концу 18 века. Хотя рококо удалось остаться популярным в Италии и некоторых немецких государствах, он был полностью стерт с лица земли второй волной неоклассицизма .

 

 

Известные художники рококо

В эпоху рококо появилось так много художников, архитекторов и скульпторов. Из многих есть несколько, которые произвели неизгладимое впечатление на мир декоративного искусства, в том числе Франсуа Буше, Элизабет Луиза Виже ле Брун и Джованни Баттиста Тьеполо.

 

Франсуа Буше (1703-1770)

Из всех выдающихся художников рококо Буше, безусловно, заслуживает место в этом списке. Картины Буше, известные своими изображениями древнеримской и греческой мифологии, сформировали направление стиля рококо. Будучи молодым студентом-искусствоведом, Буше учился в период позднего барокко и путешествовал по Италии. Он также изучал голландский пейзажный стиль.

Буше в свое время стал очень известен среди французских художников. Сладострастная манера, в которой Буше изображал фигуры на своих картинах, принесла ему значительную известность. На многих картинах Буше изображены пастухи и различные формы домашнего скота в пасторальных сценах.Из его работ «Триумф Венеры» (1740 г.) считается его самой известной, но она находится в тесном противоречии с «Завтрак» (1739 г.) и «Пожиратели винограда» (1749 г.).

«Триумф Венеры» (1740 г.) Франсуа Буше; Франсуа Буше, общественное достояние, через Wikimedia Commons 

 

Жан-Оноре Фрагонар (1732-1806)

Французский гравер и художник в стиле рококо Жан-Оноре Фрагонар — один из самых известных художников периода рококо. Хотя он жил в конце 18 века, когда рококо начал приходить в упадок, он создавал гедонистические картины. За свою жизнь Фрагонар также написал несколько работ для королевской семьи, в том числе «Встреча » (1771).

Фрагонар познакомился с Буше, когда ему было всего 18 лет, и, хотя Буше отказался работать с Фрагонаром из-за отсутствия у него опыта, он отправил его учиться к Жану-Батисту-Симеону Шардену. Несмотря на отсутствие у него раннего опыта, Фрагонар стал одним из самых плодовитых художников в истории французского искусства.Особенно известная картина Фрагонара — «Украденный поцелуй » (1788 г.).

Украденный поцелуй (конец 1780-х) Жана-Оноре Фрагонара; Жан-Оноре Фрагонар, общественное достояние, через Wikimedia Commons

 

Жан-Антуан Ватто (1684-1721)

Хотя Жан-Антуан Ватто умер до Золотого века рококо, он был одной из самых влиятельных фигур в движении. Именно Ватто приписывают новаторство в стиле рококо, которого он достиг, объединив собственное художественное чутье с элементами таких мастеров, как Питер Пауль Рубенс и Тициан.

Стиль

Ватто был особенно красочным, с яркими оттенками и большой глубиной. Многие работы Ватто типичны для стиля рококо своим театральным видом. Ватто также прославился своей невероятной способностью улавливать мельчайшие и сложные детали, особенно в богато украшенных предметах одежды. Возможно, самой известной картиной Ватто является «Паломничество на остров Кифера», , которую он завершил в 1717 году. Другие известные работы включают Пьеро (1719) и «Посадка на Китеру » (1717).

Паломничество на Китеру , так называемый Посадка на Китеру (1717) Антуана Ватто; Антуан Ватто, общественное достояние, Wikimedia Commons 

 

Элизабет Луиза Виже ле Брюн (1755-1842)

Одна из самых выдающихся женщин-художниц во французской истории, Ле Брун больше всего известна своими роскошными портретами. Когда Ле Брун развила свои художественные способности, ей не разрешили посещать ни одну из формальных художественных школ или академий . К счастью, ее отец был художником и научил ее рисовать.

Всего в 15 лет Ле Брюн начал работать профессиональным художником. Несмотря на сексизм того времени и многих, кто избегал ее работы, Ле Брюн была помещена в Королевскую академию в 28 лет королем Людовиком XVI и Марией-Антуанеттой. Ле Брун написала одни из самых известных картин в истории Франции, самой известной из которых была картина «Мария-Антуанетта в придворном платье» (1778).

Мария-Антуанетта в придворном платье (1778) Элизабет Луизы Виже Лебрен; Художественно-исторический музей, общественное достояние, через Викисклад

 

Джованни Баттиста Тьеполо (1696-1770)

Знаменитый венецианский художник Тьеполо хорошо известен своими очень декоративными и чрезмерно сложными картинами, часто изображающими королевские фигуры.У Тьеполо был уникальный стиль в период рококо, он учился у нескольких художников под влиянием Высокого Возрождения . В результате его образования стиль Тьеполо представлял собой сочетание рококо и ренессанса.

Из его многочисленных работ Бракосочетание императора Фридриха и Беатриче Бургундской (1752), вероятно, является его самым известным. Это невероятно значимое историческое событие изображено в типичном для рококо стиле. Богато украшенный зал с арками, развевающимися занавесками и элегантно одетыми фигурами украшает полотно этой знаменитой картины.

Брак Фридриха Барбароссы и Беатриче Бургундской (1727-1804) Джованни Доменико Тьеполо; Джованни Доменико Тьеполо, общественное достояние, через Викисклад

 

Канал Джовани Антонио (1697-1768)

Более известный как Каналетто, Джовани Антонио Канал был одним из самых известных деятелей рококо 18-го века. Художник итальянского происхождения рано подал художественные надежды и стал одним из самых известных художников как в рококо, так и в венецианской школе.

Каналетто, много путешествовавший по Европе в течение своей жизни, был хорошо известен своими невероятно реалистичными городскими пейзажами. Среди самых известных картин его юности: «Вход в Большой канал», «Венеция » (1730 г.) и «Двор каменщика» (1725 г.). Каналетто завершил обе эти картины, когда во Франции начало расти движение рококо. Именно благодаря действиям Каналетто рококо распространилось в Италию.

Каналетто Вход в Гранд-канал , c.1730 г.; Каналетто, общественное достояние, через Wikimedia Commons 

 

Томас Гейнсборо (1727-1788)

Выдающийся британский художник в стиле рококо Гейнсборо наиболее известен своими детально проработанными портретами и элегантными пейзажами. Гейнсборо был одним из самых выдающихся членов Академии Сент-Мартинс-Лейн, основанной Юбером Франсуа Гравело после того, как рококо пересекло Ла-Манш из Франции.

Известный как один из самых известных британских художников 18-го века, картины Гейнсборо в стиле рококо являются одними из самых знаменитых.Хотя многие из самых любимых картин Гейнсборо — это пейзажи, его самая известная картина в стиле рококо — это «Голубой мальчик» , которую он написал в 1770 году.

Джонатан Баттолл (Голубой мальчик) (ок. 1770 г.) Томаса Гейнсборо;  Томас Гейнсборо, общественное достояние, через Wikimedia Commons

 

Полный роскоши, золота и экстравагантности стиль рококо 18 века узнаваем сразу. Хотя это движение просуществовало недолго, оно, безусловно, произвело впечатление, и многие художники этого периода остаются важными историческими фигурами.

 

Стиль рококо (18 век)

Выдающимся в искусстве инкрустации стал Пьетро. Пиффетти (1700-77), работавший на Дом Савойи в Турине, создавший очень индивидуальная мебель, сочетающая вставки из дерева и слоновой кости с такими доработки в металле в виде масок по углам и креплений для ножек. То Королевский дворец в Турине содержит несколько захватывающих дух экспонатов, буквально покрытых с инкрустацией из слоновой кости и иногда кажется, что поддерживается исключительно случайно, так хрупки ноги под их сложной верхней частью. В музее Civico in Turin — это карточный стол работы Пиффетти с печатью и датой 1758 года. совершенно убедительный trompe l’oeil игральных карт из слоновой кости и редких пород дерева. В малых искусствах в Италии не производилось ничего значительного по сравнению с другими регионами Европы, и уж точно не появилось ни одной керамической фабрики. соперничать с Севром. Но две фабрики производили фарфор, большую часть что конечно очень красиво — Виново в Пьемонте и Каподимонте за пределами Неаполя.Фарфор Capodimonte характеризуется блеском его окраски, часто в неожиданных сочетаниях, как это видно на знаменитом Фарфоровая комната из дворца в Портичи (1754-59). Итальянская живопись в стиле рококо Резюме Рококо появилось в Италии чуть позже чем во Франции. Ранние следы можно увидеть в более легком стиле позднего Живопись в стиле барокко, представленная в Риме, а также в Неаполе такими художниками, как Лука Джордано (1634-1705) и Франческо Солимена (1657-1747). Затем, в течение 25 лет, Венеция произведено Giambattista Тьеполо (1696-1770), его сын Джандоменико (1727-1804), Антонио Каналетто (1697-1768), Пьетро Лонги (1701-85), Франческо Гварди (1712-93), Джованни Баттиста Пиранези (1720-78) и племянник Каналетто Бернардо Беллотто (1720–1780). Все они, кроме двух последних, отработали живет в Венеции, хотя Каналетто посетил Англию в 1746 г. Лонги и в меньшей степени младший Тьеполо изображал повседневную жизнь Венеции, первые в небольших холстах, вторые в рисунках; в то время как Каналетто, Гварди и Беллотто рисовали сцены на открытом воздухе на каналах и площади.Пиранези, хоть и родился в Венеции, но приехал в Рим в 1738 году. Картины его неизвестны, и его слава полностью основана на его офортах архитектуры и руин. Старший Тьеполо наиболее известен своими необычными фресками. парадной столовой ( Kaiseraal ) и потолок Большого Лестница ( Trepenhaus ) в Вюрцбургской резиденции принца-епископа Карл Филипп фон Гриффенклау, несомненно, величайший и самый творческий шедевр в его карьере. В центре внимания был взлет фреска Аполлон, приводящий невесту (1750-1) в центре Trepenhaus, работа, которая величественно завершает итальянскую традицию фресковой живописи, начатой ​​Джотто (1270-1337) четыреста лет ранее. Тьеполо В старшем Тьеполо, и в нем одном, можно говорить о чистом стиле рококо, во многом родственном позднему барокко способами, но создавая совершенно новый тип визуального опыта.Не удивительно, многие из величайших венецианских качеств прошлого присутствуют в его работа: цвет и оригинальное воображение Тициана; типы фигур и роскошные материалы Паоло Веронезе, вместе с его любовью к роскошной классической архитектуре как фон для богатых зрелищ истории и мифологии. Искусственность атмосферы в его ранние фрески сразу связывают Тьеполо с основным направлением рококо. искусства, но в то время, когда он не мог знать многого о современном Французская живопись. С тех пор его карьера была головокружительной, пока его затмение в Мадриде в конце жизни от рук неоклассиков при Менгсе (1728-79). Его самый большой заказ пришелся на 1750 год, когда он отправился в Вюрцбург, чтобы рисовать фрески для только что построенного дворца и оставались там до 1753 г. украсить лестницу (самая большая фреска живопись в мире), Кайзерзал и часовня. Незадолго до уезжая в Вюрцбург, Тьеполо украсил Палаццо Лабиа в Венеции. с историей Антония и Клеопатры, одним из его самых запоминающихся воспоминаний классической истории. Сравнение стиля Тьеполо со стилем его современника Буше, обнаруживает другой и, возможно, более интеллектуальный темперамент. Его ледяное элегантные, но все же сладострастные обнаженные тела и его тонкое сопоставление типов, как на Вюрцбургской лестнице, где блестяще контрастируют «континенты», является более оригинальным и сложным, чем что-либо Буше. Это не было случайностью что Буше больше всего восхищался Тьеполо; «гораздо больше, чем у Ватто, его искусство — искусство театра, со сценой, намеренно приподнятой над нами, и актеры, которые держатся на расстоянии», — говорит Майкл Леви.В самом деле, его искусство — последнее, что действительно представляет аристократический стиль. идеалы, которые вскоре будут заменены республиканскими ценностями Французской революции, искусство, которое могло процветать только в таком упадочном городе, как Венеция в восемнадцатом веке Посмотреть Художники Хотя Тьеполо, отец и сын, были лучшими декораторами в городе, были ведутисты , или вид-живописцы, например Каналетто (1697-1768), чья большая слава принесла ему в Англию между 1746 и 1756 г., и его племянник Бернардо Беллотто (1720-80). Картины Франческо Guardi (1712-93) — триумф изучения и понимания атмосферы. необычного воздействия венецианского света на воду и архитектуру. С участием минимальная палитра, в некоторых случаях почти полностью сведенная к простой зелени и серые, Гуарди во многом напоминает пейзаж и вид на каналы. так же, как Тьеполо рисует фигуры, и с волшебными цветными точками предполагает, что люди спешат или разговаривают на площади Сан Марко или любой из многочисленных площадей Венеции, которые он так явно любил. Пьетро Лонги (1702-85), напротив, специализировался на несколько неуклюжих изображениях современной жизни; в их однако в их неуклюжести кроется великое обаяние, и в часто восхитительно неожиданный выбор сюжета, например, «Носорог» (Национальная галерея, Лондон) или «Мавританский вестник» (Ca’ Rezzonico, Венеция). Но Италия никогда не была так счастлива со стилем рококо, как это было с предшествующий стиль барокко или стиль неоклассицизма, оба они тяжелее и способнее выразить столь любимую grandezza итальянского постренессансного искусства. Это, однако, появляется в Тьеполо в измененная форма, и это его имя остается неизвестным. Стиль рококо в Англии — Характеристики Из всех европейских стран, имевших перенял или внес свой вклад в стиль барокко, Англия была той, которая меньше всего внимания уделял рококо. Английский Архитектура рококо, интерьер Дизайн и украшение По крайней мере, в архитектуре Англия двинулась непосредственно от стиля барокко Рена и Ванбру к палладианству, переход был столь стремителен, что не допускал промежуточного развития.С такими зданиями, как Strawberry Hill Уолпола в Твикенхеме, построенными из 1748 г., и Арбери, Уорикшир, той же даты и другой готический здания, возведенные в эпоху позднего Архитектура восемнадцатого века — это чувство, которое помещает эти работает в категории рококо, а не в каких-либо отношениях с рокайль. На самом деле English Gothick разделен на две самостоятельные категории — «ассоциативный» и «рококо», последний беззаботная форма украшения, основанная на средневековых прецедентах. но достаточно легкомысленной, чтобы стать почти аналогом континентального рококо в смысле заброшенности и поверхностности. Уильям Кент (1684-1748), архитектор и декоратор, изобрел свой собственный словарь готического декора, которые так же быстро и эффективно распространились по Англии, как арабески континентального рококо. Но, кроме этого, рокайль в Англии коснулся лишь несколько интерьеров, немного качественной мебели, несколько картин и немного фарфора, в частности изделия Челси и Боу. Самый ранний образец рокайля в Англии. было поручено великому французскому дизайнеру Meissonnier герцогом Кингстонским в 1735 году за комплект столовой мебели из серебра.Но это был довольно редкий случай, и дизайн рококо, как правило, ограничивался к гравированному украшению на простых формах, почти полностью не затронутых стиль. Новые веяния распространялись преимущественно через сборники моделей. таких как Матиас Лок или Джонс «Джентльмен или Строитель» Компаньон» 1739 года, благодаря которому стали доступны детали в стиле рококо или квази-рококо. каждому ремесленнику, который мог позволить себе объем. Тот факт, что это были только детали, оторванные от своего окружения, объясняют часто грубое качество большей части английской мебели в стиле рококо.так как мастер мог не следует ожидать, что он оценит органическую природу стиля с фрагменты. Как и в Италии и Франции, вкус патрона восемнадцатого века часто расширялся к Востоку в той или иной форме. учет нескольких рококо известные комнаты в Англии, такие как спальня в монастыре Ностелл, Йоркшир, 1745 г., или, самое важное. Дом Клейдона в Бакингемшире (около 1768 г.), где ряд комнат украсил некий Лайтфут, о котором мало известно.Однако в этих комнатах стиль отнюдь не такой чистый, как континентальное рококо. Декоративное искусство рококо появляется на другом английском языке. интерьеры городских и загородных домов и иногда самого высокого качества — особенно в холле в Рэгли, в близлежащем Хагли и в крутящемся лепнина братьев Франчини. который выполнил много лепных работ в Ирландии и особенно известны своей работой в Рассборо. Но это привлекательное местное мастерство далеко от совершенства, всеобъемлющие схемы континента. Английский Мебель и декор в стиле рококо Искусство В отличие от французов, английские краснодеревщики обычно не подписывал свои произведения, и поэтому известно сравнительно мало мужчин, таких как Джон Линнелл , Джон Кобб , Бенджамин Гудисон и Уильям Вайл , которые, похоже, много работали в новая мода. Однако имя Чиппендейл выдающееся, не только из-за качества его произведений, но и из-за его издание «Джентльмен и директор краснодеревщика» (1754). В своих проектах зеркал и каминов, часто приправленный шинуазри, можно увидеть экзотические образцы стиля рококо, ничуть не менее дотошные как французские буазери, но предназначены для использования в качестве отдельных элементов и редко как часть целой декоративной схемы. Точно так же сложные и фантастические резьба в зале в Клейдоне изолирована в классическом стиле. параметр. Английская живопись в стиле рококо В живописи два английских художника пошли на определенные уступки рококо — Уильям Хогарт (1697-1764) и Томас Гейнсборо (1727-88).Хогарт резко отреагировал против типа исторической живописи в стиле барокко, столь востребованной «любителями». и ввел в свою работу так называемую «Линию красоты», которая он объяснил в своем «Анализе красоты» (1753 г.) и который была змеевидной линией, похожей на вытянутую букву «S». Это было, конечно, именно форма многих украшений в стиле рококо. Гейнсборо, напротив, начал жизнь как художник небольших, неестественных портретов, позже развивая более утонченный стиль после переезда в модную баню.Он нарисовал некоторые портреты в стиле рококо удивительно близки Буше, их парящие кисть и пернатые пейзажи, ярко-розовые и серебристо-серые оттенки ярко выражены. больше рококо, чем в любой современной английской живописи. См. также Регентство общество портретистов Томас Лоуренс . Неоклассицизм захлестнул Англию с момента возвращения Роберта Адама в страну в 1758 году, но даже его целомудренный и эпиценский стиль перекликается с изысканным, дотошным качество большинства французских украшений в стиле рококо, а его готика такая же, как в стиле рококо. как любое украшение того периода в Англии.Швейцарский художник-портретист и исторический художник, Анжелика Кауфман (1741-1807), которым очень восхищался сэр Джошуа Рейнольдс за ее портреты, работал с Робертом Адамом над рядом его архитектурных украшения. Стиль рококо в Германии — Характеристики В отличие от великолепной сдержанности лучшее французское рококо, Германия предлагает захватывающий дух ассортимент некоторых из самых эпатажных и великолепных архитектурных и интерьерных решений в стиле рококо украшение в истории европейского искусства. Немецкая архитектура рококо, интерьер Дизайн и отделка Этот высокий стандарт совершенства распространяется от архитектуры до прикладного искусства. искусство — мебель, утварь и фарфор — хотя они редко превосходили те из Франции. Ничто во Франции, Италии или Англии 18-го века не может конкурировать явный избыток таких архитектурных шедевров, как Мельк или Дрезден Цвингер, и только по количеству первоклассных церквей и дворцов Германия легко опережает остальных.Это может быть связано с тем, что то, что мы называемой сейчас Германией, в восемнадцатом веке была разделена на несколько различные княжества, царства и епископства, так что определенное соперничество должны были определить создание зданий большой важности — в отличие от Франция или Англия, где действительно важные заказы неизменно ограничивается небольшим числом посетителей. Немецкое рококо можно увидеть, чтобы проследить его истоки римских церквей периода барокко, таких как Сант Бернини Андреа аль Квиринале, где сочетаются цвет, свет и сложная скульптура. комбинированный.Это очевидно впервые в Германии в аббатстве Церковь Вельтенбурга, построенная после 1714 года, с овальным куполом, срезанным внутри. чтобы раскрыть фрески видения небес выше. Цвет был основной струной к банту немецкого рококо — розовый, сиреневый, лимонный, синий — все они были объединены или использованы по отдельности для достижения впечатляющего эффекта, как в Амалиенбурге под Мюнхеном. Более тяжелые изогнутые формы Барокко в немецком рококо превратились в более отрывистые ритмы, и один обнаруживает влияние крупного памятника барокко, такого как балдахин Бернини. в св.Рим Святого Петра, преобразованный Бальтазаром Neumann (1687-1753), в кондитерское изделие высшего порядка алтарь в Vierzehnheiligen, возможно, самый сложный и удовлетворяющий Немецкие церкви. В то время как формы комнат во Франции в восемнадцатом веке не менялись много, а план церковных зданий почти совсем, Немецкие архитекторы в стиле рококо исследовали все возможности. Стены не только кажутся качаться, несмотря на их огромные масштабы, но целые участки, кажется, были вырезаны, так что огромные потолки с фресками, полностью доминируют над большинством этих церквей, кажется, парят над прихожанами. Одна из самых захватывающих особенностей немецкого языка. архитектура в стиле рококо — это очень драматичное расположение некоторых из самых важные примеры, такие как аббатство Мельк г. Дж. Прандтауэр г., начато в 1702 году. Преднамеренно поставлено на командную позицию высоко над Дунай, две большие башни возвышаются над открытым двором впереди во внешний мир большой аркой палладианского типа. Такое чувство к драма, и для полной вовлеченности верующих как внешне, так и внутри, также находится в Эттале, в перевернутом виде, с монастырем преобладают окружающие горы. Светское строительство также достигло высокого уровня совершенства. Возможно, самые сложные примеры можно найти в Мюнхене и его окрестностях, где, как придворный карлик и архитектор, Франсуа Кювилье (1695-1768) был участвовал во многих зданиях, возможно, самым прекрасным из них был Амалиенбург. Этот небольшой павильон, построенный между 1734 и 1739 годами и названный в честь курфюрста жена, обладает, по словам Хью Гонора, «легким изяществом и тонкой деликатностью».Его плавно покачивающийся фасад, неглубокий руст и необычные фронтоны предвещают один из красивейших залов Европы — знаменитый Зеркальный зал с его серебристая рокайль на пудрово-голубом фоне и сверкающем стекле. На противоположном конце шкалы находится Cuvillies Residenz-театр в Мюнхене. (1751-53) использует богато позолоченные фигуры и музыкальные инструменты для обрамления весь зрительный зал, ярко контрастируя с красным штофом и бархатом стен и сидений. В Потсдаме и Дрездене никогда не было такого утонченного стиля рококо, как в Мюнхен, но такие здания, как Цвингер (1709-19) по Поппельманн в Дрездене поражают своим масштабом и обилием декоративных деталей. Эффект этого типа архитектуры чувствуется и в маленьком дворце. Сан-Суси в Потсдаме (1745-51), построенный для Фридриха I. Здорово. Благодаря своему масштабу, роскоши и непреодолимому величию деталей, рококо Германия занимает первое место в Европе. Подробнее об интерьерах в стиле рококо в России см. работу Бартоломео Растрелли (1700-71). Поздние варианты рококо Стиль рококо никогда не вымирал в провинциальной Франции. С приход историзма в 1820-х годах, многие мастера нашли его сравнительно легко изготовить целые интерьеры и здания в стиле «Второе рококо» так любимы Луи-Филиппом и его королевой, примеры которых можно можно найти по всему Парижу. Возрождение архитектуры и дизайна в стиле рококо пришло в Англию еще в 1828 г. с камерой Вятвилля Ватерлоо в Эпсли-Хаус, интерьеры Ланкастер-хаус и салон Элизабет в замке Бельвуар. Он обратился естественно, для богатых того времени, и Ротшильды украсили несколько дома в стиле, даже с реальными интерьерами 18 века в поместье Уоддесдон в 1880-х годах. ← Стоит ли идти на архитектора: Топ-10 почему не стоит быть архитектором Красивый проект одноэтажного дома: Красивые проекты одноэтажных домов в современном стиле → Добавить комментарий Отменить ответ Ваш адрес email не будет опубликован. Обязательные поля помечены * Комментарий * Имя * Email * Сайт